Início › Índice Multilingual do arquivo › Música de câmara

 Top 10 artigos Goole Hotmail Lista dos países onde o inglês é uma língua oficial Lista de doenças mentais Gmail Família real britânica Googol Tuenti Tsunami KGB

News:

Música de câmara

Música de câmara é um formulário de música clássica, escrito para um grupo pequeno dos instrumentos que tradicional poderiam ser acomodados em uma câmara do palácio. O mais amplamente, inclui alguns música da arte isso é executado por um pequeno número de performers com o um performer a uma divisória. A palavra “câmara” significa que a música pode ser executada em um quarto pequeno, frequentemente em um salon confidencial com uma atmosfera intimate. Entretanto, geralmente não inclui, pela definição, desempenhos de solo do instrumento.

Por causa de sua natureza intimate, a música de câmara foi descrita como “a música dos amigos.”^[1] Por mais de 200 anos, a música de câmara foi jogada primeiramente por músicos amadores em seus repousos, e hoje uniforme, quando a maioria de desempenho da música de câmara migrou do repouso ao salão de concert, há ainda muitos músicos, amador e profissional, que continuam a jogar a música de câmara para seu próprio prazer. Jogar a música de câmara requer as habilidades especiais, musicais e sociais, que são diferentes das habilidades requeridas jogando o solo ou trabalhos symphonic.

Goethe música de câmara descrita (especificamente, música do quartet da corda) como “quatro povos racionais que conversam.”^[2] Este paradigm de conversação foi uma linha tecida com a história da composição da música de câmara do fim do 18o século ao presente. A analogia à conversação retorna nas descrições e nas análises de composições da música de câmara.

Índices 1 História da música de câmara 1.1 Começos adiantados 1.2 Haydn, Mozart, e o estilo classical 1.3 Do repouso ao salão 1.4 Beethoven 1.5 Romanticism a 1850 1.6 Música e sociedade de câmara no 19o século 1.7 Para o 20o século 1.8 Nationalism na música de câmara 1.9 Sons novos para um mundo novo 1.9.1 Inspiração da música popular 1.9.2 Serialism, polytonality e polyrhythms 1.9.3 Neoclassicism 1.10 Esticando os limites 1.11 Música de câmara na sociedade contemporary 2 Desempenho da música de câmara 2.1 A “música dos amigos” 2.2 Interpretação 2.3 Ensemble, mistura e contrapeso 2.4 Intonation 3 A experiência da música de câmara 4 Sociedades da música de câmara 5 Ensembles 6 Notas 7 Bibliografia 8 Ligações externas

História da música de câmara

De seus começos mais adiantados no período barroco ao presente, a música de câmara foi uma reflexão das mudanças na tecnologia e na sociedade que a produziram.

Começos adiantados

Durante as idades médias e o renascimento adiantado, os instrumentos foram usados como o acompanhamento para singers^[3]. Os jogadores da corda jogariam junto com a linha da melodia cantada pelo singer. Os primeiros ensembles puramente instrumentais eram câmera do da do sonata (sonata da câmara) e chiesa do da do sonata (sonata da igreja). Estas eram composições para uma a cinco ou mais instrumentos. A câmera do da do sonata era um suite de movimentos lentos e rápidos, interspersed com tunes da dança; o chiesa do da do sonata era o mesmo, mas as danças foram omitidas. Estes formulários tornaram-se gradualmente sonata do trio do Barroco - dois instrumentos treble e uma linha baixa, frequentemente com um instrumento do teclado (harpsichord ou clavichord) que enche-se na harmonia.

Durante o período barroco, a música de câmara como um genre não foi definida claramente. Frequentemente, os trabalhos podiam ser jogados em toda a variedade dos instrumentos, em ensembles orchestral ou da câmara. Arte do Fugue por Johann Sebastian Bach, por exemplo, pode ser jogado em um instrumento do teclado (harpsichord ou órgão) ou por um quartet da corda ou por um orchestra da corda. A instrumentação de sonatas do trio não foi especificada também frequentemente claramente; A ópera 1 - 5 dos sonatas do trio de Handel, por exemplo, foi escrita para “violinos ou flautas ou oboes”.^[4] As linhas baixas podiam ser jogadas perto violone, cello, theorbo, ou bassoon, e às vezes três ou quatro instrumentos juntariam na linha baixa no unison. Às vezes os compositores misturaram movimentos para ensembles da câmara com os movimentos orchestral. “Tafelmusik” de Telemann (1733), por exemplo, tem cinco jogos dos movimentos para as várias combinações dos instrumentos, terminando com uma seção orchestral cheia.^[5]

J.S. Sonata do Trio de Bach do “de oferecer Musical” Segundo movimento por Ensemble Brillante

A música de câmara barroco era primeiramente contrapuntal^[6]. Isto é, cada instrumento jogou o mesmo material melodic em ordem, criando uma tela ou um som complexo, interwoven. Porque cada instrumento jogava essencialmente a mesma linha melodic, todos os instrumentos eram iguais. No sonata do trio, não há nenhum instrumento ascendent ou de solo, mas todos os três instrumentos compartilham da importância igual.

Os sonatas do Trio foram acompanhados normalmente por um instrumento do teclado (harpsichord, clavichord ou órgão) que enchesse para fora a estrutura harmonic da parte. O teclado estava em um papel subsidiário, e a peça do teclado não foi escrita geralmente mesmo para fora; rather, a estrutura cordal da parte foi especificada por códigos numéricos sobre a linha baixa, chamada baixo figurado. Os instrumentos do teclado do período foram limitados na dinâmica que poderiam produzir. Um harpsichord pode jogar alto ou macio, com nenhuns gradations no meio. Para esta razão, a maioria de uso dos sonatas do trio dinâmica terraced, isto é, não há nenhum crescendos ou decrescendos, e a linha musical interruptores entre o forte e o piano.

Ao segundo meio do 18o século, as complexidades do counterpoint caíram fora da forma, e de um novo galante o estilo apareceu. A música do galante caracterizou partes de solo rica embellished com acompanhamentos simples. Agora um costume novo levantou-se, isso deu o nascimento a um formulário novo da música de câmara: o serenade. Os Patrons convidaram músicos da rua jogar concerts da noite abaixo dos balcões de seus repousos, de seus amigos e de seus amantes. Os Patrons e os músicos comissão compositores escrever suites apropriados das danças e dos tunes, para grupos de dois a cinco ou seis jogadores. Estes trabalhos foram chamados serenades (sera=night), nocturnes, divertimenti, ou cassations (do gasse=street). O jovem Joseph Haydn comissão escrever diversa destes.

Haydn, Mozart, e o estilo classical

Franz Joseph Haydn é creditado geralmente com criar o formulário moderno da música de câmara como nós o sabemos.^[7] Em 83 quartets da corda, 45 trios do piano, e os trios da corda, os duos e os ensembles numerosos do vento, Haydn estabeleceram o estilo de conversação da composição e do formulário total que era dominar o mundo da música de câmara para os dois séculos seguintes.

Um exemplo da modalidade de conversação da composição é o opus 20 número 4 do quartet da corda de Haydn no major de D^[8]. No primeiro movimento, após uma indicação do tema principal por todos os instrumentos, o primeiro violino quebra em uma figura do triplet, suportada pelo segundos violino, viola e cello. As respostas do cello com seu próprio triplet figuram, então a viola, quando os outros instrumentos jogarem um tema secundário de encontro a este movimento. Ao contrário do counterpoint, onde cada parte joga essencialmente o mesmo papel melodic que o outro, aqui cada instrumento contribui seu próprio caráter, seu próprio comentário na música enquanto se torna.

Haydn estabeleciu-se também em um formulário total para suas composições da música de câmara, que se transformariam o padrão, com variações ligeiras, ao dia atual. O quartet característico da corda de Haydn tem quatro movimentos:

Um movimento da abertura dentro formulário do sonata, geralmente com os dois temas contrastando, seguidos por uma seção do desenvolvimento onde o material thematic seja transformado e transposto, e o ending com um recapitulation dos dois temas iniciais.

Um movimento lyrical em um tempo lento ou moderado, construído às vezes fora de três seções que se repetem na ordem ABCABC, e às vezes um jogo das variações.

A minuet ou scherzo, um movimento claro no tempo de três quartos, com uma seção principal, uma seção contrastando do trio, e um repeat da seção principal.

Uma seção rápida do finale em rondo dê forma, uma série de seções contrastando com uma seção principal do refrain que abre e que fecha o movimento, e repetindo entre cada seção.

Suas inovações ganharam a Haydn o título “pai do quartet da corda”^[9], e foi reconhecido por seus comtemporâneos como o compositor principal de seu tempo. Mas era de nenhuma maneira o único compositor que desenvolve modalidades novas da música de câmara. Mesmo antes de Haydn, muitos compositores estavam experimentando já com os formulários novos. Giovanni Battista Sammartini, Ignaz Holzbauer, e Franz Xaver Richter escreveu precursors do quartet da corda.

Se Haydn criar o estilo de conversação da composição, Wolfgang Amadeus Mozart expandiu extremamente seu vocabulário. His música de câmara masterpieces numerosos adicionados ao repertoire da música de câmara. Trios do piano de Mozart sete e dois quartets do piano eram os primeiros para aplicar o princípio de conversação à música de câmara com piano. Os trios do piano de Haydn são essencialmente sonatas do piano com o violino e o cello que fazem na maior parte partes do obligato, dobrando as linhas treble e baixas da contagem do piano. Mas Mozart dá às cordas um papel independente, usando os como um contador ao piano, e adicionando suas vozes do indivíduo à conversação da música de câmara^[10].

Mozart introduziu o Clarinet recentemente inventado no arsenal da música de câmara, com Trio de Kegelstatt para a viola, o Clarinet e o piano, K. 498, e quintet para o quartet do Clarinet e da corda, K. 581. Tentou também outros ensembles inovativos, including o quintet para o violino, dois violas, cello e o chifre francês, K. 407, quartets para a flauta e as cordas, e várias combinações do instrumento de vento. Escreveu seis quintets da corda para dois violinos, dois violas e cello^[11], que exploram os tons ricos do tenor dos violas, adicionando uma dimensão nova à conversação do quartet da corda.

Os quartets da corda de Mozart são considerados o pinnacle da arte classical. Os seis quartets da corda que dedicou a Haydn, a seu amigo e a mentor, inspiraram o compositor mais velho dizer ao pai de Mozart, “mim dizem-no antes do deus como um homem honesto que seu filho é o compositor o mais grande conhecido a mim na pessoa ou pela reputação. Tem o gosto, e, o que é mais, o conhecimento o mais profundo da composição. “^[12]

Muitos outros compositores escreveram as composições da câmara durante este período que eram populares naquele tempo e são jogadas ainda hoje. Luigi Boccherini, O compositor e o cellist espanhóis, escreveram quase quartets de cem cordas, e mais de cem quintets para dois violinos, viola e dois cellos. Neste ensemble inovativo, usado mais tarde por Schubert, Boccherini dá solos flashy, virtuosic ao cello principal, como um showcase para seu próprio jogar. Violinist Carl Ditters von Dittersdorf e cellist Baptist Vanhal de Johann, que ambos os quartets jogados do coletor com o Haydn no segundo violino e o Mozart na viola, eram compositores populares da música de câmara do período.

Do repouso ao salão

A volta do 19o século viu que as mudanças dramáticas na sociedade e na tecnologia da música que teve efeitos far-reaching na música de câmara da maneira estiveram compostas e jogadas.

O colapso do sistema aristocratic.^[13] Durante todo o 18o século, o compositor era normalmente um empregado de um aristocrat, e a música que de câmara compôs era para o prazer de e o desempenho por amadores aristocratic. Haydn, por exemplo, era um empregado da contagem Nikolaus Esterházy, um amante de música e um amador baryton jogador, para quem Haydn escreveu muitos de seus trios da corda. Mozart escreveu três quartets da corda para o rei do Prussia, Friedrich Wilhelm II, um cellist. Muitos de quartets de Beethoven foram executados primeiramente com a contagem do patron Andreas Razumovsky no segundo violino. Boccherini composto para o rei de Spain.

Com a bancarrota do aristocracy e das ordens sociais novas durante todo Europa, os compositores cada vez mais tiveram que fazer suas próprias maneiras vendendo e executando suas composições. Deram frequentemente os concerts da subscrição, alugando um salão e coletando os recibos do desempenho. Cada vez mais, a música de câmara foi escrita para ser executada não somente por amadores ricos, mas para ser executada por músicos profissionais a uma audiência pagando.

As mudanças na estrutura de stringed instrumentos. No começo do 19o século, os luthiers desenvolveram os métodos novos de construir violino, viola e cello, isso deu a estes instrumentos um tom mais rico, mais volume e mais carregar power.^[14] Também neste tempo, os bowmakers fizeram a curva do violino mais longa, com uma fita mais grossa do cabelo sob uma tensão mais elevada. Isto melhorou a projeção do instrumento, e fêz também técnicas novas possíveis do bowing. Em 1820, Louis Spohr inventou o mais chinrest, que deu a violinists mais liberdade de movimento em suas mãos esquerdas, para uma técnica mais nimble. Estas mudanças contribuíram à eficácia de desempenhos públicos em salões grandes, e expandiram o repertoire das técnicas disponíveis aos compositores da música de câmara.

A invenção do pianoforte. O pianoforte foi inventado realmente perto Bartolomeo Cristofori no começo do 18o século, mas não até o fim desse século, com melhorias técnicas em sua construção, transforma-se um instrumento eficaz para o desempenho.^[15] O pianoforte melhorado foi adotado imediatamente por Mozart e por outros compositores, que começaram a compôr ensembles da câmara com o piano que joga um papel principal. O piano era tornar-se mais e mais dominante com o 19o século, tanto de modo que muitos compositores, como Liszt e Chopin, escreveu quase exclusivamente para o solo do piano.

Beethoven

Escarranchar este período da mudança é o gigante da música ocidental, Ludwig camionete Beethoven. Beethoven transformou a música de câmara, levantando o para um plano novo, nos termos de seu índice e nos termos das demandas técnicas fêz em seus performers e em suas audiências. His trabalha, nas palavras de Maynard Solomon, era “os modelos de encontro a que um romanticism de décimo-século mediu suas realizações e falhas.”^[16] Seus quartets atrasados, no detalhe, foram considerados assim daunting uma realização que muitos compositores após ele estavam receosos essay o meio; Johannes Brahms composto e rasgou acima 20 quartets da corda antes que ousou publicasse um trabalho de que sentisse fosse digno “de marchar gigante atrás.”^[17]

Beethoven fêz seu debut formal como um compositor com três trios do piano, opus 1. Mesmo estes trabalhos adiantados, publicados quando Beethoven era somente 22, ao aderir a um molde estritamente classical, mostrado sinais dos trajetos novos que Beethoven devia forjar nos anos de vinda. Quando mostrou o manuscrito dos trios a Haydn, seu professor, antes da publicação, Haydn aprovou dos primeiros dois, mas advertiu de encontro a publicar o terceiro trio, no menor de C, como demasiado o radical, advertindo o “não seja compreendido e não recebeu favoràvel perto o público.”^[18] No fato, a predição de Haydn era errada; o terceiro trio provou ser o mais popular do jogo, e os criticisms de Haydn causaram uma queda para fora entre ele e o Beethoven sensível. O trio é, certamente, uma partida do molde a que Haydn e Mozart tinham dado forma. Beethoven faz desvios dramáticos do tempo dentro das frases e dentro dos movimentos. Aumenta extremamente a independência das cordas, especialmente o cello, permitindo que varie acima do piano e nivele ocasionalmente o violino.

Se os trabalhos do seu Beethoven introduzido trios do opus 1 ao público, seu septet, opus 20, o estabelecerem como um dos compositores os mais populares de Europa. O septet, marcado para o violino, viola, cello, contrabass, Clarinet, chifre francês e bassoon, era uma batida enorme. Foi jogado nos concerts repetidas vezes. Pareceu nas transcrições para muitas combinações - uma de que, para o Clarinet, o cello e o piano, foram escritos por Beethoven ele mesmo - e foi assim popular que Beethoven temeu que eclipsaria seus outros trabalhos. Tanto de modo que por 1815, Carl Czerny escrevesse que Beethoven “não poderia resistir seu septet e crescesse irritado por causa do aplauso universal que recebeu.”^[19] O septet é escrito como um divertimento classical em seis movimentos, including dois minuets, e um jogo das variações. Está cheio de tunes catchy, com solos para todos, including os contrabass.

Em seus 17 quartets da corda^[20], composto sobre o curso de 37 de seus 56 anos, Beethoven vai do excellence classical do par do compositor ao criador de Romanticism musical, e transcends finalmente o classicism e o romanticism para criar um genre que defies o categorization. Stravinsky consultou ao Grosse Fuge, dos quartets atrasados, como “esta parte absolutamente contemporary de música que será contemporary para sempre.”^[21]

amarre os quartets 1 - 6, opus 18 foram escritos no estilo classical, no mesmo ano que Haydn escreveu a seu opus 76 quartets da corda. Mesmo aqui, Beethoven esticou as estruturas formais abertas caminho por Haydn e por Mozart. No no. do opus 18 do quartet. 1, no major de f, por exemplo, há um solo longo, lyrical para o cello no segundo movimento, dando ao cello um tipo novo de voz na conversação do quartet. E o último movimento do no. do opus 18. 6, “La Malincolia”, críam um tipo novo de estrutura formal, intercalando uma seção lenta, melancholic com uma dança manic. Beethoven devia usar este formulário em uns quartets mais atrasados, e foi adotado por Brahms e por outro também.

Nos anos 1805-1806, Beethoven compôs os três opus 59 quartets em um commission da contagem Razumovsky, que jogou o segundo violino em seu primeiro desempenho. Estes quartets, do período médio de Beethoven, eram pioneiros no estilo romântico. Além de introduzir muitas inovações estruturais e stylistic, estes quartets eram muito mais difíceis tècnica de executar - tanto de modo que fossem, e para remanescer, além do alcance de muitos jogadores amadores da corda. Quando primeiro violinist Ignaz Schuppanzigh queixado de sua dificuldade, Beethoven retorted, “você pensa do cuidado de I sobre seu violino wretched quando o espírito me move?”^[22] Entre as dificuldades são os syncopations e os cruz-ritmos complexos; funcionamentos sincronizados de décimas sextas, trigésimas segundas, e sessenta-quartas notas; e modulações repentinas que requerem a atenção especial ao intonation. Além aos quartets do opus 59, Beethoven escreveu dois mais quartets durante seu período médio - opus 74, o quartet do “Harp”, nomeado para o incomun harp-como o efeito Beethoven cría com as passagens do pizzicato no primeiro movimento, e opus 95, o “Serioso.”

v • d • e Quartets da corda por Ludwig camionete Beethoven Opus 18 Não. 1 no major de F · Não. 2 no major de G · Não. 3 no major de D · Não. 4 no menor de C · Não. 5 no major de A · Não. 6 de B no major flat Opus 59 (Rasumovsky) Não. 7 no major de F · Não. 8 no menor de E · Não. 9 no major de C Outros quartets médios do período Não. 10 de E no major flat, Op. 74 (Harp) · Não. 11 no menor de F, Op. 95 (Serioso) Quartets atrasados Não. 12 de E no major flat, Op. 127 · Não. 13 de B no major flat, Op. 130 · Não. 14 no menor afiado de C, Op. 131 · Não. 15 no menor de A, Op. 132 · Große Fuge, Op. 133 · Não. 16 no major de F, Op. 135 Arranjo do quartet da corda de Op. 14, No. 1 por Beethoven

O Serioso é um trabalho transitional que ushers no período atrasado de Beethoven - um período das composições do introspection grande. “O tipo particular do inwardness período do estilo de Beethoven do último,” escreve Joseph Kerman, dá a um o sentimento que “a música está soando somente para o compositor e para outro um revisor de contas, um eavesdropper do awestruck: você. “^[23] Nos quartets atrasados, a conversação do quartet disjointed frequentemente, proseguindo como um córrego do consciousness. As melodias são interrompidas, ou passadas no meio da linha melodic do instrumento ao instrumento. Beethoven usa efeitos novos, nunca antes do essayed na literatura do quartet da corda: o efeito ethereal, dreamlike de intervalos abertos entre a corda elevada de E e a corda aberta de A no trio do opus 132; o uso de ponticello do sul (jogando na ponte do violino) para um som frágil, scratchy no movimento do presto do opus 131; o uso da modalidade lydian, unheard na música ocidental por 200 anos, no opus 132; uma melodia do cello jogou a elevação sobretudo as outras cordas no finale do opus 132.^[24] Contudo para todo este disjointedness, cada quartet é projetado firmemente, com uma estrutura overarching que amarre o trabalho junto.

Beethoven escreveu oito trios do piano^[25], cinco amarram trios, dois quintets da corda, e partes numerosas para o ensemble do vento. Escreveu também 10 sonatas para o violino e o piano e cinco sonatas para o cello e o piano.

Romanticism a 1850

Como Beethoven, em seus últimos quartets, foi fora em seu próprio sentido, Franz Schubert continuado e estabelecido o estilo romântico emergente. Em seus 31 anos, Schubert devotou muita de sua vida a música de câmara, compondo 15 quartets da corda, dois trios do piano, trios da corda, um quintet do piano, um octeto para cordas e ventos, e seu quintet famoso para dois violinos, viola e dois cellos.

Música de Schubert^[26], como sua vida, exemplified os contrastes e os contradictions de seu tempo. Na uma mão, era o querido da sociedade Viennese: starred nos soirées que se tornaram sabidos como Schubertiaden, onde jogou sua luz, mannered as composições que expressaram gemütlichkeit de Viena do 1820s. Na uma mão, sua própria vida curta foi encoberta na tragédia, wracked pela pobreza e pela saúde doente. A música de câmara era o meio ideal para expressar este conflito, “para reconcile seus temas essencialmente lyric com seu sentimento para o utterance dramático dentro de um formulário que fornecesse a possibilidade de contrastes extremos da cor.”^[27] quintet em C, D. da corda. 956, é um exemplo de como este conflito é expressado na música. O primeiro tema do primeiro movimento, impetuosamente e dramático, conduz a uma ponte da tensão levantando-se, peaking de repente e quebrando no segundo tema, um duet lilting nas vozes mais baixas. Alternar drang do und do sturm e o relaxation continua durante todo o movimento.

v • d • e Música de câmara por Felix Mendelssohn Quartets da corda No. do Quartet da corda. 1 de E no major flat, Op. 12 · No. do Quartet da corda. 2 no menor de A, Op. 13 · No. do Quartet da corda. 3 no major de D, Op. 44, No. 1 · No. do Quartet da corda. 4 no menor de E, Op. 44, No. 2 · No. do Quartet da corda. 5 de E no major flat, Op. 44, No. 3 · No. do Quartet da corda. 6 no menor de F, Op. 80 · Quatro partes para o Quartet da corda, Op. 81 · Quartet da corda de E no major flat (1823) Quintets da corda e octetos No. de Quintet da corda. 1 no major de A, Op. 18 · No. de Quintet da corda. 2 de B no major flat, Op. 87 · Octeto de E no major flat, Op. 20 Sonatas da corda No. de Sonata do Cello. 1 de B no major flat, Op. 45 · No. de Sonata do Cello. 2 no major de D, Op. 58 · Viola Sonata no menor de C (1823-4) · Violino Sonata no menor de F, Op. 4 · Violino Sonata no major de F (1820) · Violino Sonata no major de F (1838) Trios do piano, quartets e sextets No. do Trio do piano. 1 no menor de D, Op. 49 · No. do Trio do piano. 2 no menor de C, Op. 66 · No. do Quartet do piano. 1 no menor de C, Op. 1 · No. do Quartet do piano. 2 no menor de F, Op. 2 · No. do Quartet do piano. 3 no menor de B, Op. 3 · Quartet do piano no menor de D (1821) · Piano Sextet no major de D, Op. 110 Trabalhos para o Clarinet Clarinet Sonata de E no major flat (1824) · No. da parte do Concert. 1 no menor de F, Op. 113 · No. da parte do Concert. 2 no menor de D, Op. 114 Lista das composições por Felix Mendelssohn

Estas forças contending vêm à expressão em outros de trabalhos de Schubert: no quartet Morte e o Maiden, Quartet de Rosamunde e no stormy, um-movimento Quartettsatz.^[28]

Ao contrário de Schubert, Felix Mendelssohn teve uma vida da paz e da prosperidade. Carregado em uma família Jewish rica em Hamburgo, Mendelssohn provou-se himself uma criança Prodigy. Pela idade de 16, tinha escrito seu primeiro trabalho principal da câmara, octeto da corda, opus 20. Já neste trabalho, Mendelssohn mostrou algum do estilo original que era caracterizar mais tarde his trabalhos; notàvelmente, a textura clara gossamer de seus movimentos do scherzo, exemplified também pelo Canzonetta movimento do opus 12 do quartet da corda, e o scherzo do primeiro trio do piano no menor de d, opus 49.

Uma outra característica que Mendelssohn abra caminho é cíclico dê forma na estrutura total. Isto significa reusar do material thematic de um movimento ao seguinte, dar a coerência total da parte. Em his segundo quartet da corda, abre a parte com uma seção calma do adagio em um major, esse contrasta com o primeiro movimento stormy no menor de A. Após o movimento final, vigoroso do presto, retorna à abertura adagio para conclir a parte. Este quartet da corda é também homage de Mendelssohn a Beethoven; o trabalho studded com citações dos quartets médios e atrasados de Beethoven.

Durante sua vida do adulto, Mendelssohn escreveu dois trios do piano, sete trabalhos para o quartet da corda, dois quintets da corda, o octeto, um sextet para o piano e as cordas, e sonatas numerosos para o piano com violino, cello, e Clarinet.

Robert Schumann continuou o desenvolvimento da estrutura cíclica. Em his opus 44 do quintet do piano^[29], Schumann escreve um fugue dobro no finale, usando o tema do primeiro movimento e o tema do último movimento. Schumann e Mendelssohn ambos, depois do exemplo ajustado por Beethoven, revived o fugue, que tinha caído fora do favor desde o período barroco. Entretanto, melhor que escrita estrita, fugues full-length, usaram o counterpoint como uma outra modalidade da conversação entre os instrumentos da música de câmara. Muitas da câmara de Schumann trabalham, including todos os três de seus quartets da corda e seu quartet do piano tem as seções contrapuntal interwoven seamlessly na textura compositional total.^[30]

Os compositores da primeira metade do 19o século estavam aguda cientes do paradigm de conversação estabelecido por Haydn e por Mozart. Schumann escreveu que em um quartet verdadeiro “todos tem algo para dizer… uma conversação, frequentemente verdadeiramente bonitas, tecido frequentemente estranhamente e turbidly, entre quatro povos. “^[31] Sua consciência exemplified pelo violinist do compositor e do virtuoso Louis Spohr. Spohr dividiu seus 36 quartets da corda em dois tipos: quatuor brillant, essencialmente um concerto do violino com acompanhamento do trio da corda; e diálogo do quatuor, na tradição de conversação.^[32]

Música e sociedade de câmara no 19o século

O meio do 19o século viu mais mudanças na sociedade e no gosto musical, que teve seu impacto na composição e no desempenho da música de câmara.

Quando as melhorias nos instrumentos conduziram a uns desempenhos mais públicos da música de câmara, remanesceu muito muito um tipo de música a ser jogada tanto quanto executado. As sociedades amadoras do quartet saltaram acima durante todo Europa, e nenhuma cidade middling-feita sob medida em Germany ou em France seria sem um. Estas sociedades patrocinaram concerts da casa, compilaram bibliotecas da música, e incentivaram jogar dos quartets e dos outros ensembles.^[33] Os milhares dos quartets foram publicados por centenas dos compositores; entre 1770 e 1800, mais de 2000 quartets foram publicados^[34], e o ritmo não declinou no século seguinte. Durante todo o 19o século, os compositores publicaram os quartets da corda agora negligenciados por muito tempo: George Onslow escreveu 36 quartets e 35 quintets; Donizetti escreveu dúzias dos quartets, Antonio Bazzini, Anton Reicha, Carl Reissiger, Joseph Suk e outros escreveram para encher uma demanda insatiable para quartets. Além, havia um mercado vívido para arranjos do quartet da corda de tunes populares e dos povos, de trabalhos do piano, de symphonies, e de arias da ópera.^[35]

Mas as forças opondo-se estavam no trabalho. O meio do 19o século viu a ascensão dos virtuosi superstar, que extraíram a atenção longe da música de câmara para o desempenho de solo. Frederick Chopin e Franz Liszt “recitals apresentados” - um termo inventou por Liszt que extraiu multidões dos ventiladores ecstatic que swooned no som de seu jogar. O piano, que poderia ser produzido em massa, assentou bem em um instrumento da preferência, e em muitos compositores, como Chopin e Liszt, compostos primeiramente se não exclusivamente para o piano.^[36]

O ascendance do piano, e da composição symphonic, não era meramente uma matéria da preferência; era também uma matéria do ideology. No 1860s, um schism cresceu entre músicos românticos sobre o sentido da música. Liszt e Richard Wagner conduziu a um movimento que contended que “a música pura” tinha funcionado seu curso com Beethoven, e que os formulários novos, programmatic da música eram o futuro da arte. Os compositores desta escola não tiveram nenhum uso para a música de câmara. Opôr esta vista era Johannes Brahms e his assocía, especialmente o crítico poderoso da música Eduard Hanslick. Isto Guerra do Romantics agitou o mundo artístico do período, com trocas vituperative entre os dois acampamentos, boycotts do concert, e petições.

Embora jogar do amador prosperasse durante todo o 19o século, este era também um período do professionalization crescente do desempenho da música de câmara. Os quartets profissionais começaram a dominar o estágio do concert da música de câmara. O quartet de Hellmesberger, conduzido perto Joseph Hellmesberger, e o quartet de Joachim, conduzido perto Joseph Joachim, debuted muitos dos quartets novos da corda por Brahms e por outros compositores. Um outro jogador famoso do quartet era Normando Neruda de Vilemina, sabido também como a senhora Hallé. Certamente, durante o último third do século, as mulheres começaram a fazer exame de seu lugar no estágio do concert: as todo-mulheres amarram o quartet conduzido por Emily Shinner, e o quartet de Lucas, também todas as mulheres, era dois exemplos notáveis.^[37]

Para o 20o século

Era Johannes Brahms que carregou a tocha da música romântica para o 20o século. Heralded por Robert Schumann como o forger “de trajetos novos” na música^[38], A música de Brahms é uma ponte do classical ao moderno. Na uma mão, Brahms era uma tradicionalista, conservando as tradições musicais de Bach e de Mozart^[39]. Durante todo sua música de câmara, usa técnicas tradicionais do counterpoint, de fugues incorporando e de canons em texturas de conversação e harmonic ricas. Na uma mão, Brahms expandiu a estrutura e o vocabulário harmonic da música de câmara, noções tradicionais challenging do tonality. Um exemplo deste está no sextet da corda de Brahms em segundo, opus 36^[40][41]. Tradicional, os compositores escreveram o primeiro tema de uma parte na chave da parte, estabelecendo firmemente essa chave como o tonic, ou repouso, chave da parte. O tema da abertura do opus 36 começa no tonic (major de G), mas já pela terceira medida modulou, à chave unrelated do major de E flat. Enquanto o tema se torna, varia com as várias chaves antes de voltar ao major de G do tonic. Este “audacity harmonic”, como Swafford descreve-o^[42], aberto a maneira para que as experiências mais bold(realce) venham.

Não somente na harmonia, mas também na estrutura musical total, Brahms estava um innovator. Desenvolveu uma técnica que Arnold Schoenberg descrevesse como “a variação se tornando”^[43]. Melhor que definiu discretely frases, Brahms funciona frequentemente a frase na frase, e mistura motriz melodic para criar uma tela da melodia contínua. Schoenberg, criador do sistema de 12 tons da composição, seguiu as raizes de seu modernism a Brahms, em seu essay “Brahms o progressivo”^[44].

Todos ditos, Brahms publicaram 24 trabalhos da música de câmara, including três quartets da corda, dos cinco trios do piano, o quintet para o piano e as cordas, o opus 34, e outro trabalham. Entre seus últimos trabalhos eram quintet do Clarinet, opus 115, e um trio para o Clarinet, o cello e o piano. Escreveu um trio para a combinação incomun de piano, violino e waldhorn (o predecessor do chifre francês), opus 40. Escreveu também duas canções para o alto, a viola e o piano, opus 91, reviving o formulário da voz com obligato da corda que tinha sido abandonado virtualmente desde o barroco.

A exploração do tonality e da estrutura começada por Brahms foi continuada por compositores da escola francesa. César Franck'o quintet do piano de s no menor de f, composto em 1879, estabeleceu mais mais o formulário cíclico explorado primeiramente por Schumann e por Mendelssohn, reusing o mesmo material thematic em cada um dos três movimentos. Claude Debussy's quartet da corda, opus 10, é considerado um watershed na história da música de câmara. O quartet usa a estrutura cíclica, e constitui um divórcio final das réguas da harmonia classical. “Todos os sons em qualquer combinação e em toda a sucessão estão henceforth livres ser usado em uma continuidade musical,” Debussy escreveram^[45]. Pierre Boulez dito que Debussy livrou a música de câmara “da estrutura rígida, do rhetoric congelado e do aesthetics rígido.”^[46]

Quartet da corda de Debussy Primeiro movimento jogado pelo Quartet da corda do Cypress

Quartet de Debussy, como os quartets da corda de Ravel de Maurice e de Gabriel Fauré, críe uma cor nova para a música de câmara, uma cor do tom e texture associado com Movimento Impressionist^[47]. Violist James Dunham, dos Quartets de Cleveland e de Sequoia, escreve do quartet do Ravel, “mim foi oprimido simplesmente pela varredura do sonority, o sensation das cores que mudam constantemente…”^[48] Para estes compositores, os ensembles da câmara eram o veículo ideal para transmitir este sentido atmosférico, e os trabalhos da câmara constituíram muito de seu oeuvre.

Nationalism na música de câmara

A paralela com a tendência procurar modalidades novas do tonality e da textura era um outro desenvolvimento novo na música de câmara: a ascensão do nationalism. Os compositores giraram mais e mais para os ritmos e os tonalities de suas terras nativas para a inspiração e o material. “Europa impelled pela tendência romântica estabelecer mais em matérias do musical os limites nacionais e mais agudamente,” escreveu Alfred Einstein. “A coleta e sifting de tesouros melodic tradicionais velhos… deu forma à base para uma arte-música creativa. “^[49] Para muitos destes compositores, a música de câmara era o veículo natural para expressar seus caráteres nacionais.

Compositor Czech Antonín Dvořák criado em sua música de câmara uma voz nova para a música de sua Boémia nativa. Em 14 quartets da corda, três amarram quintets, dois quartets do piano, um sextet da corda, quatro trios do piano, e numeroso outras composições da câmara, Dvořák incorporam a música popular e as modalidades como uma parte integral de suas composições. Por exemplo, no quintet do piano no major de A, o opus 81, o movimento lento é a Dumka, um ballad popular de Slavic que alterne entre uma canção expressive lenta e uma dança rápida^[50]. A fama de Dvořák em estabelecer uma música nacional da arte era assim grande que o philanthropist de New York e o connoisseur da música Jeannette Thurber convidado lhe a América, para dirigir um conservatório que estabelecesse um estilo americano da música^[51]. Lá, Dvořák escreveu his amarre o quartet no major de F, opus 96, nicknamed “o americano.” Ao compôr o trabalho, Dvořák entertained por um grupo dos Indians de Kickapoo que executaram danças e canções nativas, e estas canções pode ter sido incorporado no quartet^[52].

Bedřich Smetana, um outro Czech, escreveu um quartet do trio e da corda do piano, ambo incorporasse ritmos e melodias Czech nativos. Em Rússia, a música popular Russian permeated os trabalhos do atrasado - 19 compositores do século do th. Pyotr Ilyich Tchaikovsky usa uma dança Russian típica dos povos no movimento final de seu sextet da corda, Lembrança de Florença, opus 70. Alexander Borodin's segundo quartet da corda contem referências à música popular, e o movimento lento do Nocturne desse meio das recordações do quartet - as modalidades orientais que eram atuais nas seções muçulmanas de Rússia do sul. Edvard Grieg usou o estilo musical de sua Noruega nativa em seu quartet da corda no menor de G, opus 27.

Em Hungria, compositores Zoltán Kodály e Béla Bartók abriu caminho a ciência de ethnomusicology executar dos primeiros estudos detalhados da música popular. Variar através do Magyar províncias, transcreveram, dez gravams, e classificados dos milhares de melodias populares^[53]. Usaram estes tunes em suas composições, que são caracterizadas pelos ritmos asymmetrical e pelas harmonias modal dessa música. Suas composições da música de câmara, e aquelas do compositor Czech Leoš Janáček, combinado a tendência nacionalista com a 20a busca do século para tonalities novos. Quartets da corda de Janáček não somente para incorporar os tonalities da música popular Czech, refletem também os ritmos do discurso na língua Czech.

Sons novos para um mundo novo

O fim do tonality ocidental, começado subtly por Brahms e feito explícito por Debussy, posed uma crise para compositores do 20o século. Não era meramente uma introdução de encontrar tipos novos de harmonias e de sistemas melodic para substituir escala diatonic aquela era a base da harmonia ocidental; a estrutura inteira da música ocidental - os relacionamentos entre movimentos e entre elementos estruturais dentro dos movimentos - foi baseada nos relacionamentos entre chaves diferentes^[54]. Os compositores foram desafiados assim com construir uma estrutura nova inteira para a música.

Isto foi acoplado com o sentimento que a era que viu a invenção dos automóveis, o telefone, o lighting elétrico, e a guerra de mundo necessitaram modalidades novas da expressão. “O século do avião merece sua música,” escreveu Debussy^[55].

Inspiração da música popular

A busca para uma música nova fêz exame de diversos sentidos. O primeiro, conduzido por Bartok, estava para o tonal e as construções rítmicas da música popular. Pesquisa de Bartok no Hungarian e o outro europeu e meio orientais - a música popular oriental revelaram-lhe um mundo musical construído das escalas musicais que eram nem principais nem menores, e os ritmos complexos que eram estrangeiros à música ocidental. Em seu quinto quartet, por exemplo, Bartok usa uma assinatura do tempo de , “startling ao músico classically-treinado, mas à segundo-natureza ao músico popular.”^[56] Estrutural, também, Bartok inventa frequentemente ou empréstimos das modalidades populares. No sexto quartet da corda, por exemplo, Bartok começa cada movimento com uma melodia lenta, elegiac, seguida pelo material melodic principal do movimento, e concli o quartet com um movimento lento que seja construído inteiramente neste elegy. Este é um formulário comum em muitas culturas da música popular.

Quartets da corda de Bartok seis são comparados frequentemente com os quartets atrasados de Beethoven^[57]. Neles, as estruturas musicais novas das configurações de Bartok, exploram os sonorities produzidos nunca previamente na música clássica (por exemplo, o pizzicato snap, onde o jogador levanta a corda e a deixa agarrar para trás no fingerboard com um zumbido audível), e críam as modalidades da expressão que ajustam estes trabalhos aparte de todos os outros. De “os quartets do último dois Bartok proclamam o sanctity da vida, progresso e a vitória do humanity apesar dos perigos anti-humanistic do tempo,” escreve o Baron de John Herschel do analista^[58]. O último quartet, escrito quando Bartok se estava preparando para fujir a invasão Nazi de Hungria por uma vida nova e incerta nos ESTADOS UNIDOS, é visto frequentemente como uma indicação autobiographical da tragédia de suas épocas.

Bartok não estava sozinho em suas explorações da música popular. Igor Stravinsky's Três partes para o Quartet da corda é estruturado como três folksongs Russian, melhor que como um quartet classical da corda. Stravinsky, como Bartok, usou ritmos asymmetrical durante todo sua música de câmara; Histoire du soldat, em próprio arranjo de Stravinsky para o Clarinet, o violino e o piano, deslocam constantemente assinaturas do tempo entre duas, três, quatro e cinco batidas à barra. Em Grâ Bretanha, compositores Ralph Vaughn Williams, William Walton e Benjamin Britten extraiu na música popular inglesa para muita de sua música de câmara: Vaughn Williams incorpora os folksongs e o país que fiddling em seu primeiro quartet da corda. Compositor americano Charles Ives escreveu a música que era distintamente americano. Ives deu títulos programmatic a muita de sua música de câmara; seu primeiro quartet da corda, por exemplo, é chamado “do exército de Salvation,” e dos hymns Protestant americanos das citações em diversos lugares.

Serialism, polytonality e polyrhythms

Um segundo sentido na busca para um tonality novo era serialism. Arnold Schoenberg desenvolveu a série, ou 12 tone, método da composição como uma alternativa à estrutura forneceu pelo sistema diatonic. O método envolve construir uma parte usando uma série das 12 notas da escala, permuting a e sobrepondo a nse para criar a composição.

Schoenberg não chegou imediatamente no método de série. Seu primeiro trabalho da câmara, o sextet da corda Verklärte Nacht, era na maior parte um trabalho romântico alemão atrasado, embora era bold(realce) em seu uso das modulações. O primeiro trabalho que era frankly atonal era segundo quartet da corda; o último movimento deste quartet, que inclui um soprano, não tem nenhuma assinatura chave. Atonality explorado mais adicional de Schoenberg com Pierrot Lunaire, para o singer, a flauta ou o de flautim, Clarinet, violino, cello e piano. O singer usa uma técnica chamada Sprechstimme, incompletamente entre o discurso e a canção.

Após ter desenvolvido a técnica de série, Schoenberg escreveu um número de trabalhos da câmara, including dois mais quartets da corda, um trio da corda, e um quintet do vento. Foi seguido por um número outros de compositores de série, o mais proeminente de quem eram seus estudantes Alban Berg, que escreveu Suite Lyric para o quartet da corda, e Anton Webern, que escreveu Cinco movimentos para o Quartet da corda, op. 6.

Serialism não era a única experiência nova no tonality. Darius Milhaud desenvolveu o uso de polytonality, isto é, música onde os instrumentos diferentes jogam em chaves diferentes ao mesmo tempo. Milhaud escreveu 18 quartets da corda; os quartets numeram 14 e 15 são escritos de modo que cada um possa ser jogado por se, ou os dois possam ser jogados ao mesmo tempo que um octeto. Milhaud usou também idioms do jazz, como em his Suite para o Clarinet, o violino e o piano.

Charles Ives usou não somente o polytonality em seus trabalhos da câmara, mas também polymeter. Em his primeiro quartet da corda escreve uma seção onde o primeiros violino e viola joguem dentro tempo quando o segundos violino e cello jogarem dentro .

Neoclassicism

O plethora dos sentidos que a música recolheu o primeiro quarto do 20o século conduziu a uma reação por muitos compositores. Conduzido por Stravinsky, estes compositores olharam à música de Europa preclassical para a inspiração e a estabilidade. Quando trabalhos neoclassical de Stravinsky - tais como Canon dobro para o Quartet da corda - comtemporâneo sadio, são modelados em formulários classical barrocos e adiantados - o canon, o fugue, e o formulário barroco do sonata.

Quartet 3 da corda de Hindemith em C, Op. 22 Segundo movimento, Schnelle Achtel jogado por Ana Fazendeiro, por David Boyden, por Austin Han, e por Dylan Mattingly

Paul Hindemith era um outro neoclassicist. Seus muitos trabalhos da câmara são essencialmente tonal, embora usam muitas harmonias dissonant. Hindemith escreveu sete quartets da corda, dois trios da corda, entre outros trabalhos da câmara. Numa altura em que os compositores eram os trabalhos da escrita da complexidade crescente, além do alcance de músicos amadores, Hindemith reconheceram explicitamente a importância de música-fazer amador, e escreveram intencionalmente as partes que estavam dentro das abilidades de jogadores nonprofessional^[59].

Quartet No. 8 da corda de Dmitri Shostakovitch Largo; Molto Allegro jogado pelo Quartet da corda de Seraphina (Tabby de Sabrina e Caeli Smith, violinos; Madeline Smith, viola; Tabby, cello de Genevieve)

Dmitri Shostakovich era um do mais prolific dos compositores da música de câmara do 20o século, escrevendo 16 quartets da corda, dois trios do piano, o quintet do piano, e numeroso a outra câmara trabalha. A música de Shostakovitch foi proibida por muito tempo na União Soviética e Shostakovitch ele mesmo estava no perigo pessoal da deportação a Sibéria. His oitavo quartet é um trabalho autobiographical, aquele expressa seu depression profundo de seu ostracization, limitando no suicide^[60]: cita das composições precedentes, e usa o motif DSCH da quatro-nota, as iniciais do compositor.

Esticando os limites

Enquanto o século progrediu, muitos compositores criaram trabalhos para os ensembles pequenos que, quando formalmente pôde ser considerada a música de câmara, desafiaram muitas das características fundamentais que tinham definido o genre sobre os últimos 150 anos.

para o ensemble ACORDADO Constelações da estrela com pontos comuns e estrelas de queda com desejos secretos e floresta nocturnal com diálogos Extremidade abrupta
da contagem de Für Kommende Zeiten por Stockhausen

A música dos amigos: A idéia de compôr a música que poderia ser jogada no repouso foi abandonada pela maior parte. Bartok era entre o primeiro a parte com esta idéia. “Bartok nunca conceived estes quartets para o desempenho confidencial mas rather para concerts grandes, públicos.”^[61] Com exceção de muitas dificuldades técnicas quase insurmountable de muitas partes modernas, algumas delas são simplesmente impossíveis jogar em um quarto pequeno. Por exemplo, Trens diferentes por Reich de Steve, marcado para o quartet da corda e a fita adesiva gravada, pode somente ser jogado em um salão com um sistema sadio sofisticado.

O paradigm de conversação: Como podem os jogadores de um quartet da corda conduzir uma conversação quando estão voando sobre as audiências em quatro helicópteros separados? Este é o caso no Helikopter-Streichquartett por Karlheinz Stockhausen. Quando a parte foi executada em 1995, os jogadores tiveram earphones com um metrônomo estalando para permiti-los de jogar no tempo direito^[62]. Não poderiam ouvir os outros jogadores, e ouvem-se mal.

A relação do compositor e do performer: Tradicional, o compositor escreveu as notas, e o performer interpretou-as. Mas este é já não o caso em muita música moderna. Em Für Kommende Zeiten (Por épocas vir), Stockhausen escreve um formulário invertido da música do programa: geralmente o compositor escreve a música e os ouvintes surmise o programa. Neste caso, Stockhausen escreve o programa, e os jogadores devem compor a música.

O compositor Terry Riley descreve como trabalha com o Quartet de Kronos, e ensemble devotado à música contemporary: “Quando eu escrevo uma contagem para eles, é uma contagem não editada. Eu pus apenas em uma quantidade mínima de dinâmica e marcas frasear… nós gastamos muito tempo tentar para fora idéias diferentes a fim dar forma à música, para dar-lhe forma. No fim do processo, faz os performers realmente para possuir a música. Aquela a mim é a mais melhor maneira para que compositores e os músicos interajam. “^[63]

Sons novos: Os compositores procuram os timbres novos, remotos da mistura tradicional das cordas, do piano e dos woodwinds que caracterizaram a música de câmara no 19o século. Esta busca conduziu à incorporação de instrumentos novos, tais como theremin e synthesizer em composições da música de câmara.

Muitos compositores procuraram timbres novos dentro da estrutura de instrumentos tradicionais. Bartok abriu caminho a busca com his Sonata para dois pianos e percussões. Outros exemplos são Gordon Jacob'octeto de s para oito violas, e Charles Ives Partes de Quartertone para dois pianos ajustados um quartertone distante. Outros compositores usaram a eletrônica criar sonorities novos. Um exemplo é Migalha de George's Anjos escuros, para o quartet elétrico da corda. Os jogadores curvaram não somente seus instrumentos amplificados, eles também batem neles com dedais, arrancam os com paperclips, e o jogo no lado errado da ponte ou entre os dedos e a porca.

Que estas mudanças significam para o futuro da música de câmara? “Com os avanços tecnologicos tenha perguntas vindas do aesthetics e as mudanças sociological na música,” escrevem o Baron do analista^[64]. “Estas mudanças resultaram frequentemente nos accusations que a tecnologia destruiu a música de câmara e que o avanço tecnologico está na proporção inversa ao valor musical. O ferocity destes ataca somente underscores como o fundamento estas mudanças é, e somente o tempo dirá se o humankind se beneficiar deles. “

Música de câmara na sociedade contemporary

Os analistas concordam que o papel da música de câmara na sociedade mudou profundamente nos últimos 50 anos; contudo há pouco acordo a respeito de o que essa mudança é. Na uma mão, o Baron contends que de “a música câmara no home… remanescido muito importante em Europa e em América até a segunda guerra de mundo, depois do qual na invasão crescente do rádio e da gravação reduziu seu espaço consideravelmente. “^[65] Esta vista é suportada por impressões subjetivas. “Hoje há assim que muitos mais milhões dos povos que escutam a música, mas distante pouca música de câmara jogando apenas para o prazer dela,” diz o maestro e o pianist Daniel Barenboim^[66].

Entretanto, os exames recentes sugerem que há, no contrário, um resurgence de fazer home da música. No programa de rádio “amadores ajude manter a música de câmara viva” de 2005, repórter Theresa que Schiavone cites uma votação de Gallup que mostra que um aumento na venda de stringed instrumentos em América. Joe Lamond, presidente da associação nacional dos fabricantes da música (NAMM) atribui o aumento a um crescimento do repouso quefaz pelos adultos que aproximam a aposentadoria. “Eu olharia realmente ao demographics dos boomers [do bebê],” disse em uma entrevista. Estes povos “estão começando procurar algo esse matérias a eles… nada faz lhes a sensação boa mais do que jogando a música. “^[67]

Um estudo pelo escritório europeu da música em 1996 sugere que não somente uns povos mais velhos estão jogando a música. “O número dos adolescents hoje para ter feito a música dobrou quase pela comparação com as aquelas carregadas antes de 1960,” as mostras do estudo^[68]. Quando a maioria deste crescimento estiver na música popular, algum está na música de câmara e na música da arte, de acordo com o estudo.

Quando não houver nenhum acordo sobre o número de jogadores da música de câmara, as oportunidades para que os amadores joguem cresceram certamente. O número da música de câmara acampa e os recuos, onde os amadores podem se encontrar com para que um fim de semana ou um mês jogue junto, burgeoned. Música para o amor dele, uma organização para promover jogar amador, publica um diretório de oficinas da música que aliste mais de 500 oficinas em 24 países para amadores em 2008^[69] Os jogadores associados da música de câmara (ACMP) oferecem a um diretório sobre de 5.000 jogadores amadores worldwide quem sócios da boa vinda para sessões da música de câmara^[70].

Não obstante se o número de jogadores amadores cresceu ou encolheu, o número de concerts da música de câmara no oeste aumentou extremamente nos últimos 20 anos. Os salões de Concert substituíram pela maior parte o repouso como o venue para concerts. O Baron sugere que uma das razões para este surge é “os custos espiralando de concerts orchestral e das taxas astronômicas exijidas pelos soloists famosos, que fixaram o preço de ambos fora da escala de a maioria de audiências.”^[71] O repertoire nestes concerts é quase universal os clássicos do 19o século. Entretanto, os trabalhos modernos são cada vez mais incluídos nos programas, e nos alguns grupos, como Quartet de Kronos, devote-se quase exclusivamente à música contemporary e às composições novas; e os ensembles gostam Quartet da corda do console da tartaruga, essa liga classical, jazz, e outros estilos a criar música do cruzamento.

Desempenho da música de câmara

O desempenho da música de câmara é um campo especializado, e requer um número de habilidades requeridas não normalmente para o desempenho da música symphonic ou de solo. Muitos performers e autores escreveram sobre as técnicas especializadas requeridas para um músico bem sucedido da câmara. A música de câmara que joga, escreve M.D. Herter Norton, requer aquele “indivíduos… faça um inteiro unified contudo remanesça indivíduos. O soloist é um todo até himself, e no orchestra o individuality é perdido nos números… “^[72].

A “música dos amigos”

Muitos performers contend que a natureza intimate de jogar da música de câmara requer determinados traços da personalidade.

O Waterman de David, cellist do Quartet de Endellion, escreve que o músico da câmara “necessita balançar o assertiveness e a flexibilidade.”^[73] O rapport bom é essencial. Arnold Steinhardt, primeiro violinist do Quartet de Guarneri, anota que muitos quartets profissionais sofrem do retorno freqüente dos jogadores. “Muitos músicos não podem fazer exame da tensão de ir mano um mano com o mesmo ano de três povos após o ano. “^[74]

Sra. Norton, um violinist que estude o quartet que joga com o Quartet de Kneisel no começo do último século, vai assim distante que os jogadores de partes diferentes em um quartet têm traços diferentes da personalidade. “Pela tradição o primeiro violino é o líder” mas “este não significa um predominance relentless.” O segundo violinist “é um pequeno todos empregado.” “A contribuição artística de cada membro será medida por sua habilidade em afirmar ou em subduing esse individuality que deve possuir para estar em toda interessante.”^[75]

Interpretação

“Para um indivíduo, os problemas da interpretação são challenging bastante,” escreve o Waterman, “mas para um quartet que grappling com algumas do mais profundo, do intimate e das composições heartfelt na literatura da música, a natureza communal da tomada de decisão é frequentemente testando do que as decisões elas mesmas.”^[76]

O problema de encontrar o acordo em edições musicais é complicado pelo fato que cada jogador está fazendo uma parte diferente, isso pode parecer exijir a dinâmica ou gesticula contrary àquelas de outras partes na mesma passagem. Estas diferenças são especificadas às vezes mesmo na contagem - por exemplo, onde a cruz-dinâmica é indicada, com o um instrumento que crescendoing quando outras começarem mais macias.

Uma das edições que devem ser estabelecidas no rehearsal é quem conduz ao ensemble em cada ponto da parte. Normalmente, o primeiro violino conduz ao ensemble. Entretanto, há as passagens que requerem outros instrumentos conduzir. Por exemplo, John Dalley, segundo violinist do Quartet de Guarneri, diz, “nós pediremos frequentemente [o cellist] para conduzir dentro pizzicato passagens. Um movimento preparatório dos cellist para o pizzicato é maior e mais lento do que aquele de um violinist. “^[77]

Os jogadores discutem introduções da interpretação no rehearsal; mas frequentemente, no mid-desempenho, os jogadores fazem coisas espontâneamente, requerendo os outros jogadores responder em real - tempo. “Após vinte anos no Quartet [de Guarneri], eu sou surpreendido feliz na ocasião ao achado eu mesmo totalmente erradamente sobre o que eu penso que um jogador fará, ou como reagirá em uma passagem particular,” diz a árvore de Michael do violist^[78].

Ensemble, mistura e contrapeso

Jogar junto constitui um desafio principal aos jogadores da música de câmara. Muitas composições pose dificuldades na coordenação, com figuras como hemiolas, syncopation, e unisons rápidos. Mas além do desafio de jogar junto é o desafio mais grande de soar bom junto.

Para criar um som unified da música de câmara - para se misturar - os jogadores devem coordenar os detalhes de sua técnica. Devem decidir-se quando usar o vibrato e quanto. Necessitam frequentemente coordenar seu bowing e respirar, para assegurar a unidade do tom. Necessitam concordar com técnicas especiais, como spiccato, tasto do sul, ponticello do sul e assim por diante^[79].

O contrapeso consulta ao volume relativo de cada um dos instrumentos. Porque a música de câmara é uma conversação, às vezes um instrumento deve estar para fora, às vezes outro. Não é sempre uma coisa fàcil para membros de um ensemble determinar o contrapeso apropriado ao jogar; freqüentemente, requerem um ouvinte exterior, ou uma gravação, para dizer-lhes que as relações entre os instrumentos estão corretas.

Intonation

Música de câmara que joga problemas especiais dos presentes do intonation. O piano é usar-se ajustado temperament igual, isto é, as 12 notas da escala são espaçadas exatamente ingualmente. Este método faz possível para que o piano jogue em toda a chave; entretanto, todos os intervalos exceto o som do octave muito ligeiramente fora do tune. Os jogadores da corda podem jogar com intonation justo, isto é, podem jogar intervalos específicos (tais como fifths) exatamente no tune. Além disso, a corda e os jogadores do vento podem usar-se intonation expressive, mudando o passo de uma nota para criar um efeito musical ou dramático. Da “o intonation corda é mais expressive e sensível do que o intonation igual-moderado do piano.”^[80]

Entretanto, usar o intonation verdadeiro e expressive requer a coordenação cuidadosa com os outros jogadores, especialmente quando uma parte está atravessando modulações harmonic. “A dificuldade no intonation do quartet da corda é determinar o grau de liberdade que você tem em todo o momento dado,” diz Steinhardt^[81].

A experiência da música de câmara

Os jogadores da música de câmara, amador e profissional, atestam a um enchantment original com jogar no ensemble. "" Não é um exaggeration para dizer que aberto lá para fora antes de mim um mundo enchanted, “escreve Walter Willson Cobbett, músico e editor amadores devotados de Exame de Cyclopedic de Cobbett da música de câmara.^[82]

Os Ensembles desenvolvem um intimacy próximo da experiência musical compartilhada. “É no estágio do concert onde os momentos do intimacy verdadeiro ocorrem,” escreve Steinhardt. “Quando um desempenho é em andamento, todos os quatro de nós entram junto em uma zona da mágica em algum lugar entre nossos carrinhos da música e assentam bem em uma canalização, em um mensageiro, e em um missionário… É uma experiência demasiado pessoal para falar sobre no entanto colore cada aspecto de nosso relacionamento, cada confrontation musical good-natured, toda a bisbolhetice profissional, o gracejo o mais atrasado da viola. “^[83]

Jogar da música de câmara foi a inspiração para livros numerosos, fiction e nonfiction. Uma música igual por Vikram Seth, explora a vida e o amor do segundo violinist de um quartet fictional, o Maggiore. A central à história é as tensões e o intimacy desenvolvidos entre os quatro membros do quartet. “Um composto estranho que é nós somos [no desempenho], não ourselves mais, mas o Maggiore, composto de assim muitas peças disjunct: cadeiras, carrinhos, música, curvas, instrumentos, músicos… “^[84] O Quartet de Rosendorf, por Natan Shaham, descreve as experimentações de um quartet da corda em Palestina, antes do estabelecimento do estado de Israel. Para o amor dele por Wayne Cabine, é um cliente do nonfictional do autor romance com jogar do cello e música de câmara.

Sociedades da música de câmara

As sociedades numerosas são dedicadas ao incentivo e ao desempenho da música de câmara. Alguma destes é:

• Jogadores associados da música de câmara, ou ACMP - a rede da música de câmara, uma organização internacional que incentive jogar amador e profissional da música de câmara. ACMP tem um fundo para suportar projetos da música de câmara, e publica um diretório de músicos da câmara worldwide.

• Música de câmara América grupos profissionais da música de câmara das sustentações com as concessões para residencies e commissions, com os programas da concessão, e com os programas de desenvolvimento profissionais.

• Associação de Cobbett para a música de câmara a pesquisa é uma organização dedicada ao rediscovery dos trabalhos da música de câmara esquecida.

• Música para o amor dele publica um boletim de notícias em atividades amadoras da música de câmara worldwide, as well as uma guia às oficinas da música para amadores.

Além a estas organizações nacionais e internacionais, há as organizações regionais e locais innumerable que suportam a música de câmara.

Ensembles

Esta é uma lista parcial dos tipos de ensembles encontrado na música de câmara.

Número dos músicos	Nome	Comum Ensembles	Instrumentação	Comentários
2	Duo	Duo do piano	pno 2
		Duo instrumental	alguns instrumento e piano	Encontrado especialmente como instrumental sonatas; isto é, violino, cello, viola, chifre, bassoon, Clarinet, flauta sonatas.
			algum instrumento e baixo contínuo do basso	Terra comum dentro música barroco predating o piano. A peça do baixo contínuo do basso está sempre atual fornecer o ritmo e o acompanhamento, e é jogada frequentemente por a harpsichord mas outros instrumentos podem também ser usados.
	Duet	Duet do piano	1 pno, 4 mãos	Mozart, Beethoven, Schubert, Brahms (as partes e os muitos originais das transcrições do seus próprios trabalham); um formulário musical doméstico favorito, com lotes das transcrições de outros genres (óperas, symphonies, concertos e assim por diante).
		Duet vocal	voz, pno	Usado geralmente na arte canção, ou Encontrado.
		Duet instrumental	2 de algum instrumento, igual ou não	Duets quilovolt 423 e 424 para o vn e a Virgínia e Sonata quilovolt 292 para o bsn e vc de Mozart; Duet de Beethoven para a Virgínia e o vc; Béla Bartók'Duets de s para 2 vn.
3	Trio	Trio da corda	vln, vla, vc	Mozart Divertimento quilovolt 563 é um exemplo importante; Beethoven compôs uma série de 5 Trios no começo de sua carreira.
		Trio do piano	vln, vc, pno	Haydn, Mozart, Beethoven, Schubert, Schumann, Brahms e muitos outros.
		Voz, viola e piano	Voz, vla, pno	William Bolcom'o trio de s deixou a noite vir para o Soprano, a viola e o piano, e Johannes Brahms'Und Pianoforte do mit Bratsche de Altstimme do eine do für de Zwei Gesänge, Op. 91, para o Contralto, a viola e o piano
		Clarinet, viola e piano	cl, vla, pno	Mozart'trio de s K498, outro trabalha perto Robert Schumann e Bruch máximo
		Clarinet, Cello e piano	cl, vc, pno	Beethoven'trio de s Op. 11, as well as sua própria transcrição, Op. 38, do Septet, Op. 20; Brahms'trio de s Op. 114, Alexander von Zemlinsky's Op.3.
		Voz, Clarinet e piano	voz, cl, pno	Franz Schubert's Dem Felsen do auf de Der Hirt, D965, Wolfgang Amadeus Mozart's Schon Lacht Der Holde Frühling, quilovolt 580; Spohr's Lieder
		Flauta, viola e Harp	fl, vla, hrp	Trabalhos famosos perto Debussy e Arnold Bax. A 20o século invenção agora com um repertoire surprisingly grande. Um variant é flauta, Cello e Harp.
		Clarinet, violino, piano	cl, vln, pno	Pela maior parte a 20o século invenção, mas crescimento na popularidade; composições famosas perto Béla Bartók, Milhaud e Khachaturian
		Trio do chifre	hrn, vln, pno	19os trabalhos do século; especificamente o Trio em E♭ Op. 40 por Brahms
		Soprano, chifre e piano	sop, hrn, pno	Franz Schubert's Auf Dem Strom
		Trio de lingüeta	ob, cl, bsn	20os compositores do século
4	Quartet	Quartet da corda	2 vln, vla, vc	Formulário muito popular. Exemplos principais numerosos por Haydn (seu criador), por Mozart, por Beethoven, por Schubert, e por muitos outros compositores principais (veja o artigo).
		Quartet do piano	vln, vla, vc, pno	Quilovolt 478 e 493 de Mozart; Composições da juventude de Beethoven; Schumann, Brahms
		Violino, Clarinet, Cello e piano	vln, cl, vc, pno	Raro; exemplo famoso: Messiaen's Quatuor derrama la aleta du temps; mais menos famoso: Hindemith (1938), Walter Rabl (Op. 1; 1896).
		Quartet do Clarinet	3 B♭ Clarinets e Clarinet baixo	compositores de Vigésimo-século
		Quartet de Saxophone	s. sax, A. sax, T. sax, B. sax ou A. sax, A. sax, T. sax, B. sax	compositores de Vigésimo-século
		Quartet da flauta	4 fls ou fl, vln, vla, e vlc	Os exemplos incluem aqueles perto Friedrich Kuhlau, Anton Reicha, Eugène Bozza, Florent Schmitt e Joseph Jongen. 20o Século: Daniel Theaker
		Instrumento de vento e Trio da corda	vn, Virgínia, vc e fl, ob, cl, bsn	Mozart quatro Quartets da flauta e um Quartet de Oboe; Krommer'Quartets s flauta (por exemplo opus 75), Quartets do Clarinet, e Quartets de Bassoon (por exemplo seu jogo do opus 46); Devienne'Quartet de s Bassoon
		Trio do piano e do vento	pno, cl, hrn, bsn	Franz Berwald'opus 1 de s (1819)
		Quartet da Tuba-Euphonium	2 Euphoniums, 2 tubas (Quartet padrão). 4 tubas. 3 Euphoniums, 1 tuba. 1 Euphonium, 3 tubas. 4 Euphoniums	20o Século
		Voz e Trio do piano	voz, pno, vn, vc	Usado perto Beethoven e Franz Josef Haydn para ajustes de Lieder baseado em melodias populares
5	Quintet	Piano Quintet	2 vln, vla, vc, pno	Schumann, Brahms, Béla Bartók, Shostakovich e outros
			vln, vla, vc, cb, pno	Uma instrumentação uncommon usada perto Franz Schubert em his Truta Quintet as well as perto Johann Nepomuk Hummel e Louise Farrenc.
		Woodwind Quintet	fl, cl, ob, bsn, hrn	19o século (Reicha, Danzi e outros) e 20os compositores do século
		Corda Quintet	vln 2, vla, vc com vla adicional, vc, ou cb	com 2a Virgínia: Michael Haydn, Mozart, Beethoven, Brahms, Bruckner; com 2o vc: Boccherini, Schubert; com cb: Vagn Holmboe, Dvořák.
		Vento & cordas Quintet	ob, cl, vln, vla, cb	Prokofiev, Quintet em G Op.39 menor. Em seis movimentos. (1925)
		Quintet de bronze	2 tr, 1 hrn, 1 trm, 1 tuba	Na maior parte após 1950.
		Clarinet Quintet	cl, 2 vn, 1 Virgínia, 1 vc	Mozart's quilovolt 581, Brahms's Op. 115, Weber Op. 34, Hindemith's (em qual o jogador do Clarinet deve alternar entre um B♭ e um instrumento de E♭) e muito outro.
			cl, mão esquerda do pno, vn, Virgínia, vc	Schmidt'partes da câmara de s dedicadas ao pianist Paul Wittgenstein (quem jogado com mão esquerda somente), embora sejam executados quase sempre hoje em dia em uma versão de duas mãos arranjada perto Friedrich Wührer.
		Piano e Quartet do vento	pno, ob, cl, bsn, hrn	Mozart's Quilovolt 452, Beethoven's Op. 16, e muitos outros, including dois perto Nikolai Rimsky-Korsakov e Anton Rubinstein. (Os quatro instrumentos de vento podem variar)
		Ensemble de Pierrot	fl, cl, vln, vc, pno	Nomeado em seguida Arnold Schönberg's Pierrot Lunaire, que era a primeira parte para exijir esta instrumentação. Outros trabalhos incluem Torre de Joan's Petroushkates e Elliott Carter'Duo triplo de s. Algum trabalha, como Pierrot Lunaire próprio, aumenta o ensemble com voz ou percussão.
6	Sextet	Corda Sextet	2 vln, 2 vla, 2 vc	Importante entre estes seja Brahms'Op. 18 e Op. 36 Sextets, e Schoenberg's Verklärte Nacht, Op. 4 (versão original).
		Vento Sextet	2 ob, 2 bsn, 2 hrn ou 2 cl, 2 hrn, bsn 2	Por Mozart há os dois tipos; Beethoven usou esse com cl
		Piano e Vento Quintet	fl, ob, cl, bsn, hrn, pno	Como Poulenc Sextet, e outro perto Ludwig Thuille.
		Piano Sextet	vln, 2 vla, vc, cb, pno	por exemplo. Mendelssohn Op. 110, também um perto Bassett de Leslie. ([1])
			cl, 2 vln, vla, vc, pno	Um exemplo é Prokofiev'insinuação de s nos temas Hebrew Op. 34.
7	Septet	Vento e corda Septet	cl, hrn, bsn, vln, vla, vc, cb	Popularized perto Beethoven's Septet Op. 20, Berwald's, e muito outro.
8	Octeto	Octeto do vento e da corda	cl, hrn, bsn, 2 vln, vla, vc, cb	Popularized perto Schubert's Octeto D. 803, inspirado por Septet de Beethoven.
		Octeto da corda	4 vln, 2 vla, 2 vc	Popularized perto Mendelssohn's Octeto da corda Op. 20. Outros (entre eles trabalhos perto Woldemar Bargiel, George Enescu, e um par das partes perto Dmitri Shostakovich) seguiram.
		Quartet dobro	4 vln, 2 vla, 2 vc	Dois quartets da corda arranjado antiphonically. Um genre preferido perto Louis Spohr. Darius Milhaud Op. O octeto 291 é, rather, um par dos Quartets da corda (seus 14o e 15o) executados simultaneamente
		Octeto do vento	2 ob, 2 cl, 2 hrn, bsn 2	Mozart's quilovolt 375 e 388, Beethoven's Op. 108, muitos escritos perto Franz Krommer.
9	Nonet	Vento e corda Nonet	fl, ob, cl, hrn, bsn, vln, vla, vc, cb	Including um escrito perto Spohr, dois perto Bohuslav Martinů, e quatro perto Alois Hába.
10	Decet	Vento dobro Quintet	2 ob, hrn de 2 ingleses, 2 cl, 2 hrn, bsn 2 (Mozart's ajustado) ou fl 2, ob, hrn inglês, bsn 2 cl, 2 hrn e 2 (Enescu's ajustado)	Há poucos quintets dobro do vento escritos no 18o século (exceções notáveis que são Josef Reicha Partita e o Antonio Rosetti Antonio Rosetti Partita) mas nos 19os e 20os séculos são plenteous. A instrumentação padrão (2 flautas (de flautim), 2 oboes (ou chifre inglês), dois clarinets, dois chifres e dois bassoons) é escrito mais para a combinação dos instrumentos. Algumas das mais melhores 19as composições do século incluem o Emile Bernard Divertissement, Suite do pássaro de Arthur e Salomon Jadassohn Serenade, para nomear alguns. No 20o século o Decet/dixtuor em D, opus 14 perto George Enescu é escrito em 1906, um poço - exemplo sabido. Um instrumento baixo adicional é adicionado freqüentemente ao quintet dobro padrão do vento. Há sobre 500 trabalhos escritos para estes instrumentos e relacionados.
Chave: vln - violino; vla - viola; vc - cello; cb - baixo dobro; pno - piano; fl - flauta; ob - oboe; Hrn inglês - Chifre inglês; cl - Clarinet; s. sax - saxophone do soprano; a. sax - saxophone do alto; t. sax - saxophone do tenor; b. sax - saxophone do baritone; bsn - bassoon; hrn - chifre; tr - trombeta; trm - trombone

O repertoire padrão para ensembles da câmara é rico, e o totality da música de câmara na cópia dentro música da folha dê forma é quase boundless. Veja os artigos em cada combinação do instrumento para exemplos do repertoire.

Notas

Bibliografia

Baron, John Herschel (1998). Música Intimate: Uma história da idéia da música de câmara. Pressão de Pendragon. ISBN 1-57647-018-0. 

Blum, David (1986). A arte de jogar do Quartet: O Quartet de Guarneri na conversação com David Blum. Alfred Knopf. ISBN 0-8014-9456-7. 

Cabine, Wayne (1999). Para o amor dele. Universidade da pressão de Chicago. ISBN 0-226-06585-5. 

Butterworth, Neil (1980). Dvorak, sua vida e épocas. Livros de Midas. ISBN 0-85936-142-X. 

Cobbett, Walter Willson, editor (1929). Exame de Cyclopedic de Cobbett da música de câmara. Pressão da universidade de Oxford. 

Einstein, Alfred (1947). Música na era romântica. W.W. Norton. 

Eosze, Laszlo (1962). Zoltan Kodaly, sua vida e trabalho. Collet' S. 

Geiringer, Karl (1982). Haydn: uma vida creativa na música. Universidade da pressão de Califórnia. ISBN 0-520-04317-0. 

Griffiths, Paul (1978). Uma história concisa da música moderna. Tamisa e Hudson. ISBN 0-500-20164-1. 

Griffiths, Paul (1985). O Quartet da corda: uma história. Tamisa e Hudson. ISBN 0-500-27383-9. 

Kerman, Joseph (1979). Os Quartets de Beethoven. WW Norton e Companhia. ISBN 0-393-00909-2. 

Moleiro, Lucy (2006). Adams a Zemlinsky. Guild dos artistas do Concert. ISBN 1-892862-3. 

Norton, M.D. Herter (1925). A arte de jogar do Quartet da corda. Simon e Schuster (1962). 

Raynor, Henry (1978). História social da música. Taplinger Publishing Companhia. 

Sadie, Stanley, editor (1984). A família nova do violino do bosque. W.W. Norton e Companhia. ISBN 0-393-02556-X. 

Schoenberg, Arnold (1984). em Leonard Stein: Estilo e ideal: Escritas selecionadas de Arnold Schoenberg. Universidade da pressão de Califórnia. 

Seth, Vikram (2000). Uma música igual. Vintage. ISBN 0-375-70924-X. 

Shaham, Natan (1994). O Quartet de Rosendorf. Pressão do bosque. ISBN 0-802-13316-9. 

Solomon, Maynard (1978). Beethoven. Publicar de Granada, limitado. ISBN 0-586-05189-9. 

Steinhardt, Arnold (1998). Indivisible por quatro. Farrar Straus e Giroux. ISBN 0-374-52700-8. 

Stowell, Robert, editor (2003). O companheiro de Cambridge ao Quartet da corda. Pressão da universidade de Cambridge. ISBN 0-521-80194-X. 

Swafford, janeiro (1997). Johannes Brahms. Livros do Vintage. ISBN 0-649-74582-3. 

Thompson, Oscar (1940). Debussy: Homem e artista. Tudor Publishing Companhia. 

Ulrich, Homer (1966). Música de câmara. Pressão da universidade de Colômbia. ISBN 0-066-17909-X. 

Inverno, Robert, e Martin, Robert, editores (1994). O companheiro do Quartet de Beethoven. Universidade da pressão de Califórnia. ISBN 0-520-20420-4. 

O dicionário novo do bosque da música & dos músicos (ed. Stanley Sadie, 1980)

Ligações externas

• Amigos da música de câmara.
• Música de câmara América.
• Orchestra de câmara de ProMusica um ensemble moderno, flexível; concessões numerosas ganhadas de ASCAP para “a programação aventurosa”
• Estacione o Festival da música do &SLC da cidade e o Festival da música dos clássicos do outono Os festivals os mais velhos e os mais novos de Utá de câmara da música.
• Sociedade internacional da música de câmara de Ottawa (Chamberfest) um dos festivals internacionais principais da música de câmara do mundo.
• New York Philomusica
• Jogadores amadores da música de câmara publica uma lista do contato dos músicos worldwide quem música de câmara do jogo para sua própria apreciação. Publicam também listas do repertoire.
• Wiki do planeta do compositor
• Arte dos estados: Câmara/pequeno música de câmara (3-8 instrumentos) por compositores americanos
• Arte dos estados: Câmara/grande música de câmara (instrumentos 9+) por compositores americanos
• Bibliografia anotada da música dobro do quintet do vento