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Victoria y museo de Albert
| El Victoria y el museo de Albert | |
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| Establecido | 1852 |
| Localización | Jardines de Cromwell, Kensington del sur, Londres |
| Tamaño de la colección | 4.6 millones de objetos |
| Área del museo | 12.5 acres/145 galerías |
| Figuras del visitante | 2.400.000 (2006) [1] |
| Director | Marque a Jones |
| Las estaciones de tubo más cercanas | Kensington del sur |
| Web site | www.vam.ac.uk |
Victoria y museo de Albert (abreviado a menudo como V&A) adentro Londres es el museo más grande del mundo de artes y del diseño decorativos, conteniendo una colección permanente sobre de 4.5 millones de objetos. Ahora nombrado después Príncipe Albert y Reina Victoria, fue fundado adentro 1852 como Museo del sur de Kensington, el V&A ahora ha venido desde entonces cubre alguno 12.5 acres (0.05 kilómetros de ²)[2] y 145 galerías. Su colección atraviesa 5000 años de arte, a partir de épocas antiguas hoy, en virtualmente cada medio, de las culturas de Europa, Norteamérica, Asia y África del norte.
Las tenencias de cerámica, cristal, textiles, trajes, plata, ironwork, joyería, muebles, medieval objetos, escultura, impresiones y el printmaking, dibujos y fotografías esté entre el el más grande y más comprensivo del mundo. El museo posee la colección más grande del mundo del posteclásico escultura, las tenencias de Renacimiento italiano los artículos son el exterior más grande Italia. Los departamentos de Asia incluyen arte de Asia del Sur, China, Japón, Corea y Mundo islámico. Al este asiático las colecciones están entre el mejor de Europa, con fuerzas particulares en cerámica y metalwork, mientras que la colección islámica, junto a Musée du Louvre y Museo metropolitana del arte, Nueva York, está entre el más grande del mundo.
Junto a otras instituciones vecinas, incluyendo Museo de la historia natural y Museo de la ciencia, el V&A está situado en qué se llama Londres “Albertopolis“, un área de la importancia cultural, científica y educativa inmensa. Desde 2001, el museo ha emprendido un programa importante de la renovación de £150m[3] cuál ha visto un reacondicionamiento importante de los departamentos incluyendo la introducción de más nuevos galerías, jardines, tiendas e instalaciones del visitante. Siguiendo en vena similar a otros museos BRITÁNICOS nacionales, la entrada al museo ha estado libre desde 2001.
Historia
Fundación
El V&A tiene sus orígenes adentro La gran exposición de 1851, con el cual Henrio Cole el primer director del museo estuvo implicado en el planeamiento; era sabido inicialmente como el museo de fabrica,[4] primera abertura en mayo de 1852 en Casa de Marlborough, pero por septiembre había sido transferido a Casa de Somerset. Las colecciones cubrieron en esta etapa arte aplicado y ciencia.[5] Varios de los objetos expuestos de la exposición fueron comprados para formar el núcleo de la colección.[6] Antes del febrero de 1854 las discusiones eran en curso transferir el museo al sitio actual[7] y fue retitulado como el museo del sur de Kensington. En 1855 el arquitecto alemán Gottfried Semper, a petición de Cole, produjo un diseño para el museo, pero fue rechazado por Tablero del comercio como demasiado costoso.[8] El sitio fue ocupado por la casa de Brompton Park, ésta era extendido incluyendo los primeros cuartos abiertos en 1857, el museo del refresco que era el primer en el mundo para proporcionar tal facilidad.[9] La abertura oficial cerca Reina Victoria estaba encendido 22 de junio 1857.[10] En el año siguiente, tarde - las aberturas de la noche fueron introducidas, hecho posible por el uso del alumbrado de gas. Éste era permitir en las palabras de Cole “comprobar prácticamente qué horas son las más convenientes a las clases obreras”[11] - esto fue ligada al uso de las colecciones de arte aplicado y de ciencia como recursos educativos de ayudar a alzar industria productiva.[12] En estos años el uso práctico de la colección mucho fue acentuado en comparación con el del “alto arte” en Galería nacional y beca en Museo británico.[13] Esto condujo a la transferencia al museo de la escuela del diseño en la cual había sido fundado en 1837 Casa de Somerset, después de que la transferencia fuera referido como la escuela de arte o escuela de entrenamiento del arte, llegar a ser más adelante Universidad real del arte cuál finalmente alcanzó independencia completa en 1949. Desde el 1860s al 1880s las colecciones científicas habían sido movidas desde el sitio principal del museo a las varias galerías improvisadas a al oeste de Camino de la exposición.[14] En 1893 el “museo de la ciencia” había entrado en con eficacia existencia cuando designaron a un director separado.[15]
El poner de la piedra de la fundación a la izquierda de la entrada principal del edificio de Aston Webb, encendido 17 de mayo 1899[16] estaba el aspecto público oficial pasado de Queen Victoria. Era durante esta ceremonia esa el cambio del nombre del Museo del sur de Kensington a Victoria y museo de Albert fue hecho público.
La exposición que el museo organizado para celebrar centenario de el 1899 que retitulaba, “un diseño magnífico,” primero viajó adentro Norteamérica a partir de 1997 (Museo de Baltimore del arte, Museo de artes finos, Boston, Museo real de Ontario, Toronto, Museo de artes finos, Houston y Museos finos de los artes de San Francisco), volviendo a Londres en 1999.[17] Para acompañar y para apoyar la exposición, el museo publicó un libro, Diseño magnífico, cuál ha hecho disponible para la lectura en línea en su Web site.[18]
1900–1950
La ceremonia de la abertura para el edificio de Aston Webb cerca Rey Edward VII y Reina Alexandra ocurrió encendido 26 de junio 1909.[19] En 1914 la construcción comenzó de Museo de la ciencia señalando la fractura final de la ciencia y de las colecciones de arte,[20] el museo ha mantenido desde entonces su papel de una de las colecciones de artes decorativas más grandes del mundo. En el brote de Segunda Guerra Mundial la mayor parte de la colección fue embalada lejos y envió cualquiera a una mina subterránea en Wiltshire, Casa de Montacute en Somerset, o a un túnel averiado cerca Estación de tubo de Aldwych con ser in situ restante de artículos más grandes arena empaquetó y bricked el pulg.[21] Durante la guerra algunas de las galerías fueron utilizadas entre 1941 y 1944 como escuela para los niños evacuados de Gibraltar.[22] La corte del sur se convirtió en una cantina, primero para Fuerza aérea real y más adelante para las escuadrillas de la reparación del daños de la bomba.[23] Antes de la vuelta de las colecciones después de la guerra, la “Gran Bretaña puede hacerle” la exposición fue sostenida entre septiembre y el noviembre de 1946,[24] atracción casi de millón y de visitantes de una mitad.[25] Esto fue organizada y sostenida bajo auspicios del consejo del diseño industrial que había sido establecido por el gobierno central en 1944 “promover por todos los medios practicables la mejora del diseño en los productos de la industria británica”;[26] el éxito de esta exposición condujo al planeamiento del Festival de Gran Bretaña. Antes de 1948 la mayor parte de las colecciones habían sido vueltas al museo.
Desde 1950
En julio de 1973 - como parte de su exceda el programa a la gente joven - el V&A se convirtió en el primer museo en Gran Bretaña para presentar un concierto de rock. El V&A presentó un concierto/una conferencia combinados por la venda progresiva británica de la gente-roca Gryphon, que exploró el linaje de la música y de la instrumentación medievales y se relacionó cómo ésos contribuyeron a la música contemporánea 500 años más adelante. Este acercamiento innovador a traer a gente joven a los museos era un sello del Directorship de Roy fuerte y fue emulado posteriormente por algunos otros museos británicos.
En el sir de los años 80 Roy fuerte retituló el museo como “el Victoria y Albert museo, el museo nacional del arte y diseño”. Sucesor fuerte Elizabeth Esteve-Coll supervisó un período turbulento para la institución en quien los departamentos curatorial del museo eran el conducir reestructurado a la crítica pública de un poco de personal. Las tentativas de Esteve-Coll de hacer el V&A más accesible incluyeron una campaña criticada de la comercialización que acentuaba el café sobre la colección.
En 2001 “el plan futuro” fue lanzado, que implica el reajustar de todas las galerías e instalaciones del público en el museo que tengan todavía ser remodeladas. Éste es asegurarse de que los objetos expuestos están exhibidos mejor, más información es disponible y las expectativas modernas de las reuniones del museo para las instalaciones del museo; debe tomar cerca de diez años para terminar el trabajo.
El museo también funciona Museo de la niñez en Verde de Bethnal; y Museo del teatro en Jardín de Covent y utilizado funcionar Casa de Apsley. El museo del teatro ahora está cerrado, pero las colecciones del teatro de V&A deben ser redesplegadas dentro del edificio del sur de Kensington a partir del noviembre de 2007.
Arquitectura del museo
El período de Victorian
Las áreas de Victorian tienen una historia compleja, con las adiciones fragmentarias de diversos arquitectos. Fundado en mayo de 1852, no era hasta 1857 que el museo movió al actual sitio. Esta área de Londres era conocida como Brompton pero había sido retitulado Kensington del sur. La tierra fue ocupada por la casa de Brompton Park, que era extendida, lo más notablemente posible por las “calderas de Brompton”,[27] cuáles eran galerías rígido utilitarias del hierro con una mirada temporal; fueron desmontados y utilizados más adelante para construir el museo de V&A de la niñez. El primer edificio que se erigirá que todavía forma la parte del museo era la galería de Sheepshanks en 1857 en el lado del este del jardín[28]; su arquitecto era capitán Francis Fowke. Las extensiones principales siguientes fueron diseñadas por el mismo arquitecto, éstos eran el Turner y las galerías de Vernon construyeron 1858-9 [29](Construido para contener las colecciones eponymous, que fueron transferidas más adelante a la galería de Tate, ahora usada como las galerías del cuadro y la galería de la tapicería respectivamente), entonces el norte [30]y cortes del sur [31], que se abrió antes del junio de 1862. Ahora forman las galerías para las exposiciones temporales y están directamente detrás de la galería de Sheepshanks. En el borde muy norteño del sitio se sitúa el ala de la secretaría[32], también construido en 1862 esto contiene las oficinas y el cuarto de tablero etc y no está abierto al público.
Un esquema ambicioso de la decoración fue desarrollado para estas nuevas áreas: una serie de mosaico las figuras que representaban a artistas europeos famosos del período medieval y del renacimiento fueron producidas[33]. Éstos ahora se han quitado a otras áreas del museo. También fue comenzada una serie de frescos por Señor Leighton: Artes industriales en relación a guerra 1878-1880 y Artes industriales aplicados a la paz, que fue comenzada pero nunca acabada[34]. A al este de esto estaban las galerías adicionales, la decoración de las cuales era el trabajo de otro diseñador Owen Jones, éstas eran las cortes orientales (cubierta la India, China y Japón) terminadas en 1863, ninguno de esta decoración sobreviven,[35] la parte de estas galerías se convirtió en las galerías nuevas que cubrían el diecinueveavo siglo, abierto en diciembre de 2006. El trabajo pasado de Fowke era el diseño para la gama de edificios en el del norte y los lados del oeste del jardín, éste incluyen los cuartos del refresco, reinstalados como el museo Café en 2006, con la galería de plata arriba, (cuando la galería de la cerámica), el piso superior tienen un teatro espléndido de la conferencia aunque éste está raramente abierto al público en general. La escalera de cerámica en la esquina del noroeste de esta gama de edificios fue diseñada por F.W. Cambiante[36]; todos los detalles arquitectónicos se producen en cerámica moldeada y coloreada. Todo el trabajo sobre la gama del norte fue diseñado y construido en 1864-1869. El estilo adoptado para esta parte del museo era Renacimiento italiano, mucho uso fue hecho de terracotta, ladrillo y el mosaico, este façade del norte fue pensado mientras que la entrada principal al museo con sus puertas de bronce diseñó por James Gamble y Reuben Townroe que tenía seis paneles el representar: Humphry Davy (química); Isaac Newton (astronomía); Vatio de James (mecánicos); Bramante (arquitectura); Michelangelo (escultura); Titian (pintura); así representando la gama de las colecciones de los museos[37],Godfrey Sykes también diseñó los adornos del terracotta y el mosaico en Pediment del Façade del norte que conmemora la gran exposición los beneficios de la cual ayudaron a financiar el museo, esto es flanqueada por los grupos de la estatua del terracotta cerca Bola de Percival[38]. Este edificio substituyó la casa del parque de Brompton, que se podría entonces demoler para hacer la manera para la gama del sur.
Los interiores de los tres cuartos del refresco fueron asignados a diversos diseñadores. La sala que cenaba verde 1866-68 era el trabajo de Philip Webb y Guillermo Morris[39], exhibiciones Elizabethan las influencias, la parte más inferior de las paredes se artesonan en madera con una venda de las pinturas que representan la fruta y la figura ocasional, con follaje moldeado del yeso en la pieza principal de la pared y de un frieze del yeso alrededor del techo adornado y de las ventanas de cristal manchadas. La sala 1865-77 del refresco del centro fue diseñada en un estilo del renacimiento por James Gamble[40], las paredes e incluso Iónico las columnas se cubren en decorativo y la baldosa cerámica moldeada, el techo consiste en diseños elaborados en las hojas de metal esmaltadas y las ventanas de cristal manchadas que emparejan, la chimenea de mármol[41] fue diseñado y sculpted cerca Alfred Stevens y fue quitado de la casa de Dorchester antes de la demolición de ese edificio en 1929. La sala 1876-81 de la parrilla fue diseñada por el sir Edward Poynter[42], la parte más inferior de las paredes consiste en los azulejos azules y blancos con las varias figuras y el follaje incluido por el revestimiento de madera de madera, arriba hay escenas embaldosadas grandes con las figuras que representan las cuatro estaciones y los doce meses que éstos fueron pintados por las señoras de la escuela de arte después que basados en el museo, las ventanas está el cristal también manchado, todavía hay una parrilla elaborada del hierro fundido en lugar.
Con la muerte de Fowke el arquitecto siguiente a trabajar en el museo era coronel (más adelante general importante) Henrio Scott (1822-83)[43] también de Ingenieros reales. Él diseñó al noroeste del jardín la escuela del cinco-cuento para los arquitectos navales (también conocidos como las escuelas de la ciencia)[44], ahora el ala de Cole del Henrio en 1867-72. Ayudante J.H. de Scott. Salvaje diseñó la escalera impresionante [45]ese se levanta la altura completa del edificio, hecha de la piedra de Cadeby los pasos son 7 pies en longitud, las barandillas y las columnas son piedra de Portland. Ahora se utiliza para contener el empalme V&A y Instituto real de arquitectos británicos (RIBA) la biblioteca arquitectónica de los dibujos y la educación de Sackler se centran para abrirse en 2008. Continuando el estilo de los edificios anteriores, los varios diseñadores eran responsables de la decoración, los adornos del terracotta eran otra vez el trabajo de Godfrey Sykes, aunque Sgraffito fue utilizado adornar el lado del este del edificio diseñado por F.W. Cambiante[46], un adorno final era las puertas del hierro labrado hechas tan atrasadas como 1885 diseñados por Starkie Gardner[47], éstos conducen a un paso a través del edificio. Scott también diseñó las dos cortes echadas 1870-73[48] al sureste del jardín (el sitio de las “calderas de Brompton”), estos espacios extensos tienen techos 70 pies en la altura para acomodar los moldes del yeso de las partes de edificios famosos, incluyendo la columna de Trajan (en dos pedazos separados). La parte final del museo diseñó por Scott era la biblioteca del arte y cuál ahora es la galería de la escultura en el lado del sur del jardín, construido 1877-83[49], los paneles exteriores del mosaico en el parapeto fueron diseñados por Reuben Townroe que también diseñó el trabajo del yeso en la biblioteca[50], Sir Juan Taylor diseñó los estantes y las cajas del libro[51], también ésta era la primera parte del museo para tener iluminación eléctrica[52]. Esto terminó la mitad norteña del sitio pero a la izquierda del museo sin un façade apropiado.
El período de Edwardian
El façade principal, construido de ladrillo rojo y Piedra de Portland, los estiramientos 720 pies a lo largo de los jardines de Cromwell y fueron diseñados cerca Aston Webb después de ganar una competición en 1891 de extender el museo. La construcción ocurrió entre 1899 a 1909.[53] Es estilístico un híbrido extraño, aunque mucho del detalle pertenece a Renacimiento hay influencias medievales en el trabajo. La entrada principal que consistía en una serie de arcos bajos apoyados por las columnas y los lugares delgados con las puertas gemelas se separó por el embarcadero es Romanesque en forma pero clásico detalladamente. Asimismo la torre sobre la entrada principal tiene una corona abierta del trabajo superada por una estatua de la fama[54], una característica de tarde Arquitectura gótica y una característica común en Escocia, pero el detalle es clásicos. Las ventanas principales a las galerías son también mullioned y transomed, otra vez una característica gótica, la fila superior de ventanas se entremezclan con las estatuas de muchos de los artistas británicos que trabajo se exhibe en el museo.
Príncipe Albert aparece dentro del arco principal sobre las entradas gemelas, reina Victoria sobre el marco alrededor de los arcos y la entrada, sculpted cerca Alfred Drury. Estos façades rodean cuatro niveles de galerías. Otras áreas diseñaron por Webb incluyen hall de entrada y de la Rotonda, los pasillos del este y del oeste, las áreas ocupadas por la tienda y las galerías asiáticas así como la galería del traje. El interior hace mucho uso de mármol en el hall de entrada y las escaleras que flanquean, aunque las galerías como diseñado originalmente eran blancas con el detalle y los moldeados clásicos refrenados, mucho en contraste con la decoración elaborada de las galerías de Victorian, aunque mucha de esta decoración fue quitada en el vigésimo siglo temprano.[55]
El período de la posguerra
El museo sobrevivió Segunda guerra mundial con solamente daño de menor importancia de la bomba. La pérdida peor era el Victorian manchado de cristal en la escalera de la cerámica en la cual estuvo soplado cuando cayeron las bombas cerca cerca; el pock marca todavía visible en el façade del museo fue causado por la metralla de las bombas. En los años de la posguerra inmediatos había poco dinero disponible para con excepción de las reparaciones esenciales. La sierra de los años 50 y de los años 60 tempranos poco de la manera del trabajo del edificio, el primer trabajo principal era la creación del nuevo espacio de almacenaje para los libros en la biblioteca del arte en 1966 y 1967. Este pasillo principal de Aston Webb excesivo del suelo implicado para formar los apilados del libro[56], con una galería medieval nueva en la planta (ahora la tienda, abierta en 2006). Entonces las galerías más bajas de la planta en la parte del oeste del sur del museo fueron reajustadas, abriéndose en 1978 para formar las galerías nuevas que cubrían el arte continental 1600-1800 (último renacimiento, Rococo directo y neoclásico barrocos)[57]. En 1974 el museo había adquirido cuál ahora es el ala de Cole del Henrio del Universidad real de la ciencia[58]. Para adaptar el edificio como galerías, todos los interiores de Victorian a excepción de la escalera fueron modificados durante remodelar. Para ligar esto al resto del museo, un edificio nuevo de la entrada fue construido en el sitio de la sala de calderas anterior, el sitio previsto del espiral, entre 1978 y 1982[59]. Este edificio está de concreto y muy funcional, el único adorno que es las puertas del hierro de Christopher Hay y de Douglas Coyne del Universidad real del arte[60]. Éstos se fijan en columned la pared de la pantalla diseñada por Aston Webb que forme el façade.
Años recientes
Algunas galerías fueron reajustadas en los años 90 incluyendo: Trabajo indio, japonés, chino, del hierro, el cristal principal y la galería principal de los cubiertos, aunque esta galería fue realzada más a fondo en 2002 en que algo de la decoración de Victorian fue reconstruida. Esto incluyó dos de las diez columnas que hacían su decoración de cerámica substituir y de los diseños pintados elaborados restaurados en el techo. Como parte de la renovación 2006 el mosaico suela en la galería de la escultura fue restaurado - la mayor parte de los pisos de Victorian fueron cubiertos adentro linóleo después de la segunda guerra mundial. Después del éxito de las galerías británicas, abierto en 2001, era decidido para emprender un reajuste importante de todas las galerías en el museo; esto se conoce como “plan futuro”. Se espera que tome cerca de diez años y fue comenzado el plan en 2002. Hasta la fecha varias galerías se han reajustado, notablemente, en 2002: la galería de plata principal, contemporánea; en 2003: Fotografía, la entrada principal, las galerías de la pintura; en 2004: el túnel al subterráneo que conduce a Estación de tubo del sur de Kensington, Signage nuevo a través hacia fuera del museo, arquitectura, cuartos y almacenes, metalware, sitio de los miembros, cristal contemporáneo, la galería de la lectura de V&A y de RIBA de la escultura de Gilbert Bayes; en 2005: miniaturas del retrato, impresiones y dibujos, exhibiciones en el sitio 117, el jardín, plata sagrada y cristal manchado; en 2006: Tienda central de Pasillo, Medio Oriente islámico, el nuevo café, galerías de la escultura. Varios diseñadores y arquitectos han estado implicados en este trabajo. Eva Jiricna diseñó los realces a la entrada principal y de la Rotonda, a la tienda nueva, al túnel y a las galerías de la escultura. Gareth Hoskins era responsable de contemporáneo y arquitectura, Softroom, Medio Oriente islámico y el cuarto de los miembros, los arquitectos de McInnes Usher McKnight (MUMA) eran responsables del café nuevo y ahora están diseñando las galerías medievales y del renacimiento nuevas debidas abrirse en 2009.[61]
Recientemente, la controversia rodeó el edificio propuesto del museo de una extensión £80 millón llamada el espiral, diseñado cerca Daniel Libeskind, que fue criticada como fuera de guardar con la arquitectura de los edificios originales. El diseño del espiral fue descrito por alguno como pareciendo las cajas de cartón jumbled. En septiembre de 2004, el tablero de administradores del museo votó para abandonar el diseño después de no poder recibir el financiamiento de Fondo de la lotería de la herencia.[62]
El jardín
El jardín central fue reajustado por Kim Wilkie y se abrió como Juan Madejski Jardín, encendido 5 de julio 2005. El diseño es una mezcla sutil del tradicional y moderno, la disposición es formal; hay una característica elíptica del agua alineada en piedra con pasos alrededor del borde que se puede drenar para utilizar el área para las recepciones, las reuniones o los propósitos de la exposición. Esto está delante de las puertas de bronce que conducen a los cuartos del refresco, una trayectoria central flanqueada por los céspedes conduce a la galería de la escultura; los lados del norte, del este y del oeste tienen fronteras herbáceas a lo largo de las paredes del museo con las trayectorias en el frente que continúa a lo largo del façade del sur; en las dos esquinas por el façade del norte hay plantado Sweetgum americano árbol; los bordes meridionales, del este y occidentales de los céspedes tienen plantadores de cristal que contengan árboles de la naranja y de limón en verano, éstos se substituyen cerca árboles de la bahía en invierno. En la noche los plantadores y la característica del agua pueden ser iluminados, y los façades circundantes se encendieron para revelar los detalles normalmente en la sombra, especialmente sensible son los mosaicos en logia del façade del norte. En verano un café se instala en la esquina del oeste del sur. El jardín también se utiliza para los objetos expuestos temporales de la escultura, por ejemplo una escultura cerca Jeff Koons fue demostrado en 2006.
Departamentos
Educación
El departamento de la educación[63] tiene vastas responsabilidades. Proporciona la información para el visitante ocasional así como para grupos de la escuela, incluyendo aprender que integra en el museo de Plan de estudios nacional; proporciona las instalaciones de la investigación para los estudiantes en el nivel del grado y más allá, de la información y del acceso a las colecciones. También supervisa el contenido del Web site del museo además de los libros y de los papeles que publican en las colecciones, de la investigación y de otros aspectos del museo.
Varias áreas de la colección han dedicado los cuartos del estudio, éstos permiten el acceso a los artículos en la colección que no están actualmente en la exhibición, pero en algunos casos requieren una cita ser concertadas[64].
La habitación nueva de la educación de Sackler, ocupando las dos plantas más bajas del ala de Cole del Henrio debe abrirse en 2008. Esto incluirá cuartos y áreas de la conferencia para uso de las escuelas, que estarán disponibles durante días de fiesta de la escuela para uso de las familias, y permitirá la dirección directa de artículos de la colección.
Investigación y conservación
Investigación[65] es una parte muy importante del trabajo del museo, e incluye: identificación e interpretación de objetos individuales; otros estudios contribuyen a la investigación sistemática, éste desarrolla la comprensión pública del arte y de los artefactos de muchas de las grandes culturas del mundo; investigación y evaluación del visitante para descubrir las necesidades de visitantes y sus experiencias del museo. Desde 1990 el museo ha publicado informes de la investigación[66] éstos se centran en todas las áreas de las colecciones.
Conservación[67] es responsable de la preservación a largo plazo de las colecciones, y cubre todas las colecciones llevadas a cabo por el V&A y el museo de la niñez. Los conservadores especializan particularmente áreas de la conservación. Las áreas cubiertas por el trabajo del conservador incluyen la conservación “preventiva” que ésta incluye: realizando exámenes, los gravámenes y proporcionando consejo en la dirección de artículos, corrigen el empaquetado, el montaje y los procedimientos de la dirección durante el movimiento y la exhibición para reducir el riesgo de dañar objetos. Las actividades incluyen controlar el ambiente del museo (por ejemplo, temperatura y luz) y la prevención de los parásitos (sobre todo insectos) de los artefactos perjudiciales. La otra categoría principal es conservación “interventive”, ésta incluye: la limpieza y la reintegración para consolidar objetos frágiles, revelan la decoración de la superficie original, y restauran forma. Interventive treatment makes an object more stable, but also more attractive and comprehensible to the viewer. Se emprende generalmente en los artículos que son ir en la exhibición pública.
Colecciones
El Victoria y el museo de Albert está partido en cuatro departamentos de colecciones, Asia; Muebles, textiles y manera; Escultura, Metalwork, cerámica y cristal y palabra y imagen. Los guardianes del museo cuidan para los objetos en la colección y proporcionan el acceso a los objetos que no están actualmente en la exhibición al público y a los eruditos.
Los departamentos de colección se dividen más a fondo en dieciséis zonas de visualización, que combinaron números de la colección sobre 6.5 millones de objetos, no todos los artículos se exhiben o se almacenan en el V&A. Hay un depósito, en el camino de Blythe, Kensington del oeste, tan bien como las instituciones del anexo manejadas por el V&A [68], también el museo presta objetos expuestos a otras instituciones. Las listas siguientes cada uno de las colecciones en la exhibición y el número de objetos dentro de la colección.
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El museo tiene 145 galerías, pero dada el grado extenso de las colecciones solamente un porcentaje pequeño es siempre encendido la exhibición. Muchas adquisiciones se han hecho posibles solamente con la ayuda del Fondo nacional de las colecciones de arte.
Arquitectura
En 2004, el V&A junto a RIBA abrió la primera galería permanente en el Reino Unido[69] cubrir la historia de la arquitectura con las exhibiciones usando modelos, las fotografías, los elementos de edificios y los dibujos originales. Con la abertura de la galería nueva, la biblioteca arquitectónica de los dibujos de RIBA se ha transferido al museo, ensamblando la colección ya extensa llevada a cabo por el V&A. Con sobre 600.000 dibujos, sobre 750.000 papeles y parafernalia, y sobre 700.000 fotografías de alrededor del mundo, juntos forman el recurso arquitectónico más comprensivo del mundo.
No sólo representan a todos los arquitectos británicos importantes de los cuatrocientos años pasados, pero muchos dibujos de los arquitectos europeos (especialmente italiano) y americanos se sostienen en la colección. Las tenencias de dibujos cerca Palladio son el más grandes del mundo,[70] otros bien de europeos representada son Jacques Gentilhatre[71] y Antonio Visentini[72]. Arquitectos británicos que dibujos, y en algunos casos los modelos de sus edificios, en la colección, incluyen: Inigo Jones[73] Sir Christopher Wren,Sir Juan Vanbrugh, Nicholas Hawksmoor, Guillermo Kent, James Gibbs, Roberto Adán,[74] Sir Guillermo Chambers,[75] James Wyatt, Henrio Holanda, Juan Nash, Sir Juan Soane,[76] Sir Charles Barry, Charles Roberto Cockerell, Augustus Welby Northmore Pugin,[77] Sir George Gilbert Scott, Juan Loughborough Pearson, Calle de George Edmund, Normando Shaw de Richard, Waterhouse de Alfred, Sir Edwin Lutyens, Charles Rennie MacKintosh, Charles Holden, Hoar franco, Señor Richard Rogers, Señor Normando Foster, Sir Nicholas Grimshaw y Zaha Hadid.
Así como cuartos del período, la colección incluye las partes de edificios, por ejemplo las dos historias superiores de la fachada de la casa de sir Paul Pindar[78] [79]c1600 anticuado de Bishopsgate con el trabajo de madera elaboradamente tallado y las ventanas plomadas, un sobreviviente raro del Gran fuego de Londres, hay un portal del ladrillo de una casa de Londres del Restauración inglesa período y una chimenea de la galería de la casa de Northumberland. Los ejemplos europeos incluyen una ventana de dormer anticuada 1523-35 del chateau de Montal. Hay varios ejemplos de los edificios italianos del renacimiento incluyendo, de los portals, de las chimeneas, de los balcones y de un buffet de piedra que tenían construido en fuente. La galería principal de la arquitectura tiene una serie de pilares de varios edificios y de diversos períodos, por ejemplo una columna del Alhambra. Los ejemplos que cubren Asia están en esas galerías referidas a esos países, así como modelos y fotografías en la galería principal de la arquitectura.
Asia
La colección de V&As de arte de Asia numera más de 160.000 objetos, uno del más grande de existencia. Tiene uno del mundo las colecciones más comprensivas y más importantes de arte chino mientras que la colección de arte asiático del sur es la más importante del oeste. La cobertura de los museos incluye artículos del sur y Asia Sur-Oriental, los reinos Himalayan, China, el Extremo Oriente y el mundo islámico.
El V&A sostiene sobre 19.000 artículos del mundo islámico, extendiéndose a partir del período islámico temprano (el 7mo siglo) al siglo a principios de siglo 20. La galería de Jameel del arte islámico, abierta en 2006, contiene una exhibición representativa de 400 objetos con el toque de luz que es Alfombra de Ardabil, la pieza central de la galería. Las exhibiciones en esta galería cubren objetos de España, de África del norte, de el Oriente Medio, de Asia central y de Afganistán. Una obra maestra de Arte islámico es un 10th-century ewer tallado de un solo bloque de cristal de la roca. Muchos ejemplos de Qur'āns con exquisito calligraphy el fechar a partir de varios períodos está en la exhibición. Un décimo quinto siglo Minbar de a El Cairo mezquita con marfil la formación de los patrones geométricos complejos embutidos en madera es uno de los objetos más grandes en la exhibición. Ejemplos extensos de la cerámica especialmente Iznik la cerámica, el glasswork incluyendo las 14tas lámparas del siglo de mezquitas y el metalwork están en la exhibición. La colección de medio-oriental y Mantas persas y las alfombras están entre el más fino del mundo, muchos eran parte del legado que sala de 1909. Los ejemplos del azulejo trabajan de varios edificios incluyendo una chimenea anticuada 1731 de Estambul hecho de azulejos azules y blancos intrincado adornados y de azulejos de la turquesa del exterior de edificios de Samarkand también se exhiben.
Las colecciones del museo de sur y de arte asiático suroriental son el las más comprensivas e importantes del oeste que abarca casi 60.000 objetos, incluyendo cerca de 10.000 textiles y 6000 pinturas[80], la gama de la colección es inmensa. Nehru galería de Arte indio, abierto en 1991, contiene arte de cerca de 500 A.C. al diecinueveavo siglo. Hay una colección extensa de la escultura, principalmente de una naturaleza religiosa, Hindú, Budista y Jain. La galería se dota rico con el arte del Imperio de Mughal, incluyendo los retratos finos de los emperadores y otras pinturas y dibujos, la inserción de las tazas del vino del jade y de las cucharas del oro con las esmeraldas, diamantes y rubíes, también a partir de este período es parte de edificios tales como a jaali y pilares[81]. La India era un productor grande de textiles, del algodón teñido zaraza, muselina a los ricos bordado se exhibe el trabajo usando el hilo de rosca del oro y de la plata, los sequins coloreados y los granos, al igual que alfombras de Agra y Lahore. Los ejemplos de la ropa también se exhiben. Uno de los artículos más inusuales en la exhibición en la galería india es 'Tigre de Tipu', autómata y órgano mecánico hecho adentro Mysore alrededor 1795. Representa a tigre mauling a un soldado o a un oficial del British East la India Company. Se nombra después del regla de Mysore que lo comisionó, Sultán de Tipu. En 1879-80 las colecciones del museo de la India de la compañía del este de Británicos la India fueron dadas al V&A y al museo británico.
Las colecciones de Extremo Oriente incluyen más de 70.000 obras de arte[82] de los países de Asia del este: China, Japón y Corea. El T.T. Galería de Tsui de Arte chino abierto en 1991, exhibiendo una colección representativa del V&As aproximadamente 16.000 objetos[83] de China, fechando a partir del 4to milenio A.C. a hoy. Aunque la mayoría de trabajos de arte el fecha de la exhibición del Dinastía de Ming y Dinastía de Qing, hay ejemplos exquisitos de los objetos que fechan de Dinastía de la espiga y períodos anteriores. Notablemente, una alta cabeza de bronce del metro de Buddha fechado al ANUNCIO c750 y a el que está de los más viejos artículos a los 2.000 años jade la cabeza del caballo de un entierro, otras esculturas incluye a guardas de tamaño natural de la tumba. Los ejemplos clásicos de la fabricación china se exhiben que incluyen laca, seda, porcelana, jade y cloisonné esmalte. Dos retratos grandes del antepasado de un marido y de una esposa pintados en watercolour la fecha de seda a partir del décimo octavo siglo. Hay una tabla única de la laca, hecha en los talleres imperiales durante el reinado del emperador Xuande. Los ejemplos de la ropa también se exhiben. Uno de los objetos más grandes es una 17ma cama mediados de del siglo. El trabajo de diseñadores chinos contemporáneos también se exhibe.
Toshiba galería de Arte japonés abierto en diciembre de 1986. La mayoría de objetos expuestos fecha a partir de 1550 a 1900, pero uno de los más viejos pedazos exhibidos es la décimotercero escultura del siglo de Amida Nyorai. Ejemplos de la armadura japonesa clásica a partir del diecinueveavo siglo mediados de, láminas de acero de la espada (Katana), Inro, lacquerware incluyendo el pecho de Mazarin[84] c1640 anticuado es uno de los pedazos más finos el sobrevivir de Kyoto, porcelana incluyendo Imari, Netsuke, impresiones del woodblock incluyendo el trabajo de Ando Hiroshige, los trabajos gráficos incluyen los libros impresos, tan bien como algunas pinturas, volutas y pantallas, textiles y vestido incluyendo kimonos son algunos de los objetos en la exhibición. Uno de los objetos más finos exhibidos es hornilla de bronce del incienso de Suzuki Chokichi (koro) fechado 1875, estando parado en sobre 2.25 metros de alto y 1.25 metros de diámetro es también uno de los ejemplos más grandes hechos.
La cubierta más pequeña de las galerías Corea, Himalayan reinos y Asia Sur-Oriental. Las exhibiciones coreanas incluyen cerámica verde-esmaltada, los bordados de seda de los trajes de los funcionarios y las cajas que destellan embutidas con la madre-de-perla hecha entre 500 el ANUNCIO y 2000. Los artículos Himalayan incluyen las esculturas de bronce tempranas importantes de Nepalese, repoussé trabajo y bordado. El arte tibetano del 14to a el diecinueveavo siglo es representado por la persona notable las imágenes religiosas del 14to y décimo quinto siglo en madera y bronce, las pinturas de la voluta y los objetos rituales. El arte de Tailandia, de Birmania, de Camboya, de Indonesia y de Sri Lanka en oro, plata, bronce, piedra, terracotta y marfil representa estos ricos y las culturas complejas, las exhibiciones atraviesan los 6tos a diecinueveavo siglos. Las esculturas hindúes y budistas refinadas reflejan la influencia de la India; los artículos en la demostración incluyen los ganchos los cortador de la nuez de betel, del peine de la marfil y de bronce del palanquin.
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Galerías británicas
Estas quince galerías - que se abrieron en noviembre de 2001 - contienen alrededor 4000 artículos. Las exhibiciones en estas galerías se basan alrededor de tres temas importantes: “Estilo”, “quién condujo gusto” y “cuál era nuevo”. El período cubierto es 1500 a 1900, las galerías baja en tres subdivisiones importantes; Tudor y Estuardo Gran Bretaña 1500-1714, éste cubre el renacimiento, Elizabethan, Jacobean, Restauración y Barroco estilos; Georgiano Gran Bretaña 1714-1837, éste cubiertas Palladianism, Rococo, Chinoiserie, Neoclassicism, Regencia, así como la continuación las influencias clásicas incluyen Chino, Indio y Egipcio estilos, también Renacimiento gótico; Victorian Gran Bretaña 1837-1901, éste cubre la fase más de estudiante más última del renacimiento gótico, de las influencias francesas, de los renacimientos clásicos y del renacimiento, El esteticismo, Japonés estilo, influencia de continuación de China, indio y el mundo islámico, Movimiento de los artes y de los artes y la escuela escocesa.
No apenas el trabajo de artistas y de craftspeople británicos está en la exhibición, pero el trabajo producido por los artistas europeos que fue comprado o comisionado por los patrón británicos. También importaciones de Asia, incluyendo la porcelana, el paño y el papel pintado. Los diseñadores y los artistas que trabajo está en la exhibición en las galerías incluyen Gian Lorenzo Bernini,[87] Gibbons de Grinling,[88] Daniel Marot, Louis Laguerre, Antonio Verrio, Sir James Thornhill, Guillermo Kent, Sir Guillermo Chambers, Roberto Adán, Canaletto, Josiah Wedgwood,[89] Matthew Boulton,[90] Eleanor Coade,[91] Canova,[92] Guardia de Juan, Thomas Chippendale, Augustus Welby Northmore Pugin,[93] Guillermo Morris,[94] Guillermo Burges[95], Charles Roberto Ashbee, Aparador de Christopher,[96] James McNeill Whistler y Charles Rennie Mackintosh. Las obras de arte de sus colecciones, éstas representan a los patrón que han influenciado gusto también incluyen: Horace Walpole[97] (una influencia importante en el renacimiento gótico), Guillermo Thomas Beckford[98] y Esperanza de Thomas.[99]
Sobre los cuatro siglos cubiertos, ven a la gente que influencia estilo para cambiar en un cierto plazo, en el décimosexto siglo temprano la iglesia antes de Reforma y Monarquía británica el gusto dominado, pero como el tiempo pasó primero a aristocracia, después también la clase media comienza a tener cada vez más una influencia en gusto. Esto refleja abundancia nacional y energía de levantamiento, como extensión del comercio de Británicos alrededor del globo seguido por la fundación y extensión del Imperio británico.
Hay cinco cuartos completos de los edificios demolidos exhibidos en las galerías, éstos es: La sala del viejo palacio Bromley-por-Arquearon fechado 1606 con el revestimiento de madera tallado del roble del Renacimiento-estilo, el overmantel y el techo rico adornado del yeso: la sala a partir de la calle Londres del 2 Henrietta fechó 1727-28 diseñado cerca James Gibbs con un techo elaborado con en las pinturas del sistema y la chimenea tallada; Casa de Norfolk Sitio de la música,[100] St James Londres cuadrado anticuado 1756, diseñado cerca Matthew Brettingham y Giovanni Battista Borra, el revestimiento de madera blanco y techo ha tallado y decoración dorada de Rococo con los espejos que emparejaban; el cuarto de la fresa del priorato Kent de las heces, anticuado 1783-94 diseñó cerca James Wyatt en a Gothick estilo: el Ante-cuarto de la arboleda Harborne, Birmingham 1877-78 diseñó cerca Henrio de Juan Chamberlain en Alto-Victorian Neo-Gótico estilo. Fomente allí son exhibiciones de partes de cuartos: el cuarto c1585-c1620 del Grange de Hayes, atribuido al arquitecto aficionado Juan Osborne[101] es un ejemplo temprano para Gran Bretaña del uso correcto del órdenes clásicas, solamente la pared de extremo y la parte del techo es exhibido debido al tamaño del cuarto. Hay de dos Roberto Adán cuartos diseñados en la demostración, una sección de una pared del cuarto de dibujo de cristal de Casa de Northumberland fechado 1773-1775, los paneles principales consisten en el cristal movido hacia atrás por la hoja roja, pilastras el cristal movido hacia atrás con la hoja verde y cubierto por las tallas elaboradas de la madera dorada, y allí es una inserción neoclásica de la pintura sobre la puerta, el otro cuarto viene de Edificios de Adelphi c1772, demolidos en 1936, solamente el techo y la chimenea sobreviven.[102]
Algunos de los trabajos más notables exhibidos en las galerías incluyen: Busto coloreado del terracotta de Pietro Torrigiani de Henrio VII fechado 1509-11; El Dacre Heraldic Bestias, tallas de 2 metros de alto extraordinarias de un toro, gryphon, espolón y salmones, en los colores realistas, anticuados 1519-21; Henrio VIII'la caja de la escritura de s fechó 1525 hizo de la nuez y del roble, alineó con cuero y pintó y doró con la capa de brazos del rey; A spinet fechado 1570-1580 para Elizabeth I: Gran cama de mercancías, fechado 1590-1600, un cartel elaboradamente tallado cuatro con el tablero principal embutido con marquetry, dicho dormir doce personas; retrato cerca Marcus Gheeraerts el más joven anticuado[103] c1620 de Margaret Laton y la chaqueta bordada real que el sitter está usando en la pintura; Berniniel 'busto de s de Thomas Barker fechó c1638; Mortlake la tapicería fechó a la mediados de-decimoséptima pieza del siglo de una serie que cubría la historia Venus y Vulcan; la relevación de madera de empedrar de St Stephen fechó c1670 de Grinling Gibbons; la cama del estado de Casa de Melville fechado 1700, sobre 4.6 metros de alto con hangings del terciopelo italiano carmesí y de las guarniciones de seda chinas; Hangings del bordado de Alimente a Edith c1710-20 anticuado; un sistema único de los cubiertos es el sistema del vino de Macclesfield, anticuado 1719-1720, consiste en un refrigerador grande del vino, cisterna y la fuente dura para los cristales del vino que se lavan, el trabajo de Anthony Nelme, éste es la única termina el sistema sabido para sobrevivir; la escultura de tamaño natural de George Frederick Handel fechado 1738 cerca Louis-François Roubiliac; la escultura del echador y de Pollux anticuados 1767 cerca José Nollekens; una tabla de preparación de la oficina anticuada 1771-5 por Thomas Chippendale; la duquesa del gabinete de Manchester anticuada 1776, diseñada cerca Roberto Adán y el incorporar Pietra Dura placas hechas por Baccio Cappelli; hay dos esculturas de Canova que se exhiben alternativamente, Las tres tolerancias fechado 1815-17, cuando esto está en la exhibición en Las galerías nacionales de Escocia, entonces la ninfa el dormir anticuada 1822 se exhibe en lugar de otro. La pintura de la catedral de Salisbury de Grounds del obispo, anticuada 1823 por Juan Constable; la escultura de Bashaw[104] fechado 1831-34, esto es una vida como la escultura del Earl del perro de Dudley hecho del mármol coloreado, el perro tiene una pata en una vida writhing de la serpiente igualmente como, el escultor era Matthew Cotes Wyatt; Una alfombra y una tapicería[105] por Guillermo Morris; el Sideboard anticuado 1867-70 de ebonized el trabajo de caoba y plateado del metal cerca Edward Guillermo Godwin,[106] muebles de Charles Rennie Mackintosh.[107]
Las influencias en diseño que eran nuevas en diversos períodos y fueron exploradas en las exhibiciones, incluyen: en el período de Tudor, la extensión del libro impreso, el empleo de aumento de artistas europeos y los artesanos y en el último décimosexto siglo, el establecimiento de la tapicería que teje en el Sheldon trabaja; en el período de Estuardo el aumento en comercio especialmente con los lujos traídos Asia tiene gusto de las alfombras, los muebles, seda y porcelana del lacquerware, con en el alcance más de la población, las nuevas formas de muebles que aparecen en el ajuste doméstico tal como estantes para libros y los sofás y el uso de aumento de la tapicería; en la edad georgiana hay un crecimiento en la hospitalidad Jardines de Vauxhall siendo un ejemplo, el crecimiento adentro té el beber y parafernalia asociada tal como China, caddies y tablas, la influencia del Viaje magnífico en gusto, el crecimiento de la producción en masa como Revolución industrial tomas asimiento, produciendo a empresarios por ejemplo Josiah Wedgwood, Matthew Boulton y Eleanor Coade; las exhibiciones en la era de Victorian investigan el impacto de la nueva tecnología en la fabricación con los ejemplos del uso de la maquinaria nuevamente inventada, también por primera vez puesto que la reforma la iglesia Anglican y católica tiene un impacto importante en arte y diseña especialmente el renacimiento gótico que comisiona arte y arquitectura en una escala grande, hay una exhibición grande en la gran exposición, que entre otras cosas condujo a la fundación del V&A, allí es también el contragolpe contra la industrialización conducida cerca Juan Ruskin, eso conduciría a los artes y hace el movimiento a mano un pionero de el cual era Guillermo Morris.
Cortes del molde
Una de las partes más dramáticas del museo es las cortes del molde en el ala de la escultura, abarcando dos grandes, skylighted salas dos altos centenares de la cubierta de los cuentos de moldes del yeso de esculturas, friezes y tumbas. Uno de éstos es dominado por una reproducción a gama completa de Columna de Trajan, corte adentro a medias para caber bajo techo. El otro incluye las reproducciones de varios trabajos de Italiano Escultura y arquitectura del renacimiento, incluyendo una reproducción del mismo tamaño de David de Michelangelo. Reproducciones de dos anteriores Davids por Donatello y Verrocchio, también se incluyen, aunque por razones de la conservación la reproducción de Verrocchio se exhibe en un caso de cristal.
Las dos cortes son divididas por los pasillos en ambos cuentos, y las particiones que alineaban el pasillo superior (la galería de la escultura de Gilbert Bayes) fueron quitadas en 2004 para permitir que las cortes sean vistas de arriba.
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Sitio 46a; Corte del molde - Moldes del yeso de varios monumentos europeos |
Sitio 46a; Corte del molde - Molde del yeso del “da Gloria de Pórtico” en Catedral de Santiago de Compostela |
Sitio 46b; Corte del molde - Molde del yeso del umbral central del S. Petronio, Siena cerca Della Quercia de Jacopo |
Sitio 46b; Corte del molde - Molde del yeso de David y el esclavo, cerca Michelangelo |
Cerámica
Éste es el más grande y la colección más comprensiva en el mundo con sobre 75.000 objetos en la colección, cubriendo el globo entero, cada continente poblado se representa.
El pozo representado en la colección es Porcelana de Meissen, esta fábrica que es la primera en Europa para descubrir el método chino de porcelana de la fabricación, entre los ejemplos más finos es el buitre de Meissen que fecha a partir de 1731. Ejemplos del Nationale de Sèvres de la fabricación son los siglos extensos, especialmente décimo octavos y diecinueveavo. La colección de porcelana británica del décimo octavo siglo es la más grande y el más fino del mundo, ejemplos de cada fábrica se representan, la colección de Porcelana de Chelsea y Porcelana de Worcester siendo especialmente fino. Todas las fábricas británicas del diecinueveavo siglo importante también se representan. Un alza importante a las colecciones era el legado que salaba hecho en 1909, que cubrió entre otras áreas chinas y cerámica japonesa, esto forma la parte de la colección más fina de cerámica y de porcelana asiáticas del este en el mundo, Kakiemon estando entre las mercancías exhibidas.
Muchos potters famosos, por ejemplo Josiah Wedgwood, Guillermo Frend De Morgan y Leach de Bernard así como Mintons Ltd & Doulton real se representan en la colección, al igual que está la cerámica a partir de períodos anteriores. Hay una colección extensa de Delftware producido en Gran Bretaña y Holanda que incluye una pirámide c1695 de la flor sobre un metro en altura. Bernard Palissy tiene varios ejemplos de su trabajo en la colección incluyendo platos, jarros y candlesticks. Los objetos más grandes de la colección son series de estufas de cerámica que fechan principalmente del décimosexto y los 17mos siglos, hechos en Alemania y Suiza, tienen moldeados elaborados y el ornamento y algo se adornan con esquemas coloreados. Hay colección incomparable de italiano maiolica y lustreware de España. La colección de Iznik la cerámica de Turquía es la más grande del mundo. Todas las galerías de la cerámica están cerradas actualmente excepto fechas anunciacióces, pero con la ayuda de una concesión de la confianza de Headley el primer de las galerías remodeladas debe abrirse en 2009.
Contemporáneo
Estas galerías se dedican a los objetos expuestos temporales showcasing ambas tendencias a partir de décadas recientes y el más último de diseño y de la manera.
Manera y joyería
La colección del traje es la más comprensiva de Gran Bretaña, conteniendo sobre 14.000 equipos más los accesorios, cubre principalmente los cuatro siglos pasados y el más último de couture se agrega a la colección, allí es también diseños en el papel. Pues no ha sobrevivido la ropa diaria a partir de eras anteriores generalmente la colección es dominada por las ropas de moda hechas para las ocasiones especiales. Algunos de los más viejos artículos de la colección son medievales vestiduras especialmente Opus Anglicanum. Uno de los artículos más importantes de la colección es el juego de la boda de James II de Inglaterra esto se exhibe en las galerías británicas. Algunos de los legados más grandes del traje estaban en 1913 Harrods colección que contiene 1.442 trajes y artículos, en 1971 la colección de Cecil Beaton de 1.200 trajes y artículos, y en 2002 la colección de Costiff de 178 Vivienne Westwood trajes. Otros diseñadores famosos con el trabajo en la colección incluyen Coco Chanel, Yves Santo Laurent, Zandra Rhodes, Cantidad de Maria, Lacroix cristiano, Jean Muir y Pierre Cardin.[108]
joyería colección con sobre 6.000 artículos, cubiertas, entre otros períodos, Egipto antiguo, Grecia antigua, Roma antigua, el período medieval, joyas Elizabethan, el 17mo siglo, décimo octavo siglo, diecinueveavo siglo y encendido a hoy, hay también diseños en el papel. Algunos de los pedazos más finos están cerca Cartier, Peter Carl Fabergé y Lalique,[109] otros artículos en la colección incluyen los ornamentos del vestido del diamante hechos para Catherine el grande, corchetes de la pulsera que pertenecen una vez a Marie Antoinette y el collar esmeralda de Beauharnais presentó cerca Napoleon a su hija adoptada Hortense de Beauharnais en 1806.[110] La joyería moderna es representada por los diseñadores tales como Gerda Flockinger y Wendy Ramshaw. No apenas la joyería occidental está en colección, pero también africano y asiático. Los legados importantes incluyen; Colección de Townshend de las liebres de Reverend Chauncy de 154 gemas legadas en 1869; Señora Cory que en 1951 dio una colección de las joyas que incluyeron la joyería importante del diamante a partir de los décimo octavos y diecinueveavo siglos; Dama Joan Evans, un erudito preeminente de la joyería, bequethed en 1977 más de 800 joyas, fechando de las edades medias al diecinueveavo siglo temprano. Una galería nueva de la joyería, donada por Guillermo y Judith Bollinger, se abre el 24 de mayo de 2008. [111]
Muebles y mobiliarios
Los muebles y la colección de los mobiliarios cubre Gran Bretaña, Europa y América de las edades del centro al presente. La colección contiene sobre 14.000 artículos eso: incluya, los cuartos completos, instrumentos musicales, relojes, así como fechar occidental de los muebles principalmente de las edades medias al presente, aunque la mayoría de los muebles es el fechar británico entre 1700 y 1900[112], los ejemplos más finos se exhiben en las galerías británicas. Los diseñadores británicos con los trabajos en la colección incluyen: Guillermo Kent, Henrio Flitcroft, Cerradura de Matthias, Thomas Chippendale, James Estuardo, Compartimientos de Guillermo, Roberto Adán, Juan Gillow, James Wyatt, Tolva de Thomas, Charles Heathcote Tatham, A.W.N. Pugin, Guillermo Burges, Guillermo Morris, Charles Voysey, Charles Roberto Ashbee, Baillie Scott, Charles Rennie Mackintosh, Edwin Lutyens, Edward Maufe, Pozos Coates Y día del Robin. También la colección nacional del papel pintado es llevada a cabo por el museo.
Hay dos décimo octavos cuartos completos del siglo del continente en la exhibición: el Boudoir de Señora de Sévilly, anticuado 1781-2 de París[113], el arquitecto era Claude Nicolas Ledoux, con exquisitamente pintado artesonado del trabajo de Jean Simeon Rousseau de la Rottiere y un “gabinete italiano que brilla” de 1780, elíptico en plan con un techo abovedado reflejado y elabora entarimado piso y revestimiento de madera tallado.
La colección de Soulages de objetos italianos y franceses del renacimiento fue adquirida entre 1859 y 1865, éste incluyó varios cassone el fechar a partir de los décimo quintos y décimosexto siglos. La colección de Juan Jones que cubría el décimo octavo arte y mobiliarios del siglo del francés fue dejada al museo en 1882, después valorado en £250,000, uno de los pedazos más importantes de esta colección es a marquetry commode por ébéniste Jean-Henri Riesener c1780 anticuados, otros pedazos de muebles firmados en la colección incluyen a oficina por Jean-François Oeben, un par de pedastles con el trabajo de cobre amarillo embutido cerca André-Charles Boulle, un commode de Bernard Vanrisamburgh y una mesa de trabajo cerca Martin Carlin, y así como los muebles hay también, las pinturas, cerámica incluyendo una colección excepcional de Sèvres, el trabajo de los orfebres, trabajo del ormolu, los esmaltes, escultura, tapicería, los libros y las impresiones. Otros décimo octavos ébénistes del siglo representados en la colección del museo incluyen Adán Weisweiler, Roentgen de David, Gilles Joubert Y Pierre Langlois. A partir del diecinueveavo siglo Jacob-Desmalter. En 1901 el sir George Donaldson presentó varios pedazos de muebles del nouveau del arte al museo que él adquirió de la París Exposición Universelle, aunque esto fue criticada en ese entonces, el resultado que era que el museo dejó de recoger artículos contemporáneos, y no hizo tan otra vez hasta los años 60. En 1986 la colección de señora Abingdon de muebles franceses del imperio fue legada por señora T.R.P. Agujero.
Hay un sistema de puertas embutidas hermosas, anticuado 1580 de Ciudad pasillo de Amberes, atribuido a Hans Vredeman de Vries. Uno de los pedazos más finos de muebles continentales en la colección es la oficina c1750 anticuado gabinete de Rococo Augustus Rex de Alemania, con especialmente el marquetry fino y ormolu montajes. Uno de los pedazos más magníficos de los diecinueveavo muebles del siglo es el gabinete francés altamente elaborado fechó 1861-1867 hizo por el M. Fourdinois, hecho del ébano embutido con maderas de la caja, de la cal, del acebo, de la pera, de la nuez y de la caoba así como el mármol con las tallas doradas. Los muebles diseñaron cerca Ernest Gimson, C.F.A. Voysey, Loos de Adolf y Otto Wagner esté entre los ejemplos de fines del siglo diecinueve y a principios de siglo 20 del siglo en la colección. El trabajo de modernists en la colección incluye Le Corbusier, Marcel Breuer, Charles y rayo Eames, Giò Ponti y Gris de Eileen. El trabajo de Lloyd franco Wright es representado por la oficina de Kaufmann diseñada y construida entre 1934 y 1937 para el dueño de un almacén grande de Pittsburgh;[114] no no actualmente en la exhibición debido al encierro del ala de Cole para el reconstrucción como el nuevo centro de la educación - así como otros muebles y mobiliarios. Los diseñadores contemporáneos representados en la colección incluyen Ron Arad.
El instrumento musical más importante de la colección es un violín cerca Antonio Stradivari fechado 1699, el instrumento musical más inusual en la exhibición es el bajo doble gigante atribuido a Da Salò de Gasparo y poseído una vez cerca Domenico Dragonetti. Edward Burne-Jones diseñó el piano magnífico en 1883 que era parte del legado del Ionides, construido cerca Broadwood e hijos, del roble manchado adornado con gesso del oro y de la plata-cerda joven. La mayor parte de los instrumentos musicales son cualquier teclado: pianos, spinets, clavicordios, órganos o varios instrumentos de la secuencia, a menudo con los embutidos elaborados o tallar.
Uno de los relojes más viejos de la colección es un reloj astronómico de 1588 de Francis Nowe, uno del más grande es James Markwick los youngers reloj del longcase de 1725 casi 3 metros en altura y japanned. Otros fabricantes del reloj con el trabajo en la colección incluyen: Tapabocas de Thomas, Benjamin Lewis Vulliamy, Juan Ellicott y carpintero de Guillermo.
Cristal
La colección cubre 4000 años de cristal la fabricación, y tiene sobre 6000 artículos de África, de Gran Bretaña, de Europa, de América y de Asia. La cristalería más temprana en la exhibición viene de Egipto antiguo y continúa con el romano antiguo, medieval, las áreas de la cubierta del renacimiento por ejemplo Cristal veneciano y Cristal bohemio y períodos más recientes, incluyendo el cristal de Nouveau del arte cerca Comodidad Tiffany de Louis y Émile Gallé, el estilo de Deco de arte es representado por varios ejemplos de René Lalique. Hay muchos ejemplos de los chandeliers cristalinos ambos ingleses,[115] exhibido en las galerías británicas y por ejemplo el veneciano extranjero (atribuido a Giuseppe Briati) fechó c1750 están en la colección. Cristal manchado la colección es posiblemente la más fina del mundo, cubriendo el medieval a los períodos modernos, y cubriendo Europa así como Gran Bretaña. Varios ejemplos del décimosexto siglo del inglés Heraldic el cristal se exhibe en las galerías británicas. Representan a muchos diseñadores bien conocidos del cristal manchado en la colección incluyendo, a partir del diecinueveavo siglo: Dante Gabriel Rossetti, Edward Burne-Jones y Guillermo Morris. Hay también un ejemplo del trabajo de Lloyd Wright franco en la colección. Los vigésimos diseñadores del siglo incluyen Harry Clarke, Piper de Juan, Patrick Reyntiens, Veronica Whall y Brian Clarke.[116]
La galería principal fue reajustada en 1994, la barandilla de cristal en la escalera y el entresuelo es el trabajo del carril de Danny, la galería que cubre el cristal contemporáneo abierto en 2004 y la plata sagrada y la galería de cristal manchada en 2005. En esta última galería el cristal manchado se exhibe a lo largo de los cubiertos laterales que comienzan en el 12mo siglo y que continúan al presente. Algo del cristal manchado más excepcional, fechado 1243-1248 viene de Sainte Chapelle, que será exhibida junto con otros ejemplos en las galerías medievales nuevas debidas abrirse en 2009. Los ejemplos del cristal manchado británico se exhiben en las galerías británicas. Uno de los artículos más espectaculares de la colección es chandelier por Valle Chihuly en el de la Rotonda en la entrada principal del museo.
Metalwork
Esta colección sobre de 45.000 cubiertas de los artículos decorativas ironwork, ambos labrado y molde, bronce, cubiertos, brazos y armadura, estaño, brassware y esmaltes (muchos ejemplos incluyendo de Limoges). La galería principal del trabajo del hierro fue reajustada en 1995.
Hay sobre 10.000 objetos hechos de la plata o el oro en la colección, la exhibición (el cerca de 15% de la colección) se divide en secular[117] y sagrado[118] el cubrir ambo cristiano (Católico, Anglican y Ortodoxo griego) y Judío recipientes y artículos litúrgicos. La galería de plata principal se divide en estas áreas: Plata británica pre-1800; Plata británica 1800 a 1900; modernist a la plata contemporánea; Plata europea. La colección incluye el pedazo sabido más temprano de plata inglesa con un sello anticuado, ésta es un cubilete de plata de la cerda joven anticuado 1496-97. Los plateros que trabajo se representa en la colección incluyen Paul de Lamerie[119] y Paul Storr de quién Inkstand de Castlereagh anticuado 1817-19 es uno de sus trabajos más finos.
La galería principal del trabajo del hierro cubre el hierro fundido labrado y europeo a partir del período medieval al siglo a principios de siglo 20. El amo del ironwork labrado Jean Tijou es representado por ambos ejemplos de su trabajo y diseña en el papel. Uno de los artículos más grandes es la pantalla de Hereford,[120] pesando casi 8 toneladas, 10.5 metros de alto y 11 metros de ancho, diseñado cerca Sir George Gilbert Scott en 1862 para el chancel adentro Catedral de Hereford, de que fue quitada en 1967. Fue hecho por Skidmore & Company. Su estructura de la madera y del hierro fundido se embellece con hierro labrado, latón pulido y cobre. Mucho del cobre y del ironwork se pinta en una amplia gama de colores. Los arcos y las columnas se adornan con cuarzo y paneles pulidos del mosaico.[121]
Uno de los artículos más raros de la colección tiene los 58 centímetros altos Gloucester Candlestick,[122] fechado a c1110, hecho del bronce de la cerda joven; con intertwining altamente elaborado e intrincado ramifica conteniendo figuras pequeñas y las inscripciones, es una fuerza de de de viaje del bastidor de bronce. También de la importancia es el ataúd de Becket anticuado c1180 para contener las reliquias de St Thomas Becket, hecho del cobre de la cerda joven, con las escenas esmaltadas del martirio del santo. Otro toque de luz es Reichenau Crozier[123] fechado 1351. Estos artículos serán exhibidos en las galerías medievales nuevas debidas abrirse en 2009.
Burghley Nef, un sal-sótano, francés, anticuado 1527-28, utiliza a nautilus descasque para formar el casco de un recipiente, que se reclina sobre la cola de un mermaid del parcelgilt, que se reclina sobre un plinth hexagonal de la cerda joven en seis pies de la garra-y-bola. Ambos mástiles tienen la cañería y tapa-velas, y battlemented luchar-tapas se hacen del oro. Esto será exhibida en las galerías nuevas del renacimiento debidas abrir 2009.
Pinturas y dibujos
La colección incluye a cerca de europeo 1130 británicos y 650 pinturas de aceite; 6800 Británicos watercolours, pasteles y 2000 miniaturas, para que el museo lleva a cabo la colección nacional. También en préstamo al museo, de su majestad la reina Elizabeth II, sea Historietas de Raphael:[124] los siete diseños a gama completa el sobrevivir (había diez) para las tapicerías en Capilla de Sistine, de las vidas de Peter y Paul de Evangelios y Actos de los Apostles. Hay también encendido exhibición al fresco cerca Pietro Perugino fechado 1522 de la iglesia de Castello di Fortignano Perugia y está entre los trabajos pasados del pintor. Uno de los objetos más grandes de la colección es el tempera español en la madera, 670 x 486 centímetros, retable de St George, c1400, consistiendo en muchas escenas y pintado por Andrés Marzal De Sax adentro Valencia.
Representan a los artistas británicos del diecinueveavo siglo bien. Guardia de Juan y J.M.W. Turner son representados por las pinturas de aceite, los colores del agua y los dibujos. Uno de los objetos más inusuales en la exhibición es Thomas Gainsborough'showbox experimental de s con sus paisajes retroiluminados, que él pintó sobre el cristal, que permitió que fueran cambiados como diapositivas. Otros pintores del paisaje con los trabajos sobre la exhibición incluyen Philip James de Loutherbourg, Peter de Wint y Sala de Juan.
En 1857 Juan Sheepshanks 233 pinturas dotadas, principalmente por los artistas británicos contemporáneos, y un número similar de dibujos al museo con la intención de formar “una galería nacional del arte británico”, un papel desde tomado encendido cerca Tate Gran Bretaña; los artistas representados son Guillermo Blake, James Barry, Henrio Fuseli, Sir Henrio Landseer de Edwin, Sir David Wilkie, Guillermo Mulready, Guillermo Powell Frith, Millais y Hippolyte Delaroche. Aunque algunos de los trabajos del guardia vinieron al museo con el legado de Sheepshanks, su hija Isabel en 1888 donó la mayoría de los trabajos del artista,[125] incluyendo el número grande de bosquejos en aceite, el ser más significativo el bosquejo del mismo tamaño del aceite 1821[126] para El heno Wain. Otros artistas con los trabajos en la colección incluyen: Bernardino Fungai, Marcus Gheeraerts el más joven, Domenico di Pace Beccafumi, Fioravante Ferramola, Enero Brueghel la anciano, Anthony van Dyck, Ludovico Carracci, Antonio Verrio, Giovanni Battista Tiepolo, Domenico Tiepolo, Canaletto, Francis Hayman, Pompeo Batoni, Benjamin del oeste, Paul Sandby, Richard Wilson, Guillermo Etty, Henrio Fuseli, Sir Thomas Lorenzo, James Barry, Francis Danby, Richard Parkes Bonington & Alphonse Legros.
La colección de Richard Ellison de 100 watercolours británicos fue dada por su viuda en 1860 y 1873 “promover la fundación de la colección nacional de pinturas del color del agua”. Sobre 500 británicos y las pinturas de aceite europeas, los watercolours y las miniaturas y 3000 dibujos e impresiones fueron legados en 1868-9 por las liebres Townshend y Alexander Dyce de Chauncey de los clérigos.
Varias pinturas francesas incorporaron la colección como parte de las 260 pinturas y miniaturas (no todos los trabajos eran franceses, por ejemplo Carlo Crivelli'Virgen y niño de s) que formaron la parte del legado de Jones de 1882 y como tales se exhiben en las galerías del arte continental 1600-1800, incluyendo el retrato del d'Alençon de Duc por François Clouet, Gaspard Dughet y trabajos cerca François Boucher incluyendo su retrato de Señora de Pompadour fechado 1758, Jean François de Troy, Jean-Baptiste Pater y sus contemporáneos.
Otro benefactor de comandante Victorian era Constantina Alexander Ionides, por la cual a la izquierda 82 pinturas de aceite al museo en 1901, incluyendo trabajos Botticelli, Tintoretto, Adriaen Brouwer, Jean-Baptiste Camille Corot, Gustave Courbet, Eugène Delacroix, Théodore Rousseau, Edgar desgasifica, Mijo de Jean-François, Dante Gabriel Rossetti, Edward Burne-Jones, más los watercolours y el excedente 1000 dibujos e impresiones
El legado que salaba de 1909 incluyó, entre otros trabajos, colores del agua cerca J.M.W. Turner. Otros colourists del agua incluyen: Guillermo Gilpin, Thomas Rowlandson, Guillermo Blake, Venta Cotman de Juan, Paul Sandby, Guillermo Mulready, Edward Lear, James Abbott McNeill Whistler y Paul Cezanne.
Hay una copia de Raphael Escuela de Atenas sobre 4 metros por 8 metros de tamaño, anticuado 1755 cerca Antón Raphael Mengs en la exhibición en la corte del este del molde.
Miniaturists representado en la colección incluye a Jean Bourdichon, Hans Holbein el más joven, Nicholas Hilliard, Isaac Oliver, Peter Oliver, Jean Petitot, Fabricante de vinos de Alexander, Fabricante de vinos de Samuel, Thomas Flatman, Rosalba Carriera, Friedrich cristiano Zincke, George Engleheart, Juan elegante, Richard Cosway & Guillermo Charles Ross.
Los dibujos en la colección de c10,000 Británicos y de viejos trabajos del amo c2,000, incluyen el trabajo cerca: Dürer, Giovanni Benedetto Castiglione, Bernardo Buontalenti, Rembrandt, Antonio Verrio, Paul Sandby, Juan Russell (pintor), Angélica Kauffmann, Juan Flaxman,[127] Hugh Douglas Hamilton, Thomas Rowlandson, Thomas Girtin, Jean-Auguste-Dominique Ingres, David Wilkie, Juan Martin (pintor), Samuel Palmer, Sir Henrio Landseer de Edwin, Señor Frederic Leighton, Sir Samuel Lucas Fildes y Aubrey Vincent Beardsley. Los artistas británicos modernos representados en la colección incluyen: Paul Nash, Percy Wyndham Lewis, Papada de Eric, Stanley Spencer, Piper de Juan, Graham Sutherland, Lucien Freud y David Hockney. Para conservar los dibujos, las exhibiciones en la galería se cambian regularmente.
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BOTTICELLI - Retrato de una señora conocida como Smeralda Bandinelli |
PERUGINO - La natividad; la Virgen, St José y los pastores que adoran al Cristo infantil |
TIEPOLO - Leo del St en gloria |
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Períodos y estilos
Estas galerías cubren un período entero en el diseño occidental, objetos en la exhibición cubren todas las áreas de las colecciones relevantes a ese período, éstas del museo son: Medieval y Renacimiento; Barroco y Rococo; décimo octavo siglo incluyendo Neoclassicism; diecinueveavo siglo incluyendo, Estilo del imperio, Artes y artes y Arte Nouveau; vigésimo siglo incluyendo, Arte Deco y Modernism. Todas estas galerías deben cerradas pero abrir de nuevo antes de 2008 o 2009.
Fotografía
La colección contiene sobre 500.000 imágenes que fechan del advenimiento de fotografía, la más vieja imagen que fecha a partir de 1839. La galería exhibe una serie de objetos expuestos que cambian y es cerrada cuando entre las exposiciones a permitir redespliegue.
La colección incluye el trabajo de muchos fotógrafos de Zorro Talbot, Julia Margaret Cameron, Clementina Maude, Gustave Le Gray, Benjamin Brecknell Turner, Frederick Hollyer, Samuel Bourne, Roger Fenton, Rayo del hombre, Henri Cartier-Bresson, Bing de Ilse, Cuenta Brandt, Cecil Beaton (hay sobre 8000 el suyo negativas), Ponga McCullin, David Bailey y Helen Chadwick a hoy.
Una de las colecciones más inusuales es la de Eadweard Muybridgelas 'fotografías de s de la locomoción animal de 1887, éste consisten en 781 placas. Estas secuencias de las fotografías tomadas una fracción las imágenes separadas de una captura de segundo de diversas acciones del performimg de los animales y de los seres humanos varias. Hay varios de Juan Thomson'imágenes de s 1876-7 de la vida de la calle en Londres en la colección. Uno del más interesante de las colecciones es James Lafayette los retratos de la sociedad, la colección contienen sobre 600 fotografías que fechan del de fines del siglo diecinueve a los siglos a principios de siglo 20. Los temas cubiertos incluyen: los obispos, los generales, las señoras de la sociedad, los maharajáes indios, los reglas etíopes y otros líderes extranjeros, las actrices, la gente que se presentaba en sus coches de motor y una serie que cubría la bola de vestido de lujo famosa sostuvieron en Casa de Devonshire en 1897 para celebrar jubileo del diamante de la reina Victoria.
En el Smail 2003 y 2007 de Penelope y Kathleen Moffat, archivo extenso de Curtis Moffat abundante donado al museo. Él creó las fotografías abstractas dinámicas, el color innovador aún-vive y los retratos encantadores de la sociedad durante los años 20 y los años 30. Él era también una figura giratoria en diseño interior modernista. En París durante los años 20, Moffat colaboró con el rayo del hombre, produciendo los retratos y extracto photograms o “rayographs”.
Impresiones y libros
El museo contiene la biblioteca nacional del arte,[130], conteniendo sobre 750.000 libros, es una de las bibliotecas más grandes del mundo dedicadas al estudio de artes finos y decorativos. La biblioteca cubre todas las áreas y períodos de las colecciones del museo con cubrir especial de las colecciones manuscritos iluminados, libros raros y letras y archivos de los artistas.
La biblioteca consiste en tres cuartos públicos grandes, con alrededor de los escritorios del estudio de cientos individuos. Éstos son el cuarto del oeste, sitio del centro y sitio de la lectura. El cuarto del oeste está cerrado pero abrirá de nuevo actualmente en 2007. El cuarto del centro contiene el “material especial de la colección”.
Uno de los grandes tesoros en la biblioteca es el códice Forster, algo de Da Vinci de Leonardo'cuadernos de s. El códice consiste en tres pergamino-limita a los manuscritos, a Forster I, a Forster II, y a Forster III,[131] absolutamente pequeño de tamaño, anticuado entre 1490 y 1505.
Su contenido incluye una colección grande de bosquejos y de referencias a la escultura ecuestre comisionada por el duque de Milano Ludovico Sforza para conmemorar a su padre Francesco Sforza. Éstos fueron legados con sobre 18.000 libros al museo en 1876 cerca Juan Forster.[132] El Reverend Alexander Dyce[133] era otro benefactor de la biblioteca, yéndose sobre 14.000 libros al museo en 1869. Entre los libros que él recogió están las ediciones tempranas en griego y el latín de los poetas y de los dramaturgos Aeschylus, Aristotle, Homer, Livy, Ovid, Pindar, Sophocles y Virgil. Autores más recientes incluyen Giovanni Boccaccio, Dante, Racine, Rabelais y Molière.
Los escritores que papeles están en la biblioteca son tan diversos como Charles Dickens y Potter de Beatrix.[134] Los manuscritos iluminados en la biblioteca que fecha a partir de los 12mos a décimosexto siglos incluyen: el Eadwine Psalter, Cantorbery; Bolsillo Libro de horas, Reims; Missal de la abadía real de Santo Denis, París; el libro de Simon Marmion de horas, Brujas; Carta 1524 iluminada cerca Lucas Horenbout, Londres; el manuscrito de Armagnac del ensayo y de la rehabilitación de Joan del arco, Ruán.[135] también el período de Victorian es representado por Guillermo Morris.
La colección de la impresión tiene sobre 500.000 artículos, que abarca: carteles, tarjetas de saludos, placas del libro, así como impresiones del renacimiento al presente, incluyendo trabajos cerca Rembrandt, Guillermo Hogarth, Giovanni Battista Piranesi, Canaletto, Karl Friedrich Schinkel, Henri Matisse y Sir Guillermo Nicholson.
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VINCI DE LEONARDO DA - El `truncó y stellated el dodecahedron', códice Forster I, folios 6v - 7r |
Escultura
La colección de la escultura en el V&A es la tenencia más comprensiva de la escultura europea poste-clásica en el mundo. Hay aproximadamente 17.500 objetos[136] en la colección que cubre el período del ANUNCIO cerca de 400 a 1914. Este cubiertas entre otros períodos Byzantine y Anglosajón marfil esculturas, Británicos, estatuas y tallas medievales francesas y españolas, el renacimiento, Barroco, neoclásico, Victorian y Arte Nouveau períodos. Todas las aplicaciones de la escultura se representan, de la tumba y conmemorativo, al retrato, alegórico, religioso, mítico, estatuas para los jardines incluyendo las fuentes, así como decoraciones arquitectónicas. Los materiales usados incluyen, mármol, alabastro, piedra, terracotta, madera (historia de tallar de madera), marfil, gesso, yeso, bronce, plomo y cerámica.
La colección de la escultura italiana, medieval, del renacimiento, barroca y neoclásica (original y en forma echada) es exterior sin igual de Italia. Incluye Canova's Las tres tolerancias, con que el museo posee en común Galerías nacionales de Escocia. Los escultores italianos que trabajo es celebrado por el museo incluyen: Bon de Bartolomeo, Bartolomeo Bellano, Della Robbia de Luca, Giovanni Pisano, Donatello, Agostino di Duccio, Andrea Riccio, Antonio Rossellino, Andrea del Verrocchio, Antonio Lombardo, Andrea Riccio, Embarcadero Jacopo Alari Bonacolsi, Della Robbia de Andrea, Michelozzo di Bartolomeo, Michelangelo (representado por un modelo a pulso de la cera y los moldes de sus esculturas más famosas), Jacopo Sansovino, Alessandro Algardi, Antonio Calcagni, Benvenuto Cellini (Medusa's c1547 anticuados principales), Agostino Busti, Bartolomeo Ammanati, Della Porta de Giacomo, Giambologna (Samson Slaying un c1562 Philistine, su trabajo más fino Italia exterior), Bernini (Neptuno y Tritón c1622-3), Giovanni Battista Foggini, Vincenzo Foggini (Samson y los Philistines), Massimiliano Soldani Benzi, Antonio Corradini, Andrea Brustolon, Giovanni Battista Piranesi, Innocenzo Spinazzi, Canova, Carlo Marochetti y Rafaelle Monti. Una escultura inusual es la estatua romana antigua del narciso restaurado por Valerio Cioli c1564 con yeso. Hay varios bronces de la escala pequeña de Donatello, Alessandro Vittoria, Tiziano Aspetti & Francesco Fanelli en la colección. El artículo más grande de Italia es la capilla de Chancel de Papá Noel Chiara Florencia anticuada 1493-1500, diseñado cerca Da Sangallo de Giuliano es 11.1 metros en altura al lado de 5.4 metros ajusta, incluye un magnífico sculpted el tabernacle de Antonio Rossellino y coloreó la decoración del terracotta.[137]
Rodin se representa cerca sobre 20 trabajos en la colección del museo, haciéndole uno de las colecciones más grandes del trabajo del escultor fuera de Francia; éstos eran dotados al museo del escultor en 1914, como reconocimiento de la ayuda de Gran Bretaña de Francia adentro Primera Guerra Mundial[138], aunque la estatua de St San Juan Bautista había sido comprado en 1902 por la suscripción pública. Otros escultores franceses con el trabajo en la colección son Hubert Le Sueur, François Girardon, Michel Clodion, Jean-Antoine Houdon, Jean-Baptiste Carpeaux y Julio Dalou.
Hay también varios trabajos del renacimiento de los escultores europeos norteños en la colección incluyendo trabajo cerca: Veit Stoss, Tilman Riemenschneider, Hendrick de Keyser, Enero van Schayck, Hans Daucher y Peter Flotner. Los trabajos barrocos de la misma área incluyen el trabajo de, Adriaen de Vries & Sébastien Slodtz. Los sculpters españoles con el trabajo en la colección incluyen a Alonso Berrugete y Luisa Roldán representado por su Virgen y niño con St Diego de Alcala c1695.
Los escultores Británicos y europeos que fueron basados en Gran Bretaña y que trabajo esté en la colección incluyen:[139] Piedra de Nicholas, Caius Gabriel Cibber, Gibbons de Grinling, Juan Michael Rysbrack, Louis-Francois Roubiliac, Peter Scheemakers, Sir Henry Cheere, Agostino Carlini, Bancos de Thomas, José Nollekens, José Wilton, Juan Flaxman, Sir Francis Chantrey, Juan Gibson, Edward Hodges Baily, Señor Leighton, Alfred Stevens, Thomas Brock, Alfred Gilbert, George Frampton, Papada de Eric. Una muestra de algo del trabajo de estos escultores está en la exhibición en las galerías británicas.
Con la abertura del Dorothy y Michael Hintze las galerías de la escultura en 2006 que era decidido para ampliar la cronología de los trabajos sobre la exhibición hasta 1950, éste han implicado préstamos por otros museos, incluyendo Tate Gran Bretaña, trabajan tan cerca Henrio Moore y Jacob Epstein junto con otro de sus contemporáneos ahora esté en la visión. Estas galerías se concentran en los trabajos anticuados 1600 a 1950 por los escultores británicos, los trabajos por los escultores continentales que trabajaron en Gran Bretaña, y los trabajos comprados por los patrón británicos de los escultores continentales, tales como Canova Theseus y el Minotaur. Las galerías que pasan por alto el jardín son arregladas por tema, la escultura de la tumba, el portraiture, la escultura del jardín y la mitología. Entonces hay una sección que de las cubiertas la diecinueveavo tarde y temprano vigésima escultura del siglo, ésta incluye al trabajo de Rodin y a otros escultores franceses tales como Dalou que pasó varios años en Gran Bretaña en donde él enseñó la escultura.
Los trabajos de una escala más pequeña se exhiben en la galería de Gilbert Bayes, cubriendo especialmente inglés medieval alabastro la escultura, bronces, esculturas de madera y tiene demostraciones de varias técnicas por ejemplo bronce el echar usando Perder-encere el bastidor.
Exhibirán a la mayoría de la escultura medieval y del renacimiento en las galerías medievales y del renacimiento nuevas en 2009.
Uno de los objetos más grandes de la colección es el Hertogenbosch Roodloft,[140] de Holanda, anticuada 1610-1613 que éste es tanto un trabajo de la arquitectura como la escultura, 10.4 metros de ancho, 7.8 metros de alto, el marco arquitectónico está de varios mármoles coloreados incluyendo las columnas, los arcos y la barandilla, contra los cuales están las estatuas y bas-relevaciones y otras tallas en alabastro, el trabajo del escultor Conrado van Norenberch.
Textiles
La colección de textiles consiste en sobre 38.000 ejemplos, principalmente de Europa occidental aunque todos los continentes poblados se representan, fechando a partir del 1ra ANUNCIO al presente, éste del siglo es la más grande tal colección en el mundo. Las técnicas representadas incluyen: el tejer, imprimiendo, bordado, cordón, tapicería y alfombras. Éstos se clasifican por técnica, los países de origen y la fecha de la producción. Las colecciones se representan bien en estas áreas: temprano sedas de Cercano Oriente, de cordón, de las tapicerías europeas y del bordado medieval inglés de la iglesia.
Ambos centros ingleses principales de tejer de la tapicería de los décimosexto y 17mos siglos respectivamente, Sheldon y Mortlake son representados en la colección por varios ejemplos. Al igual que ejemplos a partir del taller de Juan Vanderbank, del manufactory inglés principal de la tapicería en el último 17mo y temprano de los décimo octavos siglos. Algunas de las tapicerías más finas son ejemplos del Duendes taller, incluyendo un sistema de “Jason y de los argonautas” que fechan del 1750s. Otros centros continentales de la tapicería que tejen con el trabajo en la colección incluyen Bruselas, Tournai, Beauvais, Estrasburgo & Florencia. Uno de los toques de luz de la colección es las cuatro tapicerías de la caza de Devonshire,[141] décimo quintas tapicerías muy raras del siglo, tejidas en Países Bajos, representando la caza de varios animales; no apenas su edad pero su tamaño hace éstos únicos. La colección tiene ejemplos numerosos de varios tipos de textiles diseñados por Guillermo Morris[142], incluyendo, el bordado, las telas, las tapicerías (tapicería incluyendo “del bosque” de 1887), las mantas y las alfombras tejidas, tan bien como patrón reserva y el papel diseña. El período del deco de arte es cubierto por las mantas y las telas diseñadas por Marion Dorn. A partir del mismo período hay una manta diseñada cerca Serge Chermayeff.
Museo del teatro
Museo del teatro cerrado encendido 7 de enero 2007. Las colecciones son almacenadas por el V&A y están disponibles para la investigación y las exposiciones. Las galerías de V&A de la colección del teatro se están abriendo en noviembre de 2007, comenzando con una exposición conjuntamente con la sociedad de los diseñadores británicos del teatro.
Exposiciones
El V&A celebra algunas de las exposiciones más impresionantes en arte en Londres, éste está en parte debido a las galerías grandes dedicadas a las exposiciones temporales. Un año típico considerará sobre diversas exposiciones una docena que son efectuadas cubriendo todas las áreas de las colecciones. Algunas de las exposiciones más grandes de años recientes han sido:
- Arte Deco: 27 de marzo – 20 de julio 2003
- Arte gótico para Inglaterra 1400-1547: 9 de octubre 2003 – 18 de enero 2004
- Encuentra la reunión de Asia y de Europa 1500-1800: 23 de septiembre – 5 de diciembre 2004
- Artes y artes internacionales: 17 de marzo – 24 de julio 2005
- Modernism que diseña un mundo nuevo: 6 de abril 2006 – 23 de julio 2006
- Kylie - La exposición: 8 de febrero – 10 de junio 2007
- La edad de oro del Couture - París y Londres 1947-1957 22 de septiembre 2007 - 9 de enero 2008
Directores
- Vea también: Directores del museo de V&A
Imágenes
Cristal
Pinturas y dibujos
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Sitio 81 - El legado de Ionides - 82 pinturas donadas, incluyendo trabajos cerca Botticelli y Tintoretto |
Escultura
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Sitio 22 - Escultura 1600-1870, Canova - Theseus y el Minotaur |
Galerías medievales y del renacimiento |
Sitio 24 - Escultura 1600-1870 |
Referencias
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- ^ página 246, el Victoria y museo de Albert: La historia de su edificio, Juan Physick 1982
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Acoplamientos externos
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