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Art

Art se rapporte à une gamme diverse des activités et des objets façonnés humains, et peut être employé pour couvrir tous ou quels de les arts, incluant musique, littérature et d'autres formes. Il est le plus employé souvent pour se référer spécifiquement au arts visuels, y compris des médias comme peinture, sculpture, et printmaking. Cependant il peut également être appliqué aux formes d'art qui stimulent les autres sens, comme musique, art auditif. Esthétique est la branche de la philosophie qui considère l'art.

Traditionnellement la limite art a été employé pour se rapporter à n'importe quelle compétence ou maîtrise, un concept qui a changé pendant Romantique période, quand l'art est venu pour être vu comme « faculté spéciale de l'esprit humain à classifier avec la religion et la science ».^[1] Généralement l'art est activité humaine d'a (produit de), faite avec l'intention de stimuler les sens d'humain comme l'esprit humain ; en transmettant des émotions et/ou des idées. Au delà de cette description, il n'y a aucune définition convenue générale d'art. L'art peut également illustrer la pensée abstraite et ses expressions peuvent obtenir des émotions précédemment cachées dans ses assistances.

L'évaluation de l'art est devenue particulièrement problématique depuis le 20ème siècle. Richard Wollheim distingue trois approches : Réaliste, par lequel la qualité esthétique soit un indépendant de valeur absolue de n'importe quelle vue humaine ; Objectivist, par lequel ce soit également une valeur absolue, mais dépende d'une expérience humaine générale ; et Relativist position, par lequel ce ne soit pas une valeur absolue, mais dépende dessus, et change avec, l'expérience humaine de différents humains.^[2] Un objet peut être caractérisé par les intentions, ou manque en, de son créateur, indépendamment de son but apparent. Une tasse, qui en apparence peut être utilisée comme récipient, peut être considérée art si prévu seulement comme ornement, alors qu'une peinture peut être métier considéré si produite en série.

L'art visuel est défini comme arrangement de couleurs, des formes, ou d'autres éléments « en quelque sorte qui affecte le sens de la beauté, spécifiquement la production du beau dans un milieu de graphique ou de plastique ».^[3] La nature de l'art a été décrite par Wollheim en tant que « un des plus évasive des problèmes classiques de la culture humaine ».^[4] Il a été défini comme véhicule pour l'expression ou la communication des émotions et des idées, des moyens d'explorer et apprécier éléments formels dans leur propre intéret, et As mimesis ou représentation.^[5] Lion Tolstoy art identifié comme utilisation des moyens indirects de communiquer d'une personne à l'autre.^[5] Benedetto Croce et R.G. Collingwood a avancé idéaliste regardez que l'art exprime des émotions, et que l'oeuvre d'art donc existe essentiellement dans l'esprit du créateur.^[6][7] L'art comme forme a ses racines en philosophie de Immanuel Kant, et a été développé au vingtième siècle tôt près Roger font frire et Clive Bell.^[5] Art As mimesis ou la représentation a les racines profondes en philosophie de Aristote.^[5]

Table des matières 1 Utilisation 2 Théories 3 Utilité 4 Conflits de classification 5 Art controversé 6 Art, classe et valeur 7 Formes, genres, médias, et modèles 8 Histoire 9 Caractéristiques 9.1 Compétence et métier 9.2 Jugement de valeur 9.3 Communication 10 Voyez également 11 Notes 12 Bibliographie 13 Davantage de lecture 14 Liens externes

Utilisation

On comprend que l'utilisation la plus commune du mot « art, » qui a monté à la proéminence après 1750, dénote compétence produisaient esthétique résultat.^[8] Britannica en ligne le définit comme « utilisation de compétence et d'imagination dans la création des objets, des environnements, ou des expériences esthétiques qui peuvent être partagées avec d'autres. »^[9] Par quelconque d'entre ces définitions du mot, les travaux artistiques ont existé pour presque tant que humanité: de tôt art préhistorique à art contemporain. Beaucoup a été écrit au sujet du concept du « art ».^[10] Là où Adorno dit en 1970 « cela est maintenant pris pour reconnaissant que rien qui concerne l'art ne peut être pris pour accordé plus de [...], »^[11],^[12] Le premier et plus large sens de art est celui qui est resté le plus étroitement à la signification latine plus ancienne, qui traduit rudement la « compétence » ou le « métier, » et également de l' Racine indo-européenne signifiant le « arrangement » ou « pour arranger ». Dans ce sens, l'art est celui qui soit décrit comme après avoir été subi un processus délibéré d'arrangement par un agent. Quelques exemples où cette signification prouve très large incluent objet façonné, artificiel, artifice, artillerie, médical arts, et militaire arts. Cependant, il y a beaucoup d'autres utilisations familières du mot, toutes avec une certaine relation au son étymologie.

La seconde et le sens plus récent du mot art est comme abréviation pour art créateur ou art fin. L'art fin signifie qu'une compétence est employée pour exprimer la créativité de l'artiste, ou pour engager les susceptibilités esthétiques de l'assistance, ou pour dessiner les assistances vers la considération du plus très bien choses. Souvent, si la compétence est employée dans une manière commune ou pratique, les gens la considéreront un métier au lieu de l'art. De même, si la compétence est employée dans une manière commerciale ou industrielle, on le considérera Art commercial au lieu de l'art. D'une part, métiers et conception sont parfois considérés art appliqué. Quelques disciples d'art ont argué du fait que la différence entre l'art fin et l'art appliqué a plus à faire avec des jugements de valeur faits au sujet de l'art que n'importe quelle différence definitionnelle claire.^[13] Cependant, même l'art fin a souvent des buts au delà de la créativité et de la libre expression pures. Le but des oeuvres d'art peut être de communiquer des idées, telles que dedans politiquement, religieux, ou philosophique-motivé art ; pour créer un sens de beauté (voyez esthétique); pour explorer la nature de la perception ; pour le plaisir ; ou pour produire de fort émotions. Le but peut également être apparemment inexistant.

La dérivation finale de très bien dans art fin venez du philosophie de Aristote, qui a proposé quatre causes ou explications d'une chose. cause finale d'une chose est le but pour son existence, et la limite art fin est dérivé de cette notion. Si la cause finale d'un dessin-modèle est simplement le dessin-modèle lui-même, le « art dans l'intéret de l'art », et pas des moyens à une autre extrémité, alors ce dessin-modèle pourrait convenablement s'appeler très bien. Le concept étroitement lié de la beauté est classiquement défini en tant que « cela qui une fois vu, satisfait ». Le plaisir est la cause finale de la beauté et n'est pas ainsi des moyens à une autre extrémité, mais une fin en soi.

L'art peut décrire plusieurs choses : une étude de compétence créatrice, un processus d'employer la compétence créatrice, un produit de la compétence créatrice, ou l'expérience de l'assistance avec la compétence créatrice. Les arts créateurs (art en tant que discipline) sont une collection de disciplines (arts) ce produit dessin-modèles (art comme objets) qui sont contraints par une commande personnelle (art comme activité) et écho ou reflètent un message, une humeur, ou un symbolisme pour que la visionneuse interprète (art comme expérience). Des dessin-modèles peuvent être définis par des interprétations utiles et créatrices des concepts sans limites ou des idées afin de communiquer quelque chose à une autre personne. Des dessin-modèles peuvent être explicitement faits à cette fin ou être interprétés basé sur des images ou des objets. L'art est quelque chose qui stimule les pensées, les émotions, la croyance, ou les idées d'un individu par les sens. C'est également une expression d'une idée et il peut prendre beaucoup de différentes formes et atteindre beaucoup de différents objectifs. Bien que l'application des théories scientifiques pour dériver une nouvelle théorie scientifique comporte la compétence et les résultats dans la « création » de quelque chose de nouveau, ceci représente la science seulement et n'est pas classée par catégorie comme art.

Théories

Dans dix-neuvième siècle, des artistes ont été principalement concernés par des idées de vérité et beauté. Le théoricien esthétique John Ruskin, dont a soutenu le naturalisme cru J. M. W. Turner, le rôle de l'art de scie comme communication par artifice d'une vérité essentielle qui pourrait seulement être trouvée en nature.^[14] L'arrivée de Modernisme au vingtième siècle tôt menez à une coupure radicale dans la conception de la fonction de l'art,^[15] et de l'autre côté vers la fin du vingtième siècle avec l'arrivée de postmodernism. Greenberg clémentle 'article 1960 de s « peinture modernisève » définit l'art moderne comme « utilisation des méthodes caractéristiques de discipline de critiquer la discipline elle-même ».^[16] Greenberg a à l'origine appliqué cette idée au mouvement abstrait d'expressioniste et utilisée lui comme manière de comprendre et justifier la peinture abstraite (non-illusionistic) plate :

L'art réaliste et naturaliste avait dissimulé le moyen, en utilisant l'art pour cacher l'art ; le modernisme a employé l'art pour attirer l'attention sur l'art. Les limitations qui constituent le milieu de la peinture - la surface plate, la forme de l'appui, les propriétés du colorant - ont été traitées par les vieux maîtres en tant que facteurs négatifs qui pourraient être reconnus seulement implicitement ou indirectement. Sous le modernisme ces mêmes limitations sont venues pour être considérées comme des facteurs positifs, et ont été reconnues ouvrir.^[16]

Après Greenberg, plusieurs théoriciens importants d'art ont émergé, comme Michael a fait frire, T. J. Clark, Rosalind Krauss, Linda Nochlin et Pollock de Griselda entre d'autres. Cependant seulement à l'origine prévu comme manière d'arrangement un ensemble spécifique d'artistes, la définition de Greenberg de l'art moderne est à la base de la plupart des idées de l'art dans les divers mouvements d'art du 20ème siècle et tôt du 21ème siècle. L'art de Marcel Duchamp devient clair une fois vu dans ce contexte ; en soumettant un urinoir, intitulé fontaine, à la société de l'objet exposé indépendant d'artistes en 1917 il critiquing l'exposition d'art en utilisant ses propres méthodes.

Artistes de bruit comme Andy Warhol est devenu culture populaire critiquing traversante remarquable et influente, aussi bien que monde d'art, par la langue de cette culture populaire. Certains artistes radicaux des années 80, des années 90, et du 2000s ont pris ces idées plus loin en augmentant cette technique de l'individu-critique là-bas art élevé à tout culturel image-faisant, y compris des images, des bandes dessinées, des panneaux-réclame et la pornographie de mode.

Utilité

Une des caractéristiques définissantes de l'art fin par opposition à l'art appliqué est l'absence de n'importe quelle utilité claire ou utilitaire valeur. Cependant, cette condition est parfois critiquée en tant qu'étant préjudice de classes contre le travail et l'utilité. Les adversaires de la vue que l'art ne peut pas être utile, arguent du fait que toute l'activité humaine a une certaine fonction utilitaire, et les objets prétendus être « non-utilitaires » ont réellement la fonction d'essayer de mystifier et codifier des hiérarchies sociales défectueuses. On lui discute également parfois que même l'art apparemment non-utile n'est pas inutile, mais plutôt que son utilisation est l'effet il a sur la psyche du créateur ou du téléspectateur.

L'art est également employé par des thérapeutes d'art, des psychothérapeutes et des psychologues cliniques As thérapie d'art. L'art peut également être employé comme outil de Essai de personnalité. Le produit final n'est pas le but principal dans ce cas-ci, mais plutôt un processus de curatif, par des actes créateurs, est cherché. Le morceau résultant de dessin-modèle peut également offrir la perspicacité dans les ennuis éprouvés par le sujet et peut suggérer des approches appropriées à employer sous des formes plus conventionnelles de thérapie psychiatrique.

Art de graffiti et d'autres types de art de rue sont les graphiques et les images qui sont jet-peint ou marqué au poncif sur les murs publiquement visualisables, bâtiments, autobus, trains, et ponts, habituellement sans permission. Ce type d'art fait partie de diverses cultures de la jeunesse, telles que les USA hanche-houblon culture. Il est employé pour exprimer des opinions politiques et pour dépeindre des images créatrices.

Dans un contexte social, l'art peut servir à amplifier le moral du public. L'art ser souvent d'une forme de propagande, et peut être employé ainsi pour influencer subtilement des conceptions ou l'humeur populaires. Dans certains cas, des dessin-modèles sont appropriés pour être employés de cette manière, sans créateur ayant au commencement prévu l'art à employer comme propagande. D'une perspective anthropologique, l'art est souvent une manière de transmettre des idées et des concepts aux générations postérieures dans la langue universelle d'a (légèrement). L'interprétation de cette langue dépend de la perspective et du contexte de l'observateur. Tellement réciproquement la subjectivité même de l'art démontre son importance en facilitant l'échange et la discussion des idées rivales, ou pour fournir un contexte social dans lequel les groupes de personnes disparates pourraient rassembler et se mélanger.

Conflits de classification

Article principal : Conflits de Classificatory au sujet d'art

Il est commun dans histoire d'art pour des personnes pour contester si une forme ou un travail particulier, ou le morceau particulier de travail compte comme art ou pas. En fait pour une grande partie du siècle passé l'idée de l'art a été de défier simplement ce qu'est l'art. Philosophes de l'appel d'art ces conflits « conflits classificatory au sujet d'art. » Par exemple, les philosophes de Grec antique ont discuté environ si éthique devrait être considéré le « art de la vie jaillit-il ». Conflits de Classificatory au 20ème siècle inclus : cubiste et impressionniste peintures, Duchamp' s Fontaine, films, imitations superlatives de billets de banque, propagande, et même un crucifix immergé dans l'urine. Art conceptuel pousse souvent intentionnellement les frontières de ce qui compte comme art. Nouveaux médias comme Jeux vidéo lentement devenu coopté par des artistes et/ou reconnu comme formes d'art à son propre chef, bien que ces nouveaux décalages de classification ne soient pas universellement adoptés et ne restent pas le sujet du conflit. ^[17]

Le philosophe David Novitz a argué du fait que le désaccord au sujet de la définition de l'art sont rarement le coeur du problème. Plutôt, « les soucis et les intérêts passionnés que les humains investissent dans leur vie sociale » sont « tellement une partie de tous les conflits classificatory au sujet d'art » (Novitz, 1996). Selon Novitz, les conflits classificatory sont conteste plus souvent au sujet de nos valeurs et où nous essayons d'aller de pair avec notre société qu'eux sont au sujet de la théorie proprement dite. Par exemple, quand Courrier quotidien critiqué Hirst's et Eminle' travail de s à côté de plaider « pendant 1.000 années d'art a été l'une de nos grandes forces de civilisation. Aujourd'hui, les moutons marinés et les lits salis menacent de faire des barbares de nous tous " qu'ils n'avancent pas une définition ou une théorie au sujet d'art, mais remettant en cause la valeur du travail de Hirst et d'Emin.^[18] En 1998, Arthur Danto, suggéré une apparence d'expérience de pensée que « le statut d'un objet façonné comme oeuvre d'art résulte des idées une culture s'applique à elle, plutôt qu'à ses qualités physiques ou perceptibles inhérentes. L'interprétation culturelle (une théorie d'art d'une certaine sorte) est donc constitutive de l'arthood d'un objet. « ^[19][20]

Art controversé

Theodore Gericault's « Radeau de la méduse« (1820), était un commentaire social sur un événement courant, sans précédent alors. Edouard Manet's « l'Herbe de sur de Le Déjeuner« (1863), a été considéré scandaleux pas en raison du nudité femme, mais parce qu'elle est assise à côté des hommes plein-habillés. Chanteur Sargent de John's « Madame Pierre Gautreau (Madame X)« (1884), causé un tumulte énorme au-dessus du rose rougeâtre coloraient le lobe de l'oreille de la femme, considéré loin trop suggestif et censément ruinant la réputation du modèle de haut-société.

Au vingtième siècle, Pablo Picasso's Guernica (1937) arrêter utilisés cubiste techniques et huiles monochromatiques rigides, pour dépeindre les conséquences de horrible d'un bombardement contemporain d'une petite, antique ville Basque. Leon Golub's Interrogation III (1981), dépeint une nudité femelle, détenu à capuchon attaché à une chaise, ses jambes s'ouvrent pour indiquer ses organes sexuels, entourés par deux tormentors habillés dans l'habillement journalier. Andres Serrano's Pisse le Christ (1989) est une photographie d'un crucifix, sacrée à la religion et à la représentation chrétiennes Le Christ'sacrifice de s et douleur finale, submergés dans un verre de la propre urine de l'artiste. Le tumulte résultant a mené aux commentaires dans le sénat des Etats-Unis au sujet du placement public des arts.

Au vingt et unième siècle, Eric Fischl créé Femme croulante comme mémorial à ceux qui ont sauté ou sont tombés à leur mort dans les attaques sur Centre commercial mondial sur 11 septembre 2001. Au commencement installé à Centre de Rockefeller à New York City, dans une année le travail a été enlevé comme trop dérangeant.^[21]

Art, classe et valeur

L'art a été perçu par certains comme appartenant à quelques classes sociales et souvent à l'exclusion de d'autres. Dans ce contexte, l'art est vu comme activité de la bourgeoisie liée à la richesse, capacité d'acheter l'art, et loisirs exigés pour les poursuivre ou apprécier. Par exemple, palais de Versailles ou Ermitage dans Rue Petersburg leurs vastes collections d'art, étant amassé par la redevance fabuleusement riche de l'Europe exemplifiez cette vue. Le rassemblement d'un tel art est la conserve des riches, ou des gouvernements et des établissements.

Très bien et les marchandises chères ont été les marqueurs populaires du statut dans beaucoup de cultures, et continuent à être tellement aujourd'hui. Il y a eu un enfoncer culturel l'autre direction puisqu'au moins 1793, quand le Louvre, qui avait été un palais privé des rois de la France, a été ouvert au public comme musée d'art pendant Révolution française. La plupart des musées et programmes publics modernes d'éducation d'art pour des enfants dans les écoles peuvent être tracés de nouveau à cette impulsion pour avoir l'art disponible à chacun. Les musées aux Etats-Unis tendent à être des cadeaux très du riche aux masses (Le musée métropolitain de l'art dans New York City, par exemple, a été créé près John Taylor Johnston, un directeur de chemin de fer dont la collection d'art personnelle a semé le musée.) mais en dépit de tout ceci, au moins une des fonctions importantes de l'art au 21ème siècle reste comme marqueur de la richesse et du statut social.

Il y a eu des tentatives par des artistes de créer l'art qui ne peut pas être acheté par le riche comme objet de statut. Un des motivators originaux principaux d'une grande partie de l'art des années 60 et des années 70 en retard était de créer l'art qui ne pourrait pas être acheté et vendu. Il est « nécessaire de présenter à quelque chose les objets plus que seuls »^[22] a dit l'artiste allemand d'après-guerre principal Joseph Beuys. Cette période de temps a vu l'élévation de telles choses As art d'exécution, art visuel, et art conceptuel. L'idée était que si le dessin-modèle était une exécution qui ne laisserait rien derrière, ou était simplement une idée, elle ne pourrait pas être achetée et vendue. « Les préceptes démocratiques tournant autour de l'idée qu'une oeuvre d'art est un produit ont poussé l'innovation esthétique qui a germé au milieu des années 60 et ont été récoltés tout au long des années 70. Artistes largement identifiés sous la rubrique de l'art conceptuel… substituant l'exécution et éditant des activités pour l'enclenchement avec le matériel et des soucis matérialistes de forme peinte ou sculpturale… [ayez] a essayé de miner l'objet de qua d'objet d'art. « ^[23]

Dans les décennies puisque, ces idées ont été légèrement perdues comme marché d'art a appris à vendre l'édition limitée DVDs des travaux visuels,^[24] les invitations aux morceaux exclusifs d'art d'exécution, et les objets sont partis plus de des morceaux conceptuels. Plusieurs de ces exécutions créent les travaux qui sont seulement compris par l'élite qui ont été instruits quant à pourquoi une idée ou une vidéo ou un morceau d'ordures apparentes peuvent être considérés art. Le marqueur du statut devient arrangement le travail au lieu de le posséder nécessairement, et le dessin-modèle reste une activité de la bourgeoisie. « Avec l'utilisation répandue de la technologie d'enregistrement de DVD dans le 2000s tôt, les artistes, et le système de galerie qui dérive ses bénéfices de la vente des dessin-modèles, gagné moyens importants de commander la vente des dessin-modèles de vidéo et d'ordinateur en éditions limitées aux collecteurs. »^[25]

Formes, genres, médias, et modèles

Article principal : Les arts

Les arts créateurs sont souvent divisés en catégories plus spécifiques, comme arts décoratifs, arts en plastique, exécution des arts, ou littérature. Tellement par exemple peinture est une forme d'art visuel, et poésie est une forme de littérature. forme d'art est une forme spécifique pour que l'expression artistique prenne ; c'est une limite plus spécifique que art, mais moins détail que genre. Un artistique milieu est la substance que le travail artistique est fait hors de. Tellement par exemple, la pierre et le bronze sont les deux médias que la sculpture emploie parfois. Les formes multiples peuvent partager un milieu (la poésie et la musique, toutes les deux emploient le bruit), ou une forme peut employer des médias multiples.

A genre est un ensemble de conventions et de modèles dans une forme et des médias d'art. Par exemple, les genres bien identifiés en film sont occidental, horreur et comédie romantique. Les genres dans la musique incluent métal de la mort et houblon de voyage. Les genres dans la peinture incluent la vie immobile, et paysage pastoral. Une oeuvre d'art particulière peut se plier ou des genres de cartel mais chaque genre a un groupe reconnaissable de conventions, de clichés et de troupes. (Une note : le genre de mot a une deuxième signification plus ancienne dans la peinture ; peinture de genre était une expression utilisée au 17ème à 19ème siècle à se référer spécifiquement aux peintures des scènes de la vie quotidienne et peut toujours être employée de cette façon.)

Un dessin-modèle, un artiste, ou un mouvement modèle est la méthode et la forme distinctives qui des prises d'art. Desserrez brushy, la peinture abstraite égouttée ou versée s'appelle expressioniste (avec un « e » minuscule et le « ic » à l'extrémité). Souvent ces modèles sont liés avec une période historique particulière, l'ensemble d'idées, et le mouvement artistique particulier. Ainsi Pollock de Jackson s'appelle Expressioniste abstrait. Puisqu'un modèle particulier a des significations culturelles très spécifiques il est important d'être sensible aux différences dans la technique. Roy Lichtensteinles 'peintures de s ne sont pas pointillist, en dépit de ses utilisations des points, parce qu'ils ne sont pas alignés avec les partisans originaux de Pointillism. Points de Ben-Jour utilisés par Lichtenstein : ils sont evenly-spaced et créent des secteurs plats de couleur. Ces types de points ont été employés pour colorer les présentations horizontales sur microfilm et sont prévus pour combiner l'art de « haute » de peindre avec l'art du « bas » des bandes dessinées - à présenter leurs observations sur la culture et son unreality. Pointillism utilise les points qui sont espacés d'une manière de créer la variation de la couleur et de la profondeur - c'était une tentative de peindre les images qui étaient plus près de la manière que nous voyons vraiment la couleur - une tentative d'obtenir plus près de la réalité. Ils les deux points d'utilisation mais la signification est vis-à-vis de.

Ce sont toutes les manières de commencer à définir une oeuvre d'art, pour la rétrécir vers le bas. « Imaginez que vous êtes un critique d'art dont la mission est de comparer les significations que vous trouvez dans un éventail de différents dessin-modèles. Comment poursuivriez-vous le votre chargez-vous ? L'one-way à commencer est d'examiner les matériaux que chaque artiste a choisi en faisant un objet, la vidéo d'image, ou l'événement. La décision pour mouler une sculpture en bronze, par exemple, effectue inévitablement sa signification ; le travail devient quelque chose de différent que s'il avait été moulé en or ou plastique ou chocolat, même si tout autrement au sujet du dessin-modèle restait le même. Après, vous pourriez examiner comment les matériaux dans chaque dessin-modèle sont devenus un arrangement des formes, des couleurs, des textures, et des lignes. Ceux-ci, à leur tour, sont organisés en divers modèles et structures compositionnelles. Dans votre interprétation, vous présenteriez ses observations sur la façon dont les dispositifs saillants de la forme contribuent à la signification globale du dessin-modèle fini. [Mais à la fin] la signification de la plupart des dessin-modèles… n'est pas épuisé par une discussion des matériaux, des techniques, et de la forme. La plupart des interprétations incluent également une discussion des idées et des sentiments que le dessin-modèle engendre. « ^[26]

Histoire

Article principal : Histoire d'art

L'art antidate l'histoire ; sculptures, peintures de caverne, peintures de roche, et pétroglyphes du Paleolithic supérieur commençant il y a approximativement 40.000 ans ont été trouvés, mais la signification précise d'un tel art est souvent contestée parce que tellement peu est connu au sujet des cultures qui les ont produites. Les objets d'art les plus anciens dans le monde : une série de coquilles minuscules et forées d'escargot au sujet de 75,000yrs vieux, a été découverte dans une caverne sud-africaine.^[27]

Les grandes traditions dans l'art ont une base dans l'art d'une des grandes civilisations antiques : L'Egypte antique, Mesopotamia, Perse, L'Inde, Chine, Grèce antique, Rome, ou L'Arabie (antique Le Yémen et L'Oman). Chacun de ces centres de civilisation tôt a développé un modèle unique et caractéristique dans leur art. En raison de la taille et de la durée ces civilisations, plus de leurs travaux d'art ont survécu et plus de leur influence a été transmise à d'autres cultures et fois postérieures. Ils ont également fourni les premiers disques de la façon dont les artistes ont travaillé. Par exemple, cette période de l'art grec a vu une vénération de la forme physique humaine et le développement des qualifications équivalentes à la musculature d'exposition, à l'équilibre, à la beauté et aux proportions anatomiquement correctes

Dans Bizantin et Art gothique des âges moyens occidentaux, l'art concentré sur l'expression des vérités bibliques et non matérielles, et les méthodes soulignées qui montreraient la gloire invisible plus élevée d'un monde merveilleux, tel que l'utilisation de l'or dans les peintures, ou verre dans les mosaïques ou les fenêtres, qui ont également présenté des figures dans idéalisé, ont modelé des formes (d'appartement).

L'occidental La Renaissance a vu un retour à l'évaluation du monde matériel, et l'endroit des humains dans lui, et ce décalage de paradigme est reflété dans les formes d'art, qui montrent le corporeality du corps humain, et la réalité tridimensionnelle du paysage.

Dans l'est, Art islamique'rejet de s de iconographie mené à l'emphase sur les modèles géométriques, Calligraphie islamique, et architecture. Davantage d'est, religion a dominé des modèles artistiques et des formes aussi. Emphase de scie de l'Inde et du Thibet sur les sculptures peintes et danse avec la peinture religieuse empruntant beaucoup de conventions à la sculpture et tendant aux couleurs contrastantes lumineuses avec l'accent sur des contours. La Chine a vu beaucoup de formes d'art s'épanouir, jade découpant, bronzework, poterie (étourdissement y compris armée de terracotta de l'empereur Qin), de la poésie, de la calligraphie, de la musique, de la peinture, du drame, de la fiction, etc. Les modèles chinois changent considérablement de l'ère à l'ère et sont traditionnellement baptisés du nom de la dynastie régnante. Ainsi, par exemple, Dynastie de saveur les peintures sont monochromatiques et clairsemées, soulignant des paysages idéalisés, mais Dynastie de Ming les peintures sont occupées, colorées, et foyer sur dire des histoires par l'intermédiaire du réglage et de la composition. Le Japon appelle ses modèles après des dynasties impériales aussi, et a également vu beaucoup d'effet entre les modèles de la calligraphie et la peinture. Impression de Woodblock est devenu important au Japon après le 17ème siècle.

L'occidental Âge d'éclaircissement au 18ème siècle a vu des descriptions artistiques des certitudes physiques et raisonnables de l'univers de rouage d'horloge, aussi bien que des visions politiquement révolutionnaires d'un monde de poteau-monarchiste, telles que la représentation de Blake de newton en tant que géomètre divin, ou des peintures militantes de David. Ceci a mené à Romantique rejets de ceci en faveur des images du côté et de l'individualité émotifs des humains, exemplifiés dans les romans de Goethe. La fin du 19me siècle a alors vu une foule de mouvements artistiques, comme art d'universitaire, symbolisme, impressionisme et fauvism entre d'autres.

Par le 20ème siècle ces images tombaient en morceaux, brisé non seulement par de nouvelles découvertes de relativité près Einstein^[28] et de la psychologie invisible près Freud,^[29] mais également par le développement technologique sans précédent a accéléré par l'implosion de la civilisation dans deux guerres mondiales. L'histoire du vingtième art de siècle est un récit des possibilités sans fin et de la recherche de nouvelles normes, chacune qui est déchirée vers le bas en succession par le prochain. Ainsi les paramètres de Impressionisme, Expressionisme, Fauvism, Cubisme, Dadaism, Surrealism, etc. ne peut pas être maintenu infiniment au delà de la période de leur invention. Augmentation global l'interaction pendant ce temps a vu une influence équivalente d'autres cultures dans l'art occidental, tel que Pablo Picasso étant influencé près Sculpture africaine. Les copies japonaises de woodblock (qui elles-mêmes avaient été influencées par draftsmanship occidental de la Renaissance) ont eu une immense influence sur l'impressionisme et le développement suivant. Des sculptures postérieures et africaines sont prises par Picasso et dans une certaine mesure près Matisse. De même, l'ouest a eu des impacts énormes sur l'art oriental au 19ème et 20ème siècle, avec des idées à l'origine occidentales comme Communisme et Poteau-Modernisme exercer l'influence puissante sur des modèles artistiques.

Le modernisme, la recherche idéaliste de la vérité, a mené dans la dernière moitié du 20ème siècle à une réalisation de son unattainability. La relativité a été acceptée comme vérité inévitable, a mené dont à la période art contemporain et critique post-moderne, où des cultures du monde et de l'histoire sont vues en tant que formes changeantes, des lesquelles peut être apprécié et tiré seulement avec l'ironie. En outre la séparation des cultures est de plus en plus brouillée et il la discute sont maintenant plus appropriés penser certains en termes de culture globale, plutôt que cultures régionales.

Caractéristiques

L'art tend à faciliter l'arrangement intuitif plutôt que raisonnable, et habituellement est consciemment créé avec cette intention. Art fin n'atteint intentionnellement aucun autre objectif. En raison de cette impulsion, les oeuvres d'art sont évasives, réfringentes aux tentatives de classification, parce qu'elles peuvent être appréciées dans plus que l'one-way, et sont souvent susceptibles de beaucoup de différentes interprétations. Dans le cas de Gericault's Radeau de la méduse, la connaissance spéciale au sujet du naufrage que la peinture dépeint n'est pas une chose nécessaire à l'apprécier, mais permet l'appréciation des intentions politiques de Gericault dans le morceau. Même l'art qui dépeint superficiellement un événement ou un objet mondain, peut inviter la réflexion sur des thèmes élevés.

Traditionnellement, les accomplissements les plus élevés de l'art démontrent un à niveau élevé de la capacité ou de la maîtrise dans un milieu. Cette caractéristique pourrait être considérée un point de controverse, depuis beaucoup d'artistes modernes (le plus notamment, artistes conceptuels) eux-mêmes ne créez pas les travaux qu'elles conçoivent, ou ne créez pas même le travail dans un sens conventionnel et démonstratif. L'art a une capacité transformative : confère les structures ou les formes en appelantes en particulier ou esthétiquement satisfaisantes sur un ensemble original de constituants indépendants et passifs.

Compétence et métier

L'art peut suggérer un sens de capacité qualifiée ou la maîtrise d'a milieu. L'art peut également simplement se rapporter à l'utilisation développée et efficace d'a langue pour donner la signification avec l'urgence et ou la profondeur. L'art est un acte d'exprimer nos sentiments, pensées, et observations. Il y a un arrangement qui est atteint avec le matériel en raison de le manipuler, qui facilite des processus à un de pensée.

Une vue commune est que l'épithète « art », particulier dans son sens élevé, exige un certain niveau d'expertise créatrice par l'artiste, de si ce soit une démonstration de capacité technique ou une originalité dans l'approche stylistique comme dans les jeux Shakespeare, ou une combinaison de ces deux. Traditionnellement la compétence de l'exécution a été regardée comme qualité inséparable de l'art et ainsi nécessaire pour son succès ; pour Da Vinci de Leonardo, l'art, ni plus ni moins que son autre n'essaye, était une manifestation de compétence. Rembrandtle 'travail de s, maintenant félicité pour ses vertus éphémères, a été plus admiré par ses contemporains pour son virtuosity. À la fin du 20ème siècle, les exécutions adroites de Chanteur Sargent de John ont été alternativement admirés et presque regardés avec le scepticisme pour leur maîtrise manuelle, pourtant au même temps l'artiste qui deviendrait l'ère l'iconoclaste le plus identifié et le plus ambulant, Pablo Picasso, accomplissait une formation traditionnelle d'universitaire à laquelle il a excelé.

Une critique contemporaine commune de certains art moderne se produit le long des lignes de s'opposer au manque apparent de compétence ou de capacité requise dans la production de l'objet artistique. Dans l'art conceptuel, Marcel Duchamp's « fontaine » est parmi les premiers exemples des morceaux où l'artiste a employé a trouvé des objets (« prêt à l'emploi ») et n'a exercé aucun ensemble de qualifications traditionnellement identifié. Tracey Emin's Mon lit, ou Damien Hirst's L'impossibilité physique de la mort dans l'esprit de quelqu'un vivant suivez cet exemple et manoeuvrez également mass media. Emin a dormi (et s'est engagé dans d'autres activités) dans son lit avant de placer le résultat dans une galerie comme oeuvre d'art. Hirst a proposé le plan d'étude pour le dessin-modèle mais a extrême gauche de la création certaine de beaucoup de travaux aux artisans employés. La célébrité de Hirst est fondée entièrement sur sa capacité de produire des concepts choquants. La production réelle dans beaucoup d'oeuvres d'art conceptuelles et contemporaines est une question de l'ensemble des objets trouvés. De quelque manière qu'il y a beaucoup d'artistes modernistes et contemporains qui continuent à exceler dans les qualifications du dessin et de peindre et en créant mains dessus oeuvres d'art.

Jugement de valeur

Légèrement par rapport à ce qui précède, le mot art est également employé pour appliquer des jugements de valeur, comme dans de telles expressions comme « ce repas était une oeuvre d'art » (le cuisinier est un artiste), ou « l'art de la déception, » (fortement atteint de niveau de la compétence du trompeur est félicité). Il est ces utilisation du mot comme mesure de qualité et de haute valeur qui donne à la limite sa saveur de la subjectivité.

La fabrication des jugements de la valeur exige une base pour la critique. Au niveau le plus simple, une manière de déterminer si l'impact de l'objet sur les sens rencontre les critères à considérer art, est s'il est perçu pour être attrayant ou répulsif. Bien que la perception soit toujours colorée par expérience, et soit nécessairement subjective, on lui prend généralement qui que ce qui ne satisfait pas esthétiquement d'une certaine mode ne peut pas être l'art. Cependant, le « bon » art ne fait pas toujours ou même régulièrement esthétiquement appel à une majorité de visionneuses. En d'autres termes, la motivation principale d'un artiste n'a pas besoin d'être la poursuite de l'esthétique. En outre, l'art dépeint souvent des images terribles faites pour des raisons sociales, morales, ou pensée-provoquantes. Par exemple, Francisco Goya'peinture de s dépeignant les shootings espagnols de le 3ème mai 1808, est une description graphique d'un peloton de mise à feu exécutant plusieurs civils de plaidoirie. Pourtant en même temps, le langage figuré terrifiant démontre la capacité artistique vive de Goya dans la composition et l'exécution et produit l'outrage social et politique convenable. Ainsi, la discussion continue quant à quel mode de satisfaction esthétique, le cas échéant, est exigé pour définir le « art ».

L'acceptation de nouvelles valeurs ou la rébellion contre des notions admises de ce qui est esthétiquement supérieure n'a pas besoin de se produire en même temps que un abandon complet de la poursuite de cela qui en appelle esthétiquement. En effet, l'inverse est souvent vrai, cela dans la révision de de ce qu'est populairement conçu comme esthétiquement en appelant, tient compte d'un re-renforcement de sensibilité esthétique, et d'une nouvelle appréciation pour les normes de l'art elle-même. Les écoles innombrables ont proposé leurs propres manières de définir la qualité, pourtant elles toutes semblent convenir dans au moins un point : une fois que leurs choix esthétiques sont acceptés, la valeur de l'oeuvre d'art est déterminée par sa capacité de dépasser les limites de son milieu choisi afin de frapper une certaine corde universelle par la rarité de la compétence de l'artiste ou par sa réflexion précise dans ce qui se nomme zeitgeist.

Communication

L'art est souvent prévu pour en appeler et se relier avec émotion humaine. Il peut réveiller esthétique ou moral des sentiments, et peuvent être compris comme manière de communiquer ces sentiments. Artistes exprimez quelque chose de sorte que leur assistance soit réveillée dans une certaine mesure, mais elles ne doivent pas faire tellement consciemment. L'art explore ce qui se nomme généralement As l'état humain est essentiellement ce ce qui il est d'être humain. L'art efficace provoque souvent de la nouvelle perspicacité au sujet de l'état humain séparément ou de l'en-masse, qui ne sont pas nécessairement toujours positifs, ou élargit nécessairement les frontières de la capacité humaine collective. Le degré de compétence que l'artiste a, affectera leur capacité de déclencher une réponse émotive et de fournir de ce fait de nouvelles perspicacités, la capacité de les manoeuvrer à la compétence et à la détermination exemplaires d'expositions de volonté.

Voyez également

• Liste de matières de base d'art
• Les vies des peintres, des sculpteurs, et des architectes les plus excellents

Notes

Bibliographie

• Arthur Danto, L'abus de la beauté : Esthétique et le concept de l'art. 2003
• Dana Arnold et Margaret Iverson (eds.) Art et pensée. Oxford : Basil Blackwell, 2003.
• Houx et Keith Moxey (eds de Michael Ann.) Études d'histoire et de visuel d'art. Pression d'université de Yale, 2002.
• John Whitehead. Saisir pour le vent. 2001
• Noel Carroll, Théories d'art aujourd'hui. 2000
• Evelyn Hatcher, E-D. Art comme culture : Une introduction à l'anthropologie de l'art. 1999
• Catherine de Zegher (E-D.). À l'intérieur de l'évident. Le MIT serrent, 1996.
• Nina, Felshin, E-D. Mais est-ce art ? 1995
• Stephen Davies, Définitions d'art. 1991
• Oscar Wilde, « intentions ».
• Jean Robertson et Craig McDaniel, « thèmes de l'art contemporain, art visuel après 1980. » 2005

Davantage de lecture

• Augros, Robert M., Stanciu, George N., La nouvelle histoire de la Science : esprit et l'univers, Bluff de lac, Illinois : Passage de Regnery, c1984. ISBN 0895268337 (ce livre a le matériel significatif sur l'art et la Science)
• Richard Wollheim, Art et ses objets
• Karl Jung, Homme et ses symboles
• Benedetto Croce, Esthétique comme la Science de l'expression et Général Linguistic, 1902
• Władysław Tatarkiewicz, Une histoire de six idées : un essai dans l'esthétique, traduit du poli près Christopher Kasparek, La Haye, Martinus Nijhoff, 1980.
• Lion Tolstoy, Quel est art ?, 1897
• Kleiner, Gardner, Mamiya et Tansey (2004). Art par les âges, douzième édition (2 volumes). Wadsworth. ISBN 0-534-64095-8 (vol. 1) et ISBN 0-534-64091-5 (vol. 2). 

Liens externes

• Art et jeu du dictionnaire de l'histoire des idées
• Annuaire détaillé d'art
• Art et dossiers d'artiste dans la collection Smithsonienne de bibliothèques (2005) Bibliothèques Smithsoniennes de Digital
• Service visuel de données d'arts (VADS) - collections en ligne des musées BRITANNIQUES, galeries, universités
• Magazine d'Artforum - revues en ligne d'art - également prévisions des expositions prochaines
• Article sur la signification de l'art en Inde antique sur le site Web de Ligne du front
• La définition de l'art entrée au Encyclopédie de Stanford de philosophie par Thomas Adajian