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Orchestra

Para outros usos, veja Orchestra (disambiguation).

orchestra é ensemble instrumental, geralmente razoavelmente grande com corda, bronze, seções do woodwind, e possivelmente uma percussão secione também. O termo orchestra deriva-se do nome para a área na frente do estágio do grego antigo reservado para Chorus grego. O orchestra cresceu pelo accretion durante todo os décimos oitavos e décimos nonos séculos, mas mudou muito pouco na composição durante o vigésimo século.

Um orchestra menor (de aproximadamente quarenta jogadores ou de menos) é chamado a orchestra de câmara.

Um orchestra sem redução (aproximadamente 100 jogadores) pode às vezes ser chamado “orchestra do symphony“ou”orchestra philharmonic"; estes prefixos não indicam necessariamente nenhuma diferença estrita em qualquer um instrumental o constitution ou o papel do orchestra, mas podem ser útil distinguir os ensembles diferentes baseados na mesma cidade (por exemplo, Orchestra do Symphony de Londres e Orchestra de Londres Philharmonic). Um orchestra do symphony terá geralmente sobre eighty músicos em seu roster, em alguns casos sobre cem, mas no número real dos músicos empregados em um desempenho particular pode variar de acordo com o trabalho que estão sendo jogados e o tamanho do venue. Um orchestra de câmara principal pôde empregar o tanto como como cinqüênta músicos; alguns são muito menores do que aquele.

Índices

Instrumentação

O orchestra típico do symphony consiste em quatro grupos proporcionais de similar instrumentos musicais, geralmente aparecendo na contagem musical na seguinte ordem:

Os instrumentos marcados dentro negrito são considerados os instrumentos symphonic do “núcleo”, requeridos em tudo mas nos casos os mais raros. Outros instrumentos alistaram são considerados acima instrumentos auxiliares e requeridos mais menos freqüentemente, mas consultados ainda a como o padrão. Tarde - 19 trabalhos symphonic do século do th que chamam-se para todos os instrumentos auxiliares, assim como um número aumentado das cordas, incluem geralmente a frase “para o orchestra grande” em seus títulos cheios.

Influência de Beethoven

“O complemento padrão so-called” de ventos e do bronze dobro no orchestra da primeira metade do 19o século é atribuído geralmente às forças chamadas para perto Beethoven. As exceções a esta são seu quarto Concerto do Symphony e do violino, que cada uma especifica um único flauta.

Instrumentação expandida

Aparte do complemento orchestral do núcleo, vário outros instrumentos são chamados para ocasionalmente. Estes incluem saxophone, heckelphone, flugelhorn, cornet, harpsichord, e órgão. Saxophones, por exemplo, apareça em uma escala limitada de 19as e 20as contagens do século. Ao aparecer somente como instrumentos de solo caracterizados em alguns trabalhos, por exemplo Ravel orchestration de Mussorgsky Retratos em um Exhibition, Rachmaninoff Danças Symphonic, o saxophone é incluído em outros trabalhos, tais como o Ravel Bolero e Walton Festa de Belshazzar, como um membro do ensemble orchestral. euphonium é caracterizado em alguns tarde Romântico e 20o século os trabalhos, jogando geralmente parte do “tuba marcada tenor”, incluindo Holst Os planetas, e Richard Strauss Ein Heldenleben. Os Cornets aparecem dentro Tchaikovsky ballet Lago swan, Debussy La Mer, e diversos trabalhos orchestral perto Hector Berlioz. A menos que estes instrumentos estiverem jogados pelos membros que dobram em um outro instrumento (por exemplo, um jogador do trombone que muda ao euphonium para uma determinada passagem), os orchestras usar-se-ão freelance músicos para aumentar seus rosters regulares.

Organização

Entre os grupos do instrumento e dentro de cada grupo dos instrumentos, há uma hierarquia geralmente aceitada. Cada grupo instrumental (ou a seção) têm um director que seja geralmente responsável para conduzir ao grupo e jogar solos orchestral. Os violinos são divididos em dois grupos, em primeiro violino e em segundo violino, cada um com seu principal. O primeiro violino principal é chamado concertmaster (ou “líder” no Reino Unido) e é considerado o líder não somente da seção da corda, mas do orchestra inteiro, subordinado somente ao condutor.

O trombone principal está considerado o líder da seção de bronze baixa, quando a trombeta principal for considerada geralmente o líder da seção de bronze inteira. Similarmente, o oboe principal é considerado o líder da seção do woodwind, e é o jogador a quem todo o outro ajusta. chifre, quando tècnica um instrumento de bronze, agir frequentemente no papel do woodwind e do bronze. A maioria seções têm também um principal assistente (ou de co-principais ou assocíe o principal), ou na caixa dos primeiros violinos, um concertmaster assistente, que jogue frequentemente a tutti peça além a substituir o principal em sua ou sua ausência.

Jogos de um jogador da corda da seção unison com o descanso da seção, exceto no exemplo do dividido (divisi) peças, onde as partes superiores e mais inferiores na música são atribuídas frequentemente aos jogadores assentados da “parte externa” (mais próximo as audiências) e do “interior”. Onde uma parte de solo é chamada para dentro uma seção da corda, por exemplo nos violinos, da seção do líder os jogos invariàvel que divisória. Os jogadores do vento e do bronze de Tutti jogam geralmente uma divisória original mas do non-solo. Secione as peças do jogo dos percussionists atribuídas a elas pelo percussionist principal.

Nas épocas modernas, músicos são dirigidos geralmente por a condutor, embora os orchestras adiantados não tivessem um, usando preferivelmente concertmaster ou harpsichordist jogar baixo contínuo para este papel. Alguns orchestras modernos fazem também sem maestros, particularmente os orchestras menores e os aqueles especializando-se em desempenhos historicamente exatos de música barroco e mais cedo.

Executado o mais freqüentemente repertoire para a symphony o orchestra é ocidental música clássica ou ópera. Entretanto, os orchestras são usados às vezes dentro música popular, e são usados extensivamente dentro música da película.

História do orchestra

História adiantada

Nos 15os e 16os séculos dentro Italy as casas dos nobres tiveram os músicos para fornecer a música para dançar e corte, porém com o emergence do theatre, particularmente ópera, no 17o século adiantado, a música foi escrita cada vez mais para grupos dos jogadores na combinação: qual é a origem de jogar orchestral. A ópera originou em Italy, e Germany seguido ansiosamente. Dresden, Munich e Hamburgo casas de ópera sucessivamente construídas. No fim do 17o século a ópera floresceu dentro Inglaterra sob Henry Purcell, e dentro France sob Lully, de que com a colaboração Molière também levantou extremamente o status dos entertainments sabidos como ballets, interspersed com música instrumental e vocal.

No 17o século e cedo no 18o século, os grupos instrumentais foram feitos exame de todo o talent disponível. Um compositor como Johann Sebastian Bach teve o controle sobre quase todos os recursos musicais de uma cidade, visto que Handel empregaria os mais melhores músicos disponíveis. Isto colocou um prêmio em poder reescrever a música para qualquer singers ou músicos foram servidos melhor para versões diferentes produzidas um desempenho-Handel do Messiah oratorio quase cada ano.

Enquanto o nobility começou a construir recuos longe das cidades, começaram a empregar músicos para dar forma a ensembles permanentes. Compositores tais como os jovens Joseph Haydn teria então um corpo fixo dos instrumentalists a trabalhar com. Ao mesmo tempo, os performers viajando do virtuoso escreveriam o concerti que mostrou fora de suas habilidades, e viajariam da cidade à cidade, arranjando concerts ao longo da maneira. Os orchestras aristocratic trabalharam junto sobre os períodos longos, fazendo o possível para o ensemble que joga para melhorar com prática.

Escola de Mannheim

Esta mudança, da música civic que faz onde o compositor teve algum grau de tempo ou de controle, a fazer menor da música da corte e a desempenho one-off, colocou um prêmio na música que era fácil de aprender, frequentemente com quase nenhum rehearsal. Os resultados eram mudanças no estilo e na ênfase musicais em técnicas novas. Mannheim teve um dos orchestras os mais famosos desse tempo, onde notated a dinâmica e frasear, previamente completamente raras, transformou-se padrão (veja Escola de Mannheim). Atendeu também a uma mudança no estilo musical do complexo counterpoint do barroco período, a uma ênfase no espaço livre melodia, texturas homophonic, frases curtas, e cadences freqüentes: um estilo que fosse definido mais tarde como classical.

Durante todo o 18o século atrasado os compositores continuariam a ter que montar os músicos para um desempenho, chamados frequentemente um “Academy”, que, para caracterizar naturalmente suas próprias composições. Em 1781, entretanto, Orchestra de Leipzig Gewandhaus foi organizado da sociedade do concert dos comerciantes, e começou uma tendência para a formação dos orchestras civic que aceleram no 19o século. Em 1815, Boston Handel e sociedade de Haydn foi fundado, em 1842 New York Philharmonic e Viena Philharmonic foram dados forma, e em 1858, Orchestra de Hallé foi dado forma em Manchester. Tinha havido por muito tempo uns corpos eretos dos músicos em torno das óperas, mas não para a música do concert: esta situação mudou no 19o século adiantado como parte da ênfase crescente na composição de symphonies e outros formulários puramente instrumentais. Isto foi incentivado por críticos do compositor como E.T.A. Hoffmann quem declarou que a música instrumental era “o formulário o mais puro” da música. A criação de orchestras eretos resultou também em uma estrutura profissional onde os músicos poderiam rehearse e executar os mesmos trabalhos repetidamente, conduzindo ao conceito de a repertoire na música instrumental.

Padrões de desempenho

No 1830s, condutor François Antoine Habeneck, começou a rehearsing um grupo selecionado dos músicos a fim executar os symphonies de Beethoven, que não tinham sido ouvidos em sua totalidade em Paris. Desenvolveu técnicas de rehearsing as cordas separada, notating específicos do desempenho, e outras técnicas de cuing as entradas que foram espalhadas através de Europa. Seus rival e amigo Hector Berlioz adotaria muitas destas inovações em seu excursionar de Europa.

Craftsmanship instrumental

A invenção do pistão e da válvula giratória por Stolzel e por Bluhmel, ambos Silesians, em 1815, estava o primeiro em uma série das inovações, including o desenvolvimento do keywork moderno para a flauta perto Theobald Boehm e as inovações de Adolphe Sax nos woodwinds. Estes avanços conduziriam Hector Berlioz para escrever sobre um livro do marco instrumentação, que era o primeiro treatise sistemático no uso do som instrumental como um elemento expressive da música.

O efeito da invenção das válvulas para o bronze foi sentido quase imediatamente: os instrumento-fabricantes durante todo Europa strove junto promover o uso destes instrumentos recentemente refinados e de continuar sua perfeição; e o orchestra foi antes que longo enriquecido por uma família nova de valved instrumentos, sabido vària como tubas, ou euphoniums e bombardons, tendo uma escala chromatic e um tom sonorous cheio da beleza grande e do volume immense, dando forma a um baixo magnífico. Isto fêz também possível mais jogar uniforme das notas ou intonation, que conduziriam a um mais e mais “alise” o som orchestral que peak nos 1950s com Eugene Ormandy e Orchestra de Filadélfia e conduzir de Herbert von Karajan com Berlim Philharmonic.

Durante este período de transição, que facilitou gradualmente o desempenho de mais escrita de bronze “natural” exijindo, muitos compositores (notàvelmente Wagner e Berlioz) ainda notated peças de bronze para os instrumentos “naturais” mais velhos. Esta prática fêz possível para os jogadores que usam ainda chifres naturais, por exemplo, executar das mesmas peças que aquelas que jogam agora valved instrumentos. Entretanto, sobre o tempo, o uso do valved instrumentos tornou-se padrão, certamente universal, até o revival de uns instrumentos mais velhos no movimento contemporary para desempenho authentic (sabido às vezes como “desempenho historicamente informed”).

Na altura da invenção do valved o bronze, orchestra do poço de a maioria de operetta os compositores parecem ter sido modestos. Um exemplo é Sullivan uso de duas flautas, um oboe, dois clarinets, um bassoon, dois chifres, dois cornets (um pistão), dois trombones, cilindros e cordas.

Durante esta época da invenção, os ventos e o bronze foram expandidos, e tiveram uma estadia cada vez mais fácil jogar no tune um com o otro: particularmente a abilidade para compositores à contagem para as massas grandes do vento e do bronze que tinham sido previamente pouco práticas. Trabalhos tais como Requiem de Hector Berlioz seria impossível executar mais cedo apenas algumas décadas, com sua escrita exijir para vinte woodwinds, as well as quatro ensembles de bronze gigantescos cada um que inclui ao redor quatro trombetas, quatro trombones, e duas tubas.

Influência de Wagner

A expansão principal seguinte da prática symphonic veio de Wagner Bayreuth orchestra, fundado para acompanhar seus dramas musicais. Os trabalhos de Wagner para o estágio foram marcados com espaço e complexidade unprecedented: certamente, sua contagem a Das Rheingold chamadas para não menos de seis harps. Assim, Wagner envisioned um papel sempre-mais-exijindo para o condutor do orchestra do teatro, porque elaborou em seu trabalho influential “em conduzir”. Isto trouxe aproximadamente uma volta em orchestral composição, e ajuste o estilo para o desempenho orchestral por os eighty anos seguintes. As teorias de Wagner re-examined a importância de tempo, dinâmica, curvar-se de instrumentos da corda e o papel dos principais no orchestra. Os maestros que estudaram seus métodos iriam sobre ser influential eles mesmos.

20o orchestra do século

Porque o século do princípio do século dawned, os orchestras do symphony eram maiores, financiado mais melhor, e melhor treinados do que sempre antes; conseqüentemente, os compositores poderiam compôr trabalhos maiores e mais ambiciosos. Com o começo da era da gravação, o padrão de desempenho alcançou um pinnacle. Nas gravações, os erros pequenos em um desempenho poderiam ser “fixos,” mas muitos maestros e compositores mais velhos poderiam recordar uma época em que simplesmente “começando com” a música tão bem como possível era o padrão. Combinado com as audiências mais largas fêz possível gravando, isto conduziu a um foco renovado em condutores particulares e em um padrão elevado da execução orchestral. Enquanto o som foi adicionado à película silenciosa, o orchestra do virtuoso transformou-se um componente chave do estabelecimento de retratos de movimento como o entertainment do mass-market.

Contador-volta

Nos 1920s e nos 1930s, econômicos as well as considerações artísticas conduziu à formação de sociedades menores do concert, particularmente aquelas dedicadas ao desempenho da música do avant-garde, incluindo Igor Stravinsky e Arnold Schoenberg. Esta tendência começar orchestras do festival ou grupos dedicados seria perseguida também na criação de festivals musicais do verão, e de orchestras para o desempenho de trabalhos menores. Entre o mais influential destes era Academy do St. Martin nos campos sob o baton do senhor Neville Marriner.

Com o advent do movimento adiantado da música, os orchestras onde os jogadores trabalharam na execução dos trabalhos nos estilos derivados do estudo de uns treatises mais velhos em jogar tornaram-se comuns. Estes incluem Jogadores Classical de Londres sob o sentido do senhor Roger Norrington e Academy da música antiga sob Christopher Hogwood, entre outros.

Tendências recentes

O 20o século atrasado viu uma crise de financiar e de sustentação para orchestras em Europa. O tamanho e o custo de um orchestra do symphony, comparados ao tamanho da base dos supporters, transformaram-se uma edição que golpeasse no núcleo da instituição. A queda-fora drástica dos rendimentos da gravação, amarrada a nenhuma extensão pequena às mudanças na indústria da gravação própria, começou um período da mudança que tem para alcançar ainda sua conclusão. Críticos como Lebrecht normando eram vocais em seu diagnóstico do problema como de “o condutor do jogo jato” e dos problemas do repertório e da gerência orchestral, quando outros administradores da música como Michael Tilson Thomas e Esa-Pekka Salonen discutido que a música nova, os meios novos de o apresentar, e um relacionamento renovado com a comunidade poderiam revitalize o orchestra do symphony.

Orchestras de Conductorless

O orchestra borne-revolucionário do symphony Persimfans foi dado forma no URSS em 1922. O aspecto incomun do orchestra era aquele, acreditando isso no ideal Marxist indique que todos os povos são semelhante, seus membros sentiram que não havia nenhuma necessidade ser conduzido pelo baton dictatorial de a condutor; instead foram conduzidos por a comitê. Embora fosse um sucesso parcial, a dificuldade principal com o conceito estava na mudança tempo. O orchestra sobreviveu por dez anos e teve que disbanded somente quando os talents individuais começaram a rebel de encontro ao controle rígido sob que se esperaram jogar.[a citação necessitou]

Alguns ensembles, tais como Orchestra de câmara de Orpheus, baseado dentro New York City, tiveram mais sucesso, embora as decisões fossem prováveis ser adiadas para algum sentido da liderança dentro do ensemble (por exemplo, o vento e os jogadores principais da corda).

Outros retornaram à tradição de um jogador principal, geralmente um violinist, sendo o diretor artístico e os rehearsals running (tais como Orchestra de câmara Australian e Orchestra de câmara novo do século).

Condutores múltiplos

As técnicas de polystylism e polytempo a música tem conduzido recentemente a alguns compositores escrever a música onde os orchestras múltiplos executam simultaneamente. Estas tendências causaram o fenômeno da música do polyconductor, wherein os secundário-condutores separados conduzem cada grupo dos músicos. Geralmente, um condutor principal conduz os secundário-condutores, dando forma desse modo ao desempenho total. Algumas partes são enormemente complexo nesta consideração, como Evgeni Kostitsyn Terceiro Symphony, que se chama para nove condutores.

Charles Ives usado dois condutores, um para simular uma faixa marchando que vem através de sua parte. Realizations para a faixa Symphonic inclui um exemplo de Ives.

Outros meanings de orchestra

Em antigo Greece o orchestra era o espaço entre auditório e proscenium (ou estágio), em que estavam postados chorus e instrumentalists. A palavra grega para orchestra significa literalmente “um lugar dançando”.

Em alguns teatros, o orchestra é a área de assentos diretamente na frente do estágio (chamado primafila ou platea); o termo aplica-se mais corretamente ao lugar em um theatre, ou salão de concert reservado para os músicos.

Veja também

Ligações externas

  • O Orchestra: Um manual de usuário - Uma vista geral razoavelmente concisa, including entrevistas video detalhadas com os jogadores de cada instrumento e vários recursos
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