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Appropriation (art)

S'approprier quelque chose implique de prendre la possession de lui. Dans arts visuels, la limite appropriation se rapporte souvent à l'utilisation des éléments empruntés dans création du nouveau travail. Les éléments empruntés peuvent inclure des images, des formes ou des modèles de histoire d'art ou de culture populaire, ou matériaux et techniques des contextes de non-art. Depuis les années 80 la limite s'est également référée plus spécifiquement à citation le travail d'un autre artiste pour créer un nouveau travail. Le nouveau travail ne change pas réellement l'original intrinsèquement ; le nouveau travail emploie l'original pour créer un nouveau travail. Dans la plupart des cas les restes d'original accessibles comme original, sans changement.

Table des matières

Histoire

Les aspects de l'appropriation apparaissent dans tous les secteurs de l'histoire visuelle d'art si on considère l'acte de base de faire l'art comme emprunt de images ou concepts du monde environnant et de les réinterpréter comme art. Par exemple, certains pourraient classifier Da Vinci de Leonardo en tant que appropriation artiste, parce qu'il a employé des méthodes de recombinaison d'appropriation, empruntant aux sources aussi diverses que la biologie, les mathématiques, la technologie et l'art, et puis les synthétisant dans inventions et dessin-modèles.

Du respect d'historiens d'art Pablo Picasso et Georges Braque en tant que premiers artistes modernes pour s'approprier des articles d'un contexte de non-art dans leur travail. Dans 1912, Picasso a collé un morceau de tissu d'huile sur la toile. Compositions suivantes, comme Guitare, journal, verre et bouteille (1913) dans quel Picasso avait l'habitude des coupures de journal pour créer les formes, est devenu classé par catégorie As synthétique cubisme. Les deux artistes ont incorporé des aspects de « réel« dans leurs toiles, ouvrant la discussion du sens et représentation artistique.

Cinq ans après, dedans 1917, Marcel Duchamp a présenté l'idée du prêt à l'emploi. Cette année il est entré Fontaine dans la société américaine de l'exposition indépendante d'artistes. Le travail s'est composé d'a urinoir, se trouvant de son côté placé sur un piédestal avec la signature « R. Chien ". L'urinoir n'a semblé ni original ni rare, la « créativité » de Duchamp en tant que mensonges d'un artiste dans geste de choisir l'urinoir comme art rapiécez et de le montrer dans un contexte artistique. Duchamp est également allé autant qu'employer l'art existant dans son travail, s'appropriant une copie apparente de Mona Lisa dans son morceau, L.H.O.O.Q. La spéculation récente concernant l'urinoir approprié de Duchamp a réclamé que l'urinoir était « non standard » et « non fonctionnel, » et que Duchamp « l'a conçu prétendument en fonction du client avec le sien autre a supposé readymades,"[citation requise] cependant, ceci n'a été jamais justifié.

Dada le mouvement (Duchamp y compris en tant qu'associé) a continué l'appropriation des objets journaliers, mais leur appropriation n'a pas essayé d'élever le statut d'art de « haute » du « bas », plutôt il a produit l'art dans lequel la chance et l'aspect aléatoire ont formé la base de la création. Artistes de Dada inclus Boule de Hugo, Emmy Hennings, Jean arp, Hans Richter, Richard Huelsenbeck, Breton d'André, Tristan Tzara, et Francis Picabia. Une réaction à la rigidité intellectuelle accablante dans l'art et la société journalière, travaux de Dada a comporté l'irrationality délibéré et le rejet des normes régnantes de l'art. Kurt Schwitters, qui a produit l'art pendant que le Dadaists, montre un sens semblable du bizarre dans le sien « merz« travaux. Il a construit ces derniers des objets trouvés, et elles ont pris la forme de grandes constructions que les générations postérieures appelleraient installations.

Surrealists, venant après le mouvement de Dada, a également incorporé l'utilisation de objets « trouvés » comme Méret Oppenheim's Objet (déjeuner en fourrure) (1936). Ces objets ont pris la nouvelle signification une fois combinés avec d'autres objets peu probables et ébranlants.

Dans les années 50 Robert Rauschenberg utilisé ce qu'il a doublé les « cartels », littéralement combinant les objets prêts à l'emploi tels que des pneus ou des lits, peinture, soie-écrans, collage, et photographie. De même, Jaspe Johns, travaillant pendant que Rauschenberg, les objets trouvés incorporés dans le sien fonctionnent. Images symboliques également appropriées de Johns telles que Drapeau américain ou le symbole de « cible » dans son travail.

Fluxus appropriation également utilisée de mouvement d'art : ses membres ont mélangé différentes disciplines artistiques comprenant l'art visuel, musique, et littérature. Dans tout les années 60 et les années 70 ils ont mis en scène des événements de « action », engagés dedans la politique et prise de parole en public, et travaux sculpturaux produits comportant les matériaux peu usuels. Le groupe s'est même approprié le système postal en se développant art de courrier. Les exécutions ont cherché à élever le banal en s'appropriant l'en tant que « art » et la dissimulation culture élevée de la musique sérieuse.

Avec des artistes comme Roy Lichtenstein et Claes Oldenbourg, Andy Warhol images appropriées d'art commercial et de culture populaire aussi bien que les techniques de ces industries. Souvent appelé « artistes de bruit« , ils ont vu la culture populaire de masse comme culture vernaculaire principale, partagée par tous indépendamment de l'éducation. Ces artistes ont entièrement engagé dans les éphémères produits à partir de cette culture produite en série, embrassant l'expendability et se distançant de l'évidence de la main d'un artiste.

La limite art d'appropriation a hérité l'utilisation commune dans les années 80 avec des artistes comme Sherrie Levine, qui a adressé l'acte de s'approprier comme thème dans l'art. Levine cite souvent les travaux entiers dans son propre travail, par exemple photographiant des photographies de Marcheur Evans. Idées provocantes de l'originalité, attention de dessin aux relations entre puissance, genre et créativité, consommationisme et la valeur des produits, les sources sociales et les utilisations d'art, Levine joue avec le thème « presque de mêmes ».

Pendant les années 70 et les années 80 Prince de Richard annonces re-photographiées comme pour Cigarettes de Marlboro ou photo-journalisme projectiles. Rai du travail du prince aux questions de matérialisme et l'idée de l'excédent de spectacle a vécu expérience. Son travail prend des campagnes publicitaires de panneau-réclame anonyme et omniprésent de cigarette, élève le statut et concentre notre regard fixe sur les images. La visionneuse remet en cause le concept de la masculinité dépeint dans ces panneaux-réclame héroïques et leur rapport avec la campagne publicitaire.

Les artistes d'appropriation présentent leurs observations sur tous les aspects de culture et de société. Joseph Kosuth images appropriées à engager dans philosophie et théorie epistemological. D'autres artistes travaillant avec l'appropriation pendant ce temps avec inclus Jeff Koons, Barbara Kruger, et Malcolm Morley.

Dans les années 90 les artistes ont continué à produire l'art d'appropriation, en utilisant le comme milieu pour adresser des théories et des questions sociales, plutôt que de se concentrer sur les travaux eux-mêmes. Damian Loeb film utilisé et cinéma à commenter des thèmes de simulacrum et réalité. D'autres artistes de profil haut travaillant actuellement ont inclus Marclay chrétien, Deborah Kass et Damien Hirst.

Travailler d'artistes aujourd'hui de plus en plus incorporez et citez de l'art et des éléments de non-art. Par exemple, Cory Arcangel incorpore des aspects de culturel nostalgie en retouchant le cru jeux vidéo et logiciel d'ordinateur. D'autres artistes contemporains d'appropriation incluent Frères de colporteur, Benjamin Edwards, Joie Garnett, Nikki S. Lee, Paul Pfeiffer, Pierre Huyghe et Rico Gatson.

Art et copyright d'appropriation

La nature de l'art d'appropriation, l'emprunt des éléments pour le nouveau travail, a eu comme conséquence controversable copyright questions qui reflète une législation plus restrictive de copyright. Une discussion, dans des quarts plus conservateurs, adresse le point auquel l'art d'appropriation a l'originalité suffisante. Les États-Unis a été particulièrement litigieux à cet égard. Un certain nombre cas-loi les exemples ont émergé qui étudient la division entre les travaux transformative et le dérivé fonctionne. Beaucoup de pays suivent l'exemple des États-Unis vers copyright plus restrictif, qui risque de faire à cette pratique en matière d'art sinon illégal difficile. Le Canada est actuellement impliqué au cours de discuter copyright de la réaction extraordinaire de public et d'artiste. [1]

Andy Warhol a fait face à une série de procès des photographes dont le travail il s'est approprié et soie-examiné. Patricia Caulfield, un tel photographe, avait pris une photo des fleurs pour une démonstration de photographie pour un magazine de photographie. Warhol avait couvert les murs de Lion Castelli'galerie de s New York dedans 1964 avec les reproductions soie-examinées de la photographie de Caulfield. Après avoir vu une affiche de son travail dans une librairie, Caulfield a réclamé la propriété de l'image et tandis que Warhol était l'auteur des écrans en soie réussis, il s'est précipité de la cour, donnant à Caulfield une redevance pour le futur usage de l'image aussi bien que deux des peintures.

D'une part, Warhol célèbre Bidons du potage de Campbell sont généralement tenus non-violer, en dépit d'être clairement approprié, parce que « le public était peu susceptible de voir la peinture comme commandité la compagnie de potage ou en représentant un produit de concurrence. Les peintures et les bidons de potage ne sont pas dans elles-mêmes des produits de concurrence ", selon l'avocat expert Jerome Gilson de marque déposée[2].

Jeff Koons a également confronté des questions de copyright dues à son travail d'appropriation (voyez Rogers v. Koons). L'art Rogers de photographe a apporté le costume contre Koons pour l'infraction de copyright dedans 1989. Le travail de Koons, Corde des chiots la photographie noire et blanche de Rogers sculpturally reproduit qui avait été évident sur une carte de salutation d'aéroport que Koons avait acheté. Bien qu'il ait réclamé utilisation juste et parodie dans sa défense, Koons a perdu la caisse, partiellement due au succès énorme qu'il a eu comme artiste et façon dans lesquels il a été dépeint dans les médias. L'argument de parodie a également échoué, car la cour d'appels a dessiné une distinction entre créer une parodie de la société moderne en général et une parodie dirigée à un travail spécifique, trouvant la parodie d'un travail spécifique, particulièrement de très obscur, trop faible pour justifier l'utilisation juste de l'original.

En octobre 2006, Koons a gagné un pour « utilisation juste. « Pour une commission de sept-peinture pour le Deutsche Guggenheim Berlin, Koons a dessiné sur une partie d'une photographie prise par Andrea Blanch intitulé Sandals en soie par Gucci et édité dans la question de l'août 2000 de Attrait magasin pour illustrer un article sur le maquillage métallique. Koons a pris l'image des jambes et des sandals de diamant de cette photo (omettant d'autres détails de fond) et l'a employée dans sa peinture Niagara, qui inclut également trois autres paires des jambes des femmes balançant surreally au-dessus d'un paysage des pâtés en croûte et des gâteaux.

Dans son classement de cour, l'avocat de Koons, John Koegel, a dit cela Niagara est « un travail artistique entièrement nouveau… que les commentaires dessus et célèbre les appétits et les indulgences de la société, comme reflété dedans et encouragé par un barrage omniprésent de la publicité et des images promotionnelles de nourriture, de divertissement, de mode et de beauté. « 

Dans sa décision, jugez Louis L. Stanton des États-Unis La cour de zone a trouvé cela Niagara était en effet « une utilisation transformative » de la photographie du blanchiment. « L'utilisation de la peinture « ne remplace pas » ou reproduire l'objectif de l'original, » le juge a écrit, « mais l'emploie en tant que matière première dans une manière de roman de créer la nouvelle information, la nouvelle esthétique et les nouvelles perspicacités. Une telle utilisation, que réussi ou pas artistiquement, soit transformative. « 

Le détail de la photographie du blanchiment employé par Koons est seulement marginalement copyrightable. Le blanchiment n'a aucun droit aux sandals de Gucci, « peut-être l'élément le plus saisissant de la photographie, » le juge a écrit. Et sans sandals, seulement une représentation des jambes des femmes demeure -- et ceci a été vu en tant que « pas suffisamment original pour mériter beaucoup de protection de copyright. »

En 2000, Damien Hirst'sculpture en s Hymne (qui Charles Saatchi avait acheté pour un £1m rapporté) a été exhibé dedans Bruits de fourmi dans la galerie de Saatchi. Hirst a été poursuivi pour l'infraction de copyright au-dessus de cette sculpture malgré le fait que il a transformé le sujet. Le sujet était une « jeune anatomie de scientifique réglée » appartenir à son fils Connor, 10.000 dont sont vendus une année par le fabricant de jouet de Hull (Emms). Hirst a créé des 20 pieds, agrandissement de six tonnes du chiffre réglé de la Science, changeant radicalement la perception de l'objet. Hirst a payé une somme non révélée à deux charités, à enfants dans tout le pays et à la confiance de jouet dans un règlement à l'amiable. La donation charitable était moins qu'Emms avait espéré pour. Hirst a vendu trois copies supplémentaires de sa sculpture pour les montants semblables au premier.

Artistes d'appropriation

Éléments d'artistes qui se sont appropriés, prélevé ou emprunté de travail préexistant pour l'usage dans le nouveau travail :

Voyez également

Notes

  1. ^ www.appropriationart.ca
  2. ^ comme cité en Grant, Daniel, Les affaires d'être un artiste (New York : Pression d'Allworth, 1996), P. 142


Liens externes

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