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Historia occidental del arte
También vea los artículos: Historia de la pintura, Pintura occidental
'Art occidental vuelve a dirigir aquí. Para el arte del oeste americano, vea Artistas del oeste americano
Arte occidental es el arte de Europa, y esas partes del mundo que han venido seguir tradiciones culturales predominante europeas tales como las Américas.
Las historias escritas del arte occidental comienzan a menudo con el arte del Medio Oriente antiguo, Egipto antiguo y Civilizaciones egeas antiguas, fechando de 3ro milenio A.C.. El paralelo a estas culturas significativas, el arte de una forma u otro existieron por todas partes Europa, dondequiera que hubiera gente, yéndose firma por ejemplo tallas, artefactos adornados y piedras derechas enormes. Sin embargo un patrón constante del desarrollo artístico dentro de Europa llega a estar claro solamente con el arte de Grecia antigua, adoptado y transformado cerca Roma y llevado, con el imperio, a través de mucho de Europa, África del norte y Medio Oriente.
La influencia del arte del Período clásico encerado y disminuido a través de los dos mil años próximos, pareciéndose deslizarse en una memoria distante en Medieval período, reaparecer en Renacimiento, sufra un período de lo que vieron algunos historiadores de arte tempranos como “decaimiento” durante Barroco período,[1] para reaparecer en una forma refinada adentro Neo-Classicism y re-ser llevado adentro Poste-Modernism.
La otra influencia principal sobre arte occidental ha sido Cristianismo, las comisiones de la iglesia, arquitectónicas, painterly y sculptural, proporcionando la fuente principal del trabajo para los artistas por cerca de 1400 años, a partir del ANUNCIO el 300 al ANUNCIO cerca de 1700. La historia de la iglesia mucho fue reflejada en la historia del arte, durante este período.
Secularism ha influenciado arte occidental desde el período clásico, mientras que la mayoría del arte de los 200 años pasados se ha producido sin referencia a la religión y a menudo sin detalle ideología en todos. Por otra parte, el arte occidental ha sido influenciado a menudo por la política de una buena o de otra, del estado, del patrón y del artista.
El arte occidental se arregla en un número de períodos estilísticos, que, se traslapan históricamente como diversos estilos prosperaron en diversas áreas. Los períodos están ampliamente, Clásico, Byzantine, Medieval, Renacimiento, Barroco, Moderno. Cada uno de éstos se subdivide más a fondo.
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Contenido |
Arte Clásico antiguo
Egipto, Grecia, Roma, cristiano temprano
Egipto antiguo, una civilización con tradiciones muy fuertes de arquitectura y escultura (ambos pintados originalmente en colores brillantes) también tenía muchos mural pinturas en templos y edificios, e ilustraciones pintadas encendido papiro manuscritos. Egipcio pintura de la pared y la pintura decorativa es a menudo gráfico, a veces más simbólico que realista. De los artistas contemporáneo tan como Pablo Picasso han sido inspirados directamente por la pintura egipcia y esculpen. La pintura egipcia representa figuras en contorno y plano en negrilla silueta, en que la simetría es una característica constante. Pintura egipcia tiene conexión cercana con su lengua escrita - llamada Jeroglíficos egipcios. Los egipcios también pintados encendido lino, sobreviven los remanente de que hoy. De hecho los símbolos pintados se encuentran entre las primeras formas de lengua escrita, y la religión. Sin embargo está Egipto antiguo arquitectura misteriosa y que obliga que ha tenido la mayoría del impacto en historiadores de arte modernos. Grandes pirámides, Gran esfinge de Giza, y las pirámides y las tumbas más pequeñas de Egipto antiguo esté entre Siete maravillas del mundo.
Al norte de Egipto era Civilización de Minoan en la isla de Crete. pinturas de la pared encontrado en el palacio de Knossos sea similar a el de Egipcios pero mucho más libre en estilo. Alrededor 1100 B.C., tribus del norte de Grecia Grecia conquistada y el arte griego tomaron una nueva dirección.
Grecia antigua tenía grandes pintores, grandes escultores, y grandes arquitectos. Parthenon es un ejemplo de su arquitectura que ha durado a los días modernos. Griego escultura de mármol se describe a menudo como la forma más alta de Clásico arte. Pintura en cerámica de Grecia antigua y cerámica da una ojeada particularmente informativa en la manera que funcionó la sociedad en Grecia antigua. Negro-figura pintura del florero y Rojo-figura pintura del florero da muchos ejemplos el sobrevivir de cuáles era la pintura griega. Algunos pintores griegos famosos en los paneles de madera que se mencionan en textos son Apelles, Zeuxis y Parrhasius, no obstante sobreviven ningunos ejemplos de la pintura del panel del Griego antiguo, escrito solamente descripciones por sus contemporáneos o por un Romans más último. Zeuxis vivió en 5-6 A.C. y fue dicho ser el primer a utilizar sfumato. Según Pliny la anciano, el realismo de sus pinturas era tal que los pájaros intentaron comer las uvas pintadas. Apelles se describe como el pintor más grande de Antigüedad para la técnica perfecta en el dibujo, el color brillante y modelar.
Arte romano fue influenciado por Grecia y la poder en parte se tome como descendiente de la pintura y de la escultura del Griego antiguo. Escultura romana, es sobre todo el portraiture derivado de las clases altas de la sociedad así como las pinturas de los dioses. Sin embargo, la pintura romana tiene características únicas importantes. Entre sobrevivir las pinturas romanas son las pinturas de la pared, muchas de los chaletes adentro Campania, en Italia meridional, especialmente en Pompeii y Herculaneum. Tal pintura se puede agrupar en 4 “estilos principales” o períodos[2] y puede contener los primeros ejemplos de trompe-l'oeil, pseudo-perspectiva, y paisaje puro.[3]
Casi los únicos retratos pintados que sobreviven del mundo antiguo son una gran cantidad ataúd-retratos de busto la forma encontró en Última antigüedad cementerio de Al-Fayum. Dan una idea de la calidad que el trabajo antiguo más fino debe haber tenido. Un número muy pequeño de miniaturas de los últimos libros ilustrados antiguos también sobrevive, y un número algo más grande de copias de ellas a partir del período medieval temprano.
Medieval
La mayoría del arte el sobrevivir del Medieval el período era religioso en el foco, financiado a menudo por Iglesia, individuos eclesiásticos de gran alcance por ejemplo obispos, grupos comunales por ejemplo abadías, o secular rico patrón. Muchos tenían funciones litúrgicas específicas - processional cruces y altarpieces, por ejemplo.
Una de las preguntas centrales sobre preocupaciones medievales del arte su carencia del realismo. Conocimiento mucho de perspectiva en arte y entender de la figura humana fue perdido con la caída de Roma. Pero muchos también precisan que el realismo no era la preocupación primaria de artistas medievales. Intentaban simplemente enviar un mensaje religioso, una tarea que las demandas despejan imágenes iconic en vez exacto rendidas.
Período: 6to siglo a décimo quinto siglo
Byzantine
El arte Byzantine se traslapa con o se combina con lo que llamamos arte cristiano temprano hasta el período del iconoclasm de 730-843 cuando destruyeron a la mayoría extensa de ilustraciones con las figuras; tan poco sigue siendo que cualquier descubrimiento vierte hoy la nueva comprensión. Después de 843 hasta 1453 hay una tradición Byzantine clara del arte. Es a menudo el arte más fino de las edades medias en términos de calidad del material y de la ejecución, con la producción centrada en Constantinople. El logro de coronación del arte Byzantine era los frescos y los mosaicos monumentales dentro de las iglesias abovedadas, la mayor parte de que no tienen sobrevivida debido a los desastres naturales y a la apropiación de iglesias a las mezquitas.
Céltico
El arte céltico en las edades medias describe el arte de la gente de discurso céltica nativa de Irlanda y de Gran Bretaña a partir alrededor del 5to siglo, con el retiro romano, alrededor al 10mo establecimiento del siglo del arte románico. Los 5tos a 7mos siglos eran principalmente un continutation del último arte de Tène del La de la edad de hierro con algunas modificaciones romanas, mientras que en los 7mos y 8vos siglos vio una fusión con tradiciones germánicas a través de contacto con crear de los anglosajones qué se llama el estilo de Hiberno-Saxon o el arte insular, y entonces en el período algunas inspiraciones de Viking se consideran finalmente tarde en Irlanda.
Romanesque
El arte románico Refiere al período a partir de cerca de 1000 a la subida de arte gótico en el 12mo siglo, que se convirtió conjuntamente con la subida de monasticism en Europa occidental y particularmente Francia, pero España cristiana también incluida, Inglaterra, Flandes, Alemania, Italia, y a otra parte. Su arquitectura es dominada por las paredes gruesas, cortocircuito, las estructuras agazapadas, y las ventanas y los arcos de cabeza redonda. El nombre viene a partir de los diecinueveavo historiadores de arte del siglo, como estaba la primera vez desde que Roma antigua que las formas arquitectónicas romanas fueron utilizadas claramente.
Gótico
El arte gótico es un término variable dependiendo del arte, del lugar y del tiempo. El término originado con arquitectura gótica en 1140, sino la pintura gótica no apareció hasta que alrededor 1200 (esta fecha tiene muchas calificaciones), cuando divergió del estilo de Romanesque. La escultura gótica fue llevada en Francia en 1144 con la renovación de la iglesia de la abadía del S. Denis y extensión a través de Europa, por el décimotercero siglo se había convertido en el estilo internacional, substituyendo Romanesque. Gótico internacional describe arte gótico a partir de cerca de 1360 a 1430, después de lo cual fusiones góticas del arte en arte renacentista en diversas horas en diversos lugares. Durante este período forma por ejemplo la pintura, en fresco y en el panel, llegado a ser nuevamente importante, y el final del período incluye nuevos medios tales como impresiones.
Renacimiento
Renacimiento es caracterizado por un foco en los artes de Grecia antigua y Roma, que condujo a muchos cambios en ambos los aspectos técnicos de la pintura y de la escultura, así como a su tema. Comenzó adentro Italia, ricos de un país en la herencia romana así como la riqueza material para financiar a artistas. Durante el renacimiento, los pintores comenzaron a realzar el realismo de su trabajo usando nuevas técnicas adentro perspectiva, así representando tres dimensiones más auténtico. Los artistas también comenzaron a utilizar nuevas técnicas en la manipulación de ligero y de la oscuridad, tal como el contraste del tono evidente en muchos de Titian retratos y el desarrollo de sfumato y claroscuro por Da Vinci de Leonardo. Escultores, comenzó también a volver a descubrir muchas técnicas antiguas por ejemplo contrapposto. Siguiente con humanista el alcohol de la edad, arte llegó a ser más secular en el tema, el representar antiguo mitología además de temas cristianos. Este género del arte se refiere a menudo como renacimiento Classicism. En el norte, la innovación más importante del renacimiento era el uso extenso de pinturas de aceite, que permitió mayores color e intensidad.
De gótico al renacimiento
Durante los últimos décimotercero y temprano 14tos siglos, mucha de la pintura en Italia era Byzantine en el carácter, notablemente de las cuales Duccio de Siena y Cimabue de Florencia, mientras que Pietro Cavallini en Roma era más Gótico en estilo.
En 1290 Giotto comenzó a pintar de una forma eso era menos tradicional y basado más sobre la observación de la naturaleza. Su ciclo famoso en Capilla de Scrovegni, Padua, se ve como los principios de un estilo del renacimiento.
Llevaron a otros pintores del 14to siglo el estilo gótico a la grandes elaboración y detalle. La persona notable entre estos pintores es Simone Martini y Da Fabriano de Gentile.
En Países Bajos, la técnica de pintar adentro aceites más bien que tempera, se condujo a una forma de elaboración que no era dependiente sobre el uso de la hoja y de realzar del oro, pero sobre la pintura minuciosa del mundo natural. El arte de las texturas de la pintura con gran realismo se desarrolló en este tiempo. Pintores holandeses por ejemplo Enero van Eyck y Hugo van der Goes era tener gran influencia en la última pintura gótica y temprana del renacimiento.
Renacimiento temprano
Las ideas del renacimiento primero emergieron en el ciudad-estado de Florencia. El escultor Donatello vuelto a las técnicas clásicas por ejemplo contrapposto y los temas clásicos tienen gusto del nude sin apoyo - su segunda escultura de David era el primer nude de bronce libre creado en Europa desde el imperio romano. El escultor y el arquitecto Brunelleschi estudió las ideas arquitectónicas de los edificios romanos antiguos para la inspiración. Masaccio los elementos perfeccionados tienen gusto de la composición, de la expresión individual, y de la forma humana para pintar los frescoes, especialmente ésos en Capilla de Brancacci, de la elegancia, del drama, y de la emoción que sorprenden.
Un número notable de estos artistas importantes trabajó en diversas porciones de Catedral de Florencia. La bóveda de Brunelleschi para la catedral era una de las primeras innovaciones arquitectónicas verdaderamente revolucionarias puesto que el contrafuerte gótico del vuelo. Donatello creó muchas de sus esculturas. Giotto y Lorenzo Ghiberti también contribuido a la catedral.
Alto renacimiento
Los artistas altos del renacimiento incluyen las figuras tales como Da Vinci de Leonardo, Michelangelo Buonarroti, y Raffaello Santi.
Los progresos artísticos del décimo quinto siglo en Italia (por ejemplo, el interés en sistemas perspectival, en representar la anatomía, y en culturas clásicas) se maduraron durante el décimosexto siglo, explicando las designaciones “renacimiento temprano” para el décimo quinto siglo y “alto renacimiento” para el décimosexto siglo. Aunque ningún estilo singular caracteriza el alto renacimiento, el arte de esos asociados lo más de cerca posible a este daVinci del Período-Leonardo, Raphael, Michelangelo, y Titian-exhibe una maestría que asombra, técnica y estética. Los artistas altos del renacimiento crearon trabajos de tal autoridad que las generaciones de artistas más últimos confiaron en estas ilustraciones para la instrucción. Estas creaciones artísticas ejemplares fomentan elevaron el prestigio de artistas. Los artistas podrían demandar la inspiración divina, de tal modo levantando arte visual a un estado dado antes solamente a la poesía. Así, los pintores, los escultores, y los arquitectos entraron en sus el propios, con éxito demandando para su trabajo una alta posición entre los artes finos. En un sentido, los décimosexto amos del siglo crearon una nueva profesión con las sus propias derechas de la expresión y su propio carácter venerable. .
Renacimiento norteño
Otra figura igualmente importante pero menos bien conocida del renacimiento es Enero van Eyck (1366-1441), a Flamenco pintor atribuido a menudo con “traer el norte del renacimiento.” (véase: Pinturas tempranas del renacimiento).
Hieronymus Bosch ¿(1450? - 1516), a Holandés el pintor, es otra figura importante en el renacimiento norteño. En sus pinturas, él utilizó temas religiosos, pero los combinó con fantasías grotescas, imágenes coloridas, y leyendas populares campesinas. Sus pinturas reflejan a menudo la confusión y la angustia asociadas al final de las edades medias.
El arte renacentista norteño no era tan en cuestión con perspectiva y la figura como el del renacimiento italiano. La piedra angular del renacimiento norteño era el desarrollo de pintura de aceite.
Período:
- Renacimiento italiano - tarde 14to siglo temprano al décimosexto siglo
- Renacimiento norteño - décimosexto siglo
Manierismo, Barroco y Rococo
En arte europeo, el renacimiento Classicism frezó dos diversos movimientos Manierismo y Barroco. Manierismo, una reacción contra la perfección idealista de Classicism, distorsión empleada de armazones ligeros y espaciales para acentuar el contenido emocional de una pintura y las emociones del pintor. El trabajo de EL Greco es un ejemplo particularmente claro de Manierismo en pintar durante el último décimosexto, temprano 17mos siglos. El arte barroco llevó el representationalism del renacimiento las nuevas alturas, acentuando el detalle, el movimiento, la iluminación, y el drama en su búsqueda para la belleza. Quizás los pintores barrocos más conocidos están Rembrandt, Peter Paul Rubens, Diego Velázquez, y Caravaggio. El arte barroco se considera a menudo como parte de Contador-Reforma- el elemento artístico del renacimiento de la vida espiritual en Iglesia católica. Además, se considera el énfasis que el arte barroco puso en grandeur como Absolutist en naturaleza. Louis XIV dicho, “soy grandeur encarnado”, y muchos artistas barrocos sirvieron a reyes que intentaron realizar esta meta. Sin embargo, el amor barroco para el detalle a menudo se considera excesivo-adornado y llamativo, especialmente como él se convirtió en el estilo más rico adornado de Rococo. Esto se puede también ver en los estilos adornados de lineography. Después de la muerte de Louis XIV, Rococo prosperó para un cortocircuito mientras que, pero pronto cayó de favor. De hecho, la repugnancia para el ornateness de Rococo era el ímpetu para Neoclassicism.
Período:
- Manierismo - décimosexto siglo
- Barroco - 17mo siglo a décimo octavo siglo
- Rococo - Siglo de Mid-18th
Neoclassicism, romanticismo, Academism y realismo
Como tiempo pasado, el grandeur adornado de estos estilos repelieron y fueron intentados a muchos artistas para invertir al arte anterior, más simple del renacimiento, el crear Neoclassicism. Neoclassicism era el componente artístico del movimiento intelectual conocido como la aclaración, que era semejantemente idealista. Ingres, Canova, y Jacques-Louis David esté entre los neoclassicists más conocidos.[4]
Apenas como manierismo rechazó Classicism, tan Romanticismo rechace las ideas de la aclaración y el estético del Neoclassicists. El arte romántico se centró en el uso del color y movimiento para retratar la emoción, pero como classicism utilizó la mitología griega y romana y la tradición como fuente importante del simbolismo. Otro aspecto importante del romanticismo era su énfasis en la naturaleza y retratar la energía y la belleza del mundo natural. El romanticismo era también un movimiento literario grande, especialmente adentro poesía. Entre los artistas románticos más grandes estaban Eugène Delacroix, Francisco Goya, J.M.W. Turner, Guardia de Juan, Caspar David Friedrich, Thomas Cole, y Guillermo Blake.[5]
La mayoría de los artistas procuraron tomar a un centrista que el acercamiento que adoptó diversas características de los estilos de Neoclassicist y de Romanticist, para los sintetiza. Las diversas tentativas ocurrieron dentro de la academia francesa, y se llaman colectivamente Arte académico. Adolphe Guillermo Bouguereau se considera un principal ejemplo de esta corriente del arte.
En el diecinueveavo siglo temprano la cara de Europa, sin embargo, se alteró radicalmente cerca industrialización. La pobreza, la mugre, y la desesperación eran ser el sino del nuevo clase obrera creado por la “revolución.” En respuesta a estos cambios que van encendido en sociedad, el movimiento de Realismo emergido. Realismo intentado para retratar exactamente las condiciones y las dificultades de los pobres en las esperanzas de cambiar a sociedad. Al contrario del romanticismo, que era esencialmente optimista sobre la humanidad, el realismo ofreció una visión rígida de la pobreza y de la desesperación. Semejantemente, mientras que el romanticismo glorificó la naturaleza, el realismo retrató vida en las profundidades de una tierra urbana. Como romanticismo, Realismo estaba un literario así como un movimiento artístico. El grande Realista los pintores incluyen Jean Baptiste Siméon Chardin, Gustave Courbet, Mijo de Jean-François, Camille Corot, Honoré Daumier, Edouard Manet, Edgar desgasifica (ambos considerados como Impresionistas), y Thomas Eakins, entre otros.
La respuesta de la arquitectura a la industrialización, en contraste rígido a los otros artes, era virar hacia historicism. Aunque los ferrocarriles construidos durante este período a menudo se consideran las reflexiones más verdaderas de su alcohol - a veces se llaman “las catedrales de la edad” - los movimientos principales en arquitectura durante la edad industrial eran renacimientos de estilos a partir del pasado distante, tal como Renacimiento gótico. Los movimientos relacionados eran Fraternidad de Pre-Raphaelite, antes de que procuró volver arte a su estado de la “pureza” Raphael, y Artes y movimiento de los artes, que reaccionó contra el impersonality de mercancías producidas en serie y abogó una vuelta a la artesanía medieval.
Período:
- Neoclassicism - 17mo siglo a diecinueveavo siglo
- Romanticismo - Tarde décimo octavo siglo a diecinueveavo siglo
- Realismo - diecinueveavo siglo
Arte moderno
Fuera de naturalista los éticas del realismo crecieron un movimiento artístico importante, Impressionism. Los impresionistas iniciaron el uso de la luz en la pintura mientras que procuraron capturar ligero según lo visto del ojo humano. Edgar desgasifica, Edouard Manet, Claude Monet, Camille Pissarro, y Pierre-Auguste Renoir, eran todos implicados en el movimiento impresionista. Como vino una consecuencia directa del Impressionism el desarrollo de Poste-Impressionism. Paul Cezanne, Vincent van Gogh, Paul Gauguin, Georges Seurat son los Poste-Impresionistas más conocidos.
Después de los impresionistas y Poste-Impresionistas vino Fauvism, a menudo considerado el primer género “moderno” del arte. Apenas como los impresionistas revolucionó la luz, así que hizo los fauvists repiensa color, pintando sus lonas en tonalidades brillantes, salvajes. Después del Fauvists, arte moderno comenzó a convertirse en todas sus formas, extendiéndose de Expressionism, tratado a evocar la emoción a través de obras de arte objetivas, a Cubism, el arte de transportar una realidad tridimensional sobre una lona plana, a Arte abstracto. Estas nuevas formas de arte empujaron los límites de nociones tradicionales del “arte” y correspondieron a los cambios rápidos similares que ocurrían en sociedad, tecnología, y pensamiento humanos.
Surrealism se clasifica a menudo como forma de arte moderno. Sin embargo, el Surrealists ellos mismos se ha opuesto al estudio del surrealism como era en historia del arte, demandando que sobresimplifica la complejidad del movimiento (que él dice no es un movimiento artístico), falsifica la relación del surrealism a estética, y caracteriza falso surrealism en curso como haber acabado, encapsulado históricamente era.
Otras formas de arte moderno (algunas en de las cuales frontera Arte contemporáneo) incluya:
- Expressionism abstracto
- Arte Deco
- Arte Nouveau
- Bauhaus
- Pintura del campo de color
- Arte del concepto
- Constructivism
- Cubism
- Dada
- Der Blaue Reiter
- De Stijl
- Dado Brücke
- Expressionism
- Fauvism
- Futurism
- Surrealism
- Lettrisme
- Abstracción lírica
- Minimalism
- Arte ingenuo
- Arte de Op. Sys.
- Arte del funcionamiento
- Arte pop
- Suprematism
- Arte video
Período: Primera mitad del vigésimo siglo
Arte contemporáneo y arte de Postmodern
Los progresos recientes en arte han sido caracterizados por una extensión significativa de lo que ahora juzgaba la poder para ser arte, en términos de materiales, medios, actividad y concepto. Arte conceptual particularmente ha tenido una influencia amplia. El comenzó como el reemplazo del concepto para hizo el objeto, una de las intenciones de las cuales era literalmente refutar el commodification del arte. Sin embargo, ahora refiere generalmente a ilustraciones donde hay un objeto, pero la demanda principal para el trabajo se hace para el proceso del pensamiento que le ha informado. El aspecto de la comercialización ha vuelto al trabajo.
Tiene también sido un aumento en el arte que refiere a los movimientos y a los artistas anteriores, y ganando validez de esa referencia.
Postmodernism en el arte, que ha crecido desde los años 60, diferencia de Modernism ya que los movimientos modernos del arte fueron centrados sobre todo en sus propias actividades y valores, mientras que Postmodernism utiliza la gama entera de movimientos anteriores como punto de referencia. Esto tiene por la definición generada una perspectiva relativista, acompañada por la ironía y cierta incredulidad en valores, pues cada uno se puede ver para ser substituido por otro. Otro resultado de esto ha sido el crecimiento de la comercialización y de la celebridad.
Algunos surrealists particularmente Joan Miró, que llamaron para el “asesinato de la pintura” (en las entrevistas numerosas que fechan de los años 30 hacia adelante, del desprecio expresado Miró para que los métodos convencionales de la pintura y su deseo “maten”, del “asesinato”, o “viólelos” a favor de medios más contemporáneos de la expresión).[6] denunci o procurado “reemplace” la pintura, y también ha habido otras tendencias de la contra-pintura entre los movimientos artísticos, tales como el de Dada y arte conceptual. La tendencia lejos de pintar en el último vigésimo siglo ha sido contradicha por los varios movimientos, por ejemplo la continuación de Abstracción lírica, Arte pop, Arte de Op. Sys., Nuevo realismo, Neo-Geo, Neo-expressionism, y Stuckism y painterly direcciones importantes e influyentes otras.
Vea también
- Pintura occidental
- Historia de la pintura
- Arte contemporáneo
- Arte de Postmodern
- modernism
- Vidas de los pintores, de los escultores, y de los arquitectos más excelentes
Referencias
- ^ Barandilla Fletcher excluido casi todos los edificios barrocos de su tomo gigantesco Una historia de la arquitectura en el método comparativo. Los editores rectificaron eventual esto.
- ^ http://www.art-and-archaeology.com/roman/painting.html
- ^ Pintura romana de la pared
- ^ James J. Sheehan, “arte y sus públicos, C. 1800, “unido y diversidad en la cultura europea C. 1800, ed. Tim Blanning y Hagen Schulze (Nueva York: Prensa de la universidad de Oxford, 2006), 5-18.
- ^ James J. Sheehan, “arte y sus públicos, C. 1800, “unido y diversidad en la cultura europea C. 1800, ed. Tim Blanning y Hagen Schulze (Nueva York: Prensa de la universidad de Oxford, 2006), 5-18.
- ^ M. Rowell, Joan Mirό: Escrituras y entrevistas seleccionadas (Londres: Thames y Hudson, 1987) pp. 114-116.
Acoplamientos externos
- Timeline del arte
- Galería del Web del arte
- Postmodernism
- Comunidad europea de los artistas
- Galería de arte de Panopticon Virual
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