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Música barroca

Historia de la música europea del arte
Temprano
Medieval (500 - 1400)
Renacimiento (1400 - 1600)
Práctica común
Barroco (1600 - 1760)
Clásico (1730 - 1820)
Romántico (1815 - 1910)
Moderno y contemporáneo
vigésimo siglo clásico (1900 - 2000)
Clásico contemporáneo (1975 - presente)

Música barroca describe una era y un sistema de estilos de Música clásica europea cuáles estaban en uso extenso en medio aproximadamente 1600 y 1750.[1] Esta era se dice para comenzar adentro música después de Renacimiento y fue seguido por Era de la música clásica. El significado original de “barroco“es “la perla irregular”, una caracterización llamativo que cabe del arquitectura de este período; más adelante, el nombre vino ser aplicado también a su música. La música barroca forma una porción importante del canon de la música clásica, extensamente siendo estudiado, realizado, y escuchado. Se asocia a los compositores por ejemplo Claudio Monteverdi, Antonio Vivaldi, George Frideric Handel, y Johann Sebastian Bach. El período barroco consideró el desarrollo de tonalidad diatonic. Durante período los compositores y los ejecutantes utilizaron un ornamentation musical más elaborado; cambios realizados en la notación musical, y nuevas técnicas que juegan instrumentales desarrolladas. La música barroca amplió el tamaño, la gama y la complejidad del funcionamiento instrumental, y también los estableció ópera como género musical. Muchos términos y conceptos del musical a partir de esta era siguen siendo funcionando hoy.

Contenido

Historia del nombre

La música descrita convencionalmente como Barroco abarca una amplia gama de estilos de una región geográfica amplia, sobre todo adentro Europa, compuesto durante un período de aproximadamente 150 años. El uso sistemático del término “Barroco”, que significa literalmente la “perla de forma irregular”, a la música de este período es un desarrollo relativamente reciente. Era en 1919 ése Sachs conciso era el primer a procurar aplicar las cinco características de Heinrich Wölfflin' teoría de s del Barroco sistemáticamente a la música.[2] En inglés el término adquirió solamente modernidad en los años 40, en las escrituras de Lang y de Bukofzer.[3] De hecho, tan tarde como 1960 allí seguía siendo conflicto considerable en círculos académicos[palabras de la comadreja] de si era significativo a la música del terrón junto tan diversa como la Peri de Jacopo, Domenico Scarlatti y J.S. Bach con un solo término; con todo el término ampliamente utilizado y se ha aceptado para esta amplia gama de la música. Puede ser provechoso distinguirlo de preceder (renacimiento) y del siguiente (Clásico) períodos de la historia musical. Una pequeña cantidad de musicologists discuten[palabras de la comadreja] que debe estar partido en Barroco y Mannerist períodos a conformarse con las divisiones que se aplican a veces[palabras de la comadreja] en los artes visuales.

Estilos y formas

La habitación barroca

La habitación barroca a menudo simplemente fue llamada una insinuación.[citación necesitada] La forma se asocia especialmente a Telemann,[la citación necesitó] quién escribió varios cientos la instrumentación adentro diversa. Fueron anotados con o sin soloists[la citación necesitó]; en las habitaciones de Alemania para dos oboes y el bassoon, tal como las insinuaciónes de Darmstad, eran especialmente popular.[la citación necesitó]

Insinuación

La habitación barroca fue comenzada generalmente con una insinuación francesa (“Ouverture” en francés) jugada ceja del da (Forma del ABA) o extendido como ABABA, con donde está una sección A lenta ritmos punteados y B es un rápido, a menudo fugal sección.[citación necesitada] Cuando la habitación se anota con soloists, la sección rápida está generalmente adentro ritornello forma.[citación necesitada]

Allemande

A menudo la primera danza de un instrumental habitación, allemande era una danza muy popular que tenía sus orígenes en Renacimiento era, cuando más a menudo fue llamado almain. El allemande fue jugado en un moderado tempo y podía comenzar en cualquier golpe de la barra.

Courante

courante está un animado, danza del francés adentro metro triple. La versión italiana se llama el corrente.

Sarabande

sarabande es uno del más lento de las danzas barrocas con una velocidad de cerca de 40 a 66 golpes por minuto.[citación necesitada] Está también en metro triple y puede comenzar en cualquier golpe de la barra, aunque hay un énfasis en el segundo golpe, creando la característica “que para”, o el ritmo iambic del sarabande.

Gigue

gigue es un upbeat y una danza barroca animada en metro compuesto, típicamente el movimiento que concluye de una habitación instrumental. El gigue puede comenzar en cualquier golpe de la barra y es reconocido fácilmente por su sensación rítmica. El gigue es dicho[palabras de la comadreja] haber originado en Inglaterra, sus contrapartes en la música tradicional que es plantilla.


Estos tipos de cuatro danzas componen a mayoría de las 17mas habitaciones del siglo; habitaciones más últimas interpolan los movimientos adicionales, llamados a veces intermezzi o gallanteries[citación necesitada], entre el sarabande y el gigue:

Gavotte

gavotte puede ser identificado por una variedad de características; es en 4/4 vez y comienza siempre en el tercer golpe de la barra, aunque éste puede sonar como el primer golpe en algunos casos, pues es el primer a y los terceros golpes son los golpes fuertes en tiempo duple. El gavotte se juega en un tempo moderado, aunque en algunos casos puede ser jugado más rápidamente.[la citación necesitó]

Bourée

bourée es similar al gavotte pues es en 2/2 vez aunque comienza en la segunda mitad del golpe pasado de la barra, creando una diversa sensación a la danza. El bourée se juega comúnmente en un tempo moderado, aunque para algunos compositores, por ejemplo Handel, puede ser tomado en un tempo mucho más rápido.

Minuet

minuet está quizás el más conocido de las danzas barrocas en metro triple. Puede comenzar en cualquier golpe de la barra. La velocidad del minuet es normalmente moderada, aunque ésta puede variar.[citación necesitada] En algunas habitaciones puede haber un Minuet I e II, jugado en la sucesión, con el Minuet que repetí.

Passepied

passepied es una danza rápida en la forma binaria y el metro triple que originaron en Bretaña.[citación necesitada] Los ejemplos se pueden encontrar en habitaciones más últimas tales como los de Bach y Handel.

Rigaudon

rigaudon es una danza animada del francés en el metro duple, similar al bourée, pero rítmico más simple. Pudo haber originado en Provence.[citación necesitada]

Barroco contra estilo del renacimiento

La música barroca comparte con música del renacimiento un uso pesado de polyphony y counterpoint. Sin embargo, su uso de estas técnicas diferencia de música del renacimiento. En el renacimiento, la armonía es más el resultado de las consonancias fortuitas al flujo liso de polyphony, mientras que en la era barroca temprana la orden de estas consonancias llega a ser importante, porque comienzan a ser sentidos como acordes en un jerárquico, funcional esquema del tonal.[la citación necesitó] Alrededor 1600 hay el velar considerable de esta definición: por ejemplo esencialmente progresiones del tonal alrededor de puntos cadential adentro madrigals se observan, mientras que adentro temprano monody la sensación de la tonalidad sigue siendo algo tenue.[la citación necesitó] Otra distinción entre el renacimiento y la práctica barroca en armonía es la frecuencia del movimiento de la raíz del acorde cerca tercer en el período anterior, mientras que movimiento de cuartos o fifths predomina más adelante[citación necesitada] (que define parcialmente tonalidad funcional). Además, la música barroca utiliza líneas más largas y ritmos más fuertes: la línea inicial es extendida, o solamente o acompañado solamente por continuo del basso, hasta que el tema reaparece en otra voz. En esto un acercamiento más último a counterpoint, la armonía fue definido más a menudo por el continuo del basso, o tácito por las notas del tema sí mismo.[citación necesitada]

Estas diferencias estilísticas marcan la transición del ricercars, fantasias, y canzonas del renacimiento a fuga, una forma barroca que define. Claudio Monteverdi llamó este más nuevo, más flojo estilo pratica del seconda, poniéndolo en contraste con pratica del prima eso caracterizó motets y otro sagrado coral los pedazos de amos altos del renacimiento tienen gusto Da Palestrina de Giovanni Pierluigi. Monteverdi utilizó ambos estilos; él escribió el suyo Masa En tempore del illo en estilo más viejo, de Palestrinan, y el suyo Vespers 1610 en el nuevo estilo.[la citación necesitó]

Hay otro, diferencias más generales entre el Barroco y el estilo del renacimiento. La música barroca se esfuerza a menudo para un mayor nivel de intensidad emocional que música del renacimiento, y un pedazo barroco representa a menudo uniformemente a sola emoción particular (exultation, pena, piedad, y así sucesivamente).[citación necesitada] La música barroca fue escrita para los cantantes y los instrumentalists del virtuoso y es más a menudo música,[la citación necesitó] aunque es idiomático la escritura instrumental era una de las innovaciones más importantes del período. La música barroca emplea mucho ornamentation, que fue improvisada a menudo por el ejecutante. Métodos expresivos del funcionamiento por ejemplo observa inégales eran común y esperaron ser aplicados por los ejecutantes, a menudo con latitud considerable.[la citación necesitó] Los instrumentos vinieron jugar una parte más mayor en música barroca, y un cappella la música vocal retrocedió en importancia.

Barroco contra estilo clásico

En la era clásica, que siguió el Barroco, el papel del counterpoint fue disminuido (no obstante vuelto a descubrir en varias ocasiones y reintroducido), y substituido por a homophonic textura. El papel del ornamentation disminuido. Los trabajos tendieron hacia una estructura interna articulada, especialmente ésas escritas adentro forma del sonata. La modulación (el cambiar de llaves) se convirtió en un elemento estructural y dramático, de modo que un trabajo se pudiera oír como clase de viaje dramático con una secuencia de llaves musicales, hacia fuera y detrás del tónico. La música barroca también modula con frecuencia, pero la modulación tiene menos importancia estructural. {{Hecho|los trabajos del junio de 2008 del date= en el estilo clásico representan a menudo emociones extensamente que varían dentro de un solo movimiento, mientras que los trabajos barrocos tienden hacia un solo, sensación vividly retratada.[la citación necesitó] Los trabajos clásicos alcanzan generalmente una clase de clímax dramático y después la resuelven; los trabajos barrocos conservan un nivel bastante constante de la energía dramática a la nota última.[la citación necesitó] Muchas formas del Barroco sirvieron como el punto de la salida para la creación del forma del sonata, creando un “plan de piso” para la colocación de cadencias importantes.[citación necesitada] En música barroca, la articulación fue acentuada más que dinámicas.[citación necesitada] Las dinámicas seguían siendo teclados importantes, pero de la barroco-era (clavicordios y órganos) eran incapaz de producir la gama completa de la dinámica posible en eras más últimas.[¿investigación original?]

Otras características

  • Continuo del Basso - una clase de acompañamiento continuo notated con un nuevo sistema de la notación de la música, bajo calculado, generalmente para un instrumento bajo que sostiene y un instrumento del teclado
  • Monody - música para una voz melódica con acompañamiento, característico del 17mo siglo temprano, especialmente en Italia
  • Homophony - música con una voz melódica y rítmico acompañamiento similar (este y el monody se pone en contraste con el renacimiento típico textura, polyphony)
  • Música excesiva del texto - texto inteligible con el acompañamiento instrumental que no domina la voz
  • Soloists vocales
  • Expresión musical dramática
  • Las formas musicales dramáticas tienen gusto ópera, dramma por musica
  • Formas instrumental-vocales combinadas, tales como oratorio y cantata
  • Nuevas técnicas instrumentales, como trémolo y pizzicato
  • Claro y linear melodía
  • Observa inégales, una técnica de aplicar ritmos punteados a las notas uniformemente escritas.
  • aria
  • ritornello aria (interrupciones instrumentales cortas repetidas de pasos vocales)
  • concertato estilo (contraste en sonido entre la orquesta y los a solas-instrumentos o grupos pequeños de instrumentos)
  • El anotar instrumental exacto (en el renacimiento, la instrumentación exacta para jugar del conjunto fue indicada raramente)
  • Escritura instrumental idiomática: mejore el uso de las características únicas de cada tipo de instrumento musical
  • Virtuosic instrumental y escritura vocal, con el aprecio para el virtuosity como tal
  • ornamentation
  • Desarrollo a la tonalidad occidental moderna (principal y escalas de menor importancia)
  • Cadenza- una sección virtuosic extendida para el soloist generalmente cerca del extremo de un movimiento de un concerto.

Géneros

Los compositores barrocos escribieron en muchos diversos géneros musicales. Ópera, se inventó en el último renacimiento, una forma musical importante durante el Barroco, con las óperas de Alessandro Scarlatti, Handel, y otros. oratorio alcanzó su pico en el trabajo de Bach y de Handel; formas muy similares de uso frecuente de la música de la ópera y del oratorio, tales como un uso extenso del aria de la ceja del da.

En la otra música religiosa, la masa y el motet retrocedieron levemente en importancia, pero el cantata prosperó en el trabajo de Bach y de otro Protestante compositores. La música del órgano del Virtuoso también prosperó, con toccatas, las fugas, y otra trabaja.

Sonatas instrumentales y habitaciones de la danza fueron escritos para los instrumentos individuales, para los grupos del compartimiento, y para la orquesta (pequeña). concerto emergido, en su forma para un solo soloist más la orquesta y como grosso del concerto, en que un grupo pequeño de soloists se pone en contraste con el conjunto lleno. Insinuación francesa, con su poner en contraste secciones lentas y rápidas, grandeur agregado a las muchas cortes en las cuales fue realizado.

Los trabajos de teclado fueron escritos a veces en gran parte para el placer y la instrucción del ejecutante. Éstos incluyeron una serie de trabajos del Bach maduro que se consideran extensamente ser la culminación intelectual de la era barroca: Clavier Bien-Templado, Variaciones de Goldberg, y El arte de la fuga.

Vocal

Instrumental

Historia

Compositores del Barroco

Música barroca temprana (1600-1654)

Para más detalles en este asunto, vea Transición del renacimiento al Barroco en música instrumental.

La línea que se divide convencional para el Barroco del renacimiento comienza adentro Italia, con Camerata florentino, un grupo del académico que satisfizo informal adentro Florencia en el palacio de la cuenta De Bardi de Giovanni para discutir artes, así como las ciencias. Referente a música, sus ideales fueron basados en su opinión de Griego antiguo drama musical, en el cual el declamation del texto era de importancia extrema. Como tal, rechazaron el complejo polyphony del último renacimiento y desearon una forma de drama musical que consistió sobre todo en una melodía a solas simple, con un acompañamiento básico. Las realizaciones tempranas de estas ideas, incluyendo Peri de Jacopo's Dafne y L'Euridice, marcado el principio de la ópera.

Musicalmente, la adopción del bajo calculado representa un cambio más grande en musical pensando-es decir eso armonía, eso “está tomando todas las piezas junto” era tan importante como la parte linear de polyphony. Cada vez más, polyphony y armonía fueron vistos como dos lados de la misma idea, con las progresiones armónicas incorporando la noción de componer, así como el uso del tritone como disonancia. El pensamiento armónico había existido entre compositores particulares en la era anterior, notablemente Carlo Gesualdo; sin embargo el renacimiento se siente para llevar al Barroco en el punto donde se convierte en el vocabulario común. Algunos historiadores del punto de la música a la introducción del séptimo acorde sin la preparación como siendo la rotura dominante con el pasado. Esto creó la idea que los acordes, más bien que las notas, crearon el sentido del encierro, que es una de las ideas fundamentales de qué vino ser conocida como tonalidad.

Italia formó una de las piedras angulares del nuevo estilo, como papado-sitiado cerca Reforma pero con las cajas cebó por los réditos inmensos que fluían adentro de Hapsburg conquista-buscado para los medios artísticos de promover la fe en Iglesia católica. Uno de los centros musicales más importantes era Venecia, que tenía patrocinio secular y sagrado disponible.

Giovanni Gabrieli se convirtió una de las figuras transitorias importantes en la aparición del nuevo estilo, aunque su trabajo se considera en gran parte estar de la manera del “alto renacimiento”. Sin embargo, sus innovaciones eran foundational al nuevo estilo. Entre éstos están la instrumentación (instrumentos de etiquetado específicamente para las tareas específicas) y el uso de la dinámica.

Las demandas de la religión eran también hacer el texto de trabajos sagrados más claro, y por lo tanto había presión de moverse lejos del polyphony denso acodada del renacimiento, a las líneas que pusieron las palabras frente y centro, o tenía una gama más limitada de la imitación. Esto creó la demanda para tejer más intrincado de la línea vocal contra el contexto, o el homophony.

Claudio Monteverdi hizo el más visible de una generación de los compositores que se sentían que había los medios seculares a este acercamiento “moderno” a la armonía y al texto, y en 1607 su ópera Orfeo se convirtió la señal que demostró el arsenal de los efectos y de las técnicas que fueron asociados a esta escuela nueva, llamado pratica del seconda, para distinguirlo del más viejo estilo o pratica del prima. Monteverdi era un amo de ambos, produciendo los madrigals exacto labrados de los cuales extendió las formas Marenzio y Giaches de Wert. Pero es sus pedazos en el nuevo estilo que se convirtió en el más influyente. Estas características incluidas que son reconocibles incluso al final del período barroco, incluyendo uso de la escritura idiomática, virtuoso prosperan, y el uso de nuevas técnicas.

Esta lengua musical demostró ser internacional, como Heinrich Schütz, un compositor alemán que estudió en Venecia debajo de Gabrieli y de un Monteverdi más último, usado le a las necesidades litúrgicas del elector de Sajonia y servido como el amo del coro adentro Dresden.

Música barroca media (1654-1707)

La subida de la corte centralizada es una de las características económicas y políticas de qué a menudo se etiqueta Edad del absolutismo, personificado cerca Louis XIV de Francia. El estilo del palacio, y el sistema judicial de maneras y de los artes que él fomentó, se convirtieron en el modelo para el resto de Europa. Las realidades del patrocinio de levantamiento de la iglesia y del estado crearon la demanda para la música pública organizada, mientras que la disponibilidad de aumento de instrumentos creó la demanda para música de compartimiento. Esto incluyó la disponibilidad de instrumentos del teclado.

El Barroco medio es separado del Barroco temprano por venir del pensamiento sistemático al nuevo estilo y un institutionalization gradual de las formas y de las normas, particularmente en ópera. Como con literatura, prensa y negocie creó una audiencia internacional ampliada para los trabajos y mayor cruz-pollenation entre los centros nacionales de la actividad musical.

El Barroco medio, en teoría de la música, es identificado por el foco cada vez más armónico de la práctica musical y la creación de sistemas formales de la enseñanza. La música era un arte, y vino ser considerada como uno que se debe enseñar de una manera ordenada. Esto culminada en el trabajo más último de Fux en el sistematización de counterpoint.

Un ejemplo preeminente de un compositor del estilo de la corte es Jean-Baptiste Lully. Su carrera se levantó dramáticamente cuando él colaboró con Molière en una serie de comedie-ballets clásicos, es decir, juega con bailar. Él utilizó este éxito para hacer el compositor único de las óperas para el rey, usando ideas musicales innovadoras no justas tales como lyrique del tragedie, solamente patentes del rey que evitó que otros tuvieran óperas efectuadas. Instinto de Lully para proporcionar el material que casi cada biógrafo ha precisado su monarca deseado, incluyendo su cambio rápida a la música de la iglesia cuando el humor en la corte llegó a ser más devoto. Sus 13 terminaron tragedias líricas se basan en los libretti que se centran en los conflictos entre la vida pública y privada del monarca.

Musicalmente, él exploró contraste entre las secciones majestuosas y completamente orquestradas, y recitatives simples y ventila. En ninguna parte pequeña, era su habilidad en músicos que montaban y practicantes en una orquesta que era esencial para su éxito e influencia. Los observadores observaron la precisión y la entonación, ésta en una edad donde no había estándar para los instrumentos que templaban. Un elemento esencial era el foco creciente en las voces internas de la armonía y de la relación al soloist. Él también estableció la norma secuencia-dominada para las orquestas.

Arcangelo Corelli se recuerda como influyente para sus logros en el otro lado del musical técnica-como un violinista que organizó técnica del violín y pedagogy-y en música puramente instrumental, particularmente su defensa y desarrollo del grosso del concerto. Mientras que Lully ensconced en la corte, Corelli era uno de los primeros compositores a publicar extensamente y tener su música realizó por todas partes Europa. Como con el stylization y la organización de Lully de la ópera, el grosso del concerto se construye en poner en contraste-secciones fuertes se alterna entre ésos jugados por la orquesta llena, y ésos jugados por un grupo más pequeño. Las dinámicas eran “colgantes”, ésa está con una transición aguda de ruidosamente a la suavidad y a la parte posteriora otra vez. Las secciones rápidas y las secciones lentas juxtaposed cara a cara. Se numera entre sus estudiantes Antonio Vivaldi, que centenares compuestos más últimos de trabajos basaron en los principios en Corelli sonatas del trío y concerti.

En Inglaterra el Barroco medio produjo un genio cometario adentro Henrio Purcell, que a pesar de morir en la edad 36, producida una profusión de música y fue reconocido extensamente en su curso de la vida. Él estaba al corriente de las innovaciones de Corelli y de otros compositores italianos del estilo; sin embargo, sus patrón eran diferentes, y su salida musical era prodigious. Más bien que el ser artesano cuidadoso, Purcell era un compositor flúido que podía cambiar de puesto de himnos simples y de música útil tal como marchas, a la música vocal magnífico anotada y a la música para la etapa. Su catálogo funciona sobre a 800 trabajos. Él era también uno de los primeros grandes compositores del teclado, que trabajo todavía tiene influencia y presencia.

En contraste con estos compositores, Dieterich Buxtehude no era una criatura de la corte sino que por el contrario era organist y un presentador emprendedor de la música. Más bien que publicando, él confió en el funcionamiento para su renta, y más bien que el patrocinio real, él fue y entre los ajustes vocales para la música sagrada, y la música del órgano que él realizó. Su salida no está como fabulosa o diversa, porque lo no invitaban constantemente para que la música resuelva una ocasión. El empleo de Buxtehude del contraste estaba entre las secciones libres, a menudo improvisatory, y secciones más terminantes resueltas contrapuntally. Este procedimiento sería altamente influyente en compositores más últimos tales como Bach, que tomó el contraste entre libre y terminante a mayores límites.

Última música barroca (1680-1750)

La línea que se divide entre el centro y Barroco es tarde una cuestión de un cierto discusión. Fechas para el principio de la “última” gama barroca del estilo a partir de 1680 a 1720. En ninguna parte pequeña esto está porque no había una transición sincronizada; diversos estilos nacionales experimentaron cambios en diversas tarifas y en diversas horas. Italia se mira generalmente como el primer país para moverse al último estilo barroco. La línea que se divide importante en la mayoría de las historias de la música barroca es la absorción completa de la tonalidad como principio de estructuración de la música. Esto era particularmente evidente como consecuencia de trabajo teórico cerca Jean-Philippe Rameau, que substituyó Lully como el compositor francés importante de la ópera. Al mismo tiempo, a través del trabajo de Johann Fux, el estilo del renacimiento de polyphony fue hecho la base para el estudio del counterpoint. La combinación del counterpoint modal con la lógica del tonal de cadencias creó el sentido que había dos estilos de homophonic de la composición- dominada por consideraciones verticales y del polyphonic dominada por consideraciones de imitación y contrapuntal.

Las formas que habían comenzado a ser establecidas en la era anterior prosperaron y fueron dadas una gama más amplia de la diversidad; el concerto, la habitación, el sonata, el grosso del concerto, el oratorio, la ópera y el ballet clásico todo consideraron una proliferación de estilos y de estructuras nacionales. La forma total de pedazos era generalmente simple, con las formas binarias repetidas (AABB), las formas de tres partes simples (ABC), y el rondeau forma ser común. Estos diagramas esquemáticos alternadamente influenciaron a compositores más últimos.

Antonio Vivaldi es una figura que fue olvidada en la música del concierto que hacía para mucho del diecinueveavo siglo, sólo ser restablecido en el vigésimo siglo. Llevado en Venecia en 1678, él comenzó como sacerdote ordained de la iglesia católica pero dejó de decir Masa antes de 1703. Alrededor del mismo tiempo lo designaron maestro di violino en un orphanage de las muchachas venecianas con el cual él tenía una relación profesional hasta casi el final de su vida. La reputación de Vivaldi vino no de tener una cita de la orquesta o de la corte, pero de sus trabajos publicados, incluyendo sonatas del trío, sonatas del violín y concerti. Fueron publicados adentro Amsterdam y circulado extensamente a través de Europa. Está en estos géneros instrumentales del sonata barroco y del concerto barroco, que todavía se desarrollaban, que las contribuciones más importantes de Vivaldi fueron hechas. Él colocó en ciertos patrones, tales como un plan rápido-lento-rápido del tres-movimiento para los trabajos, y el uso de ritornello en los movimientos rápidos, y explorado las posibilidades en centenares del concerti works-550 solamente. Él también utilizó los títulos programatic para los trabajos, tales como su famoso “Las cuatro estaciones". La carrera de Vivaldi refleja una posibilidad cada vez mayor para que un compositor pueda apoyarse por sus publicaciones, viajar para promover sus el propios trabaja, y tiene una existencia independiente.

Domenico Scarlatti estaba uno de los virtuosi principales del teclado de su día, que tomaron el camino de ser músico real de la corte, primero adentro Portugal y entonces, comenzando en 1733, adentro Madrid, España, donde él pasó el resto de su vida. Su padre, Alessandro Scarlatti, era un miembro de la escuela napolitana de la ópera y se ha acreditado con estar entre sus miembros más expertos. Domenico también escribió óperas y música de la iglesia, pero es la publicación de sus trabajos de teclado, que se separaron más extensamente después de su muerte, que lo han asegurado un lugar duradero de la reputación. Muchos de estos trabajos fueron escritos para su propio jugar pero otros para sus patrón reales. Como con su padre, sus fortunas fueron atadas de cerca a su capacidad de asegurar, y de guardar, favor real.

Pero quizás el compositor más famoso que se asociará a patrocinio real estaba George Frideric Handel, que fue llevado adentro Alemania, estudiado por tres años en Italia, y fue a Londres en 1711, que era su base de las operaciones para una carrera larga y provechosa que las óperas y las comisiones independientemente producidas incluidas para la nobleza. Él buscaba constantemente para los fórmulas comerciales acertados, en ópera, y entonces en oratorios en inglés. Un trabajador continuo, Handel prestado de otros y a menudo reciclado su propio material. También lo conocían para volver a trabajar pedazos tales como el Messiah famoso, que premiered en 1741, para los cantantes y los músicos disponibles. Así como sus circunstancias económicas se levantaron y bajaron con sus producciones, su reputación, basada en trabajos de teclado publicados, música ceremonial, estacionamientos constantes de óperas y los oratorios y el grossi del concerti, crecieron exponencial. Para el momento en que de su muerte, lo miraran como el compositor principal en Europa y fueran estudiado por músicos más últimos de la clásico-era. Handel, debido a sus ambiciones públicas mismas, reclinó mucho su salida en el recurso melódico combinado con una tradición rica del funcionamiento de la improvisación y del counterpoint. La práctica de ornamentation en Barroco el estilo estaba en un muy de alto nivel del desarrollo bajo su dirección. Él viajó por todas partes Europa para contratar a cantantes y para aprender la música de otros compositores, y él tenía así entre el conocido más amplio de otros estilos de cualquier compositor.

Johann Sebastian Bach tiene, en un cierto plazo, vienen ser vistos como la figura elevada de la música barroca, con lo que Bela Bartok descrito como “religión” que lo rodea. Durante el período barroco, él era mejor conocido como un profesor, un administrador y ejecutante que compositor, siendo menos famoso que o Handel o Georg Philipp Telemann. Llevado adentro Eisenach en 1685 a una familia musical, él recibió una educación temprana extensa y era considerado para tener un excelente soprano del muchacho voz. Él llevó a cabo una variedad de postes como organist, ganando rápidamente en la fama para su virtuosity y capacidad. En 1723 él colocó en el poste que le asociaron para virtualmente al resto de su vida: cantor y director de la música para Leipzig. Su experiencia variada significó que él hizo el líder de la música, secular y sagrada, para la ciudad, el profesor de sus músicos y la figura principal. Las innovaciones musicales de Bach sondearon las profundidades y los límites externos de las formas homophonic y polyphonic barrocas. Él era un catálogo virtual de cada dispositivo contrapuntal posible y cada los medios aceptables de crear telas de la armonía con la coral. Consecuentemente, sus trabajos bajo la forma de fuga juntada con preludios y los toccatas para el órgano, y las formas del concerto del Barroco, han llegado a ser fundamentales en funcionamiento y técnica teórica. Virtualmente cada instrumento y conjunto de edad-excepto para el teatro género-se representa copioso en su salida. Las enseñanzas de Bach llegaron a ser prominentes en las eras clásicas y románticas mientras que los compositores volvieron a descubrir las delicadezas armónicas y melódicas de sus trabajos.

Georg Philipp Telemann era el compositor instrumental más famoso de su tiempo, y masivo prolífico-uniforme por los estándares de una edad donde los compositores tuvieron que producir volúmenes grandes de música. Su posición-director más importante dos de la música adentro Francfort en 1712 y en el director 1721 de la música del Johanneum adentro Hamburgo- requerido le para componer la música vocal e instrumental para los contextos seculares y sagrados. Él compuso dos ciclos completos del cantata para los servicios de domingo, así como oratorios sagrados. Telemann también fundó un periódico que publicó nueva música, mucho de él de Telemann. Esta difusión de la música le hizo a compositor con una audiencia internacional, según lo evidenciado por su viaje acertado a París en 1731. Algunos de sus trabajos más finos estaban en el 1750s y el 1760s, cuando el estilo barroco era substituido por estilos más simples pero era popular en ese entonces y luego. Entre éstos trabaja tarde son “Der Tod Jesu” (“la muerte de Jesús”) 1755, la “Donner-Oda” (“la oda del trueno”) 1756 del dado, “und Himmelfahrt Jesu” (“la resurrección y la ascensión de Jesús”) DES Gerichts” (“el día del juicio”) 1762 de la etiqueta de 1760 de Auferstehung del dado y “de Der.

Influencia en una música más última

Transición a la era clásica (1740-1780)

La fase entre el último barroco y era clásica temprana, con su amplia mezcla de ideas y de tentativas competentes de unificar las diversas demandas del gusto, la economía y el “worldview”, va por muchos nombres. Se llama a veces “Galant“, “Rococo”, o “pre-Clásico”, o en otras veces, “clásico temprano”. Es un período donde todavía estaban acertados los compositores todavía que trabajaban en el estilo barroco, si pensó a veces en como siendo más del pasado que el presentes-Bach, Handel y Telemann compuestos todo bien más allá del punto en el cual el estilo homophonic está claramente en el antepasado. La cultura musical fue cogida en una encrucijada: los amos del más viejo estilo tenían la técnica, pero el público tenido hambre del nuevo. Éste es una de las razones Carl Philipp Emanuel Bach fue sostenido en tal alto respeto: él entendía las más viejas formas absolutamente bien y sabía presentarlas en garb nuevo, con una variedad realzada de forma; él entró lejos en el reacondicionamiento de las más viejas formas del Barroco.

La práctica de la era barroca era el estándar contra el cual nuevo composición fue medido, y vino ser una división entre los trabajos sagrados, que celebraron más de cerca al estilo barroco de los trabajos seculares o “profane”, que estaban en el nuevo estilo.

Especialmente en los países católicos de Europa central, el estilo barroco continuó siendo representado en música sagrada a través del final del décimo octavo siglo, en mucho la manera que antico del montante del renacimiento continuó viviendo en la música sagrada del 17mo siglo temprano. Las masas y los oratorios de José Haydn y Wolfgang Amadeus Mozart, mientras que es clásico en su orchestration y ornamentation, tenga muchas características barrocas en su estructura contrapuntal y armónica subyacente. La declinación del Barroco consideró a varias tentativas de mezclar viejas y nuevas técnicas, y a muchos compositores que continuaron desbastando a las más viejas formas bien en el 1780s. Muchas ciudades en Alemania continuaron manteniendo prácticas del funcionamiento del Barroco en el 1790s, incluyendo Leipzig, en donde J.S. Bach trabajó en el final de su vida.

En Inglaterra, el renombre que aguantaba de Handel aseguró el éxito de Charles Avison, Guillermo Boyce, y Thomas Arne- entre otros imitadores-bien realizados en el 1780s, que compitió junto a Mozart y a Bach. En Europa continental, sin embargo, era considerado una manera de la escritura pasada de moda y era un requisito para la graduación del número burgeoning de invernaderos de la música, y reservado de otra manera solamente para el uso en trabajos sagrados.

Después de 1760

Porque la música barroca era la base para el pedagogy, conservó una influencia estilística incluso después hubiera dejado de ser el estilo dominante de componer o de la fabricación de la música. Así como la práctica barroca bajó del uso, él continuó siendo parte de la notación musical. En el diecinueveavo siglo temprano, las cuentas por los amos barrocos fueron impresas en la edición completa, y ésta condujo a un interés renovado en el “estilo terminante” del counterpoint, pues entonces fue llamada. Con Felix Mendelssohnel 'renacimiento de s de la música coral de Bach, el estilo barroco se convirtió en una influencia con el diecinueveavo siglo como modelo de la pureza académica y formal. A través del diecinueveavo siglo, la fuga en el estilo de Bach llevó a cabo la influencia enorme para los compositores como un estándar para aspirar a y forma a incluir en trabajos instrumentales serios.

En el vigésimo siglo, el Barroco fue nombrado como período, y su música comenzó a ser estudiada. La forma y la práctica barrocas influenciaron a compositores tan diversos como Arnold Schoenberg, Reger máximo, Igor Stravinsky y Béla Bartók. Había también un renacimiento de los compositores barrocos medios tales como Purcell y Corelli.

Hay varios casos de los pedazos contemporáneos que son publicados como masterworks barrocos “vueltos a descubrir”. Algunos ejemplos de esto incluyen un concerto de la viola escrito cerca Henri Casadesus pero atribuido a Cristiano Bach de Johann, tan bien como varios pedazos atribuidos cerca Fritz Kreisler a las figuras menos conocidas del Barroco por ejemplo Gaetano Pugnani y Padre Martini. Alessandro Parisotti atribuyó su aria para la voz y el piano, “m'ami del tu del SE”, a Pergolesi. Hoy, hay una base muy activa de los compositores que escriben trabajos exclusivamente en el estilo barroco, un ejemplo que es Giorgio Pacchioni.

Se han etiquetado los varios trabajos “neo-barroco“para un foco en polyphony imitativo, incluyendo los trabajos de Giacinto Scelsi, Paul Hindemith, Paul Creston y Martinů, aun cuando no están en el estilo barroco apropiado. Los Musicologists procuraron terminar varios trabajos del Barroco, lo más notablemente posible Bach El arte de la fuga. Porque el estilo barroco es un punto reconocido de la referencia, implicando no sólo música, pero un período particular y una manera social, los pedazos labrados barrocos se crean a veces para los medios, tales como película y televisión. Compositor Peter Schickele parodiar estilos clásicos y barrocos bajo nombre de la pluma PDQ Bach.

La práctica barroca del funcionamiento tenía una influencia renovada con la subida de “auténtico” o Funcionamiento históricamente informado en el último vigésimo siglo. Textos cerca Quantz y Leopold Mozart entre otros, formado la base para los funcionamientos que procuraron recuperar algunos de los aspectos del mundo barroco de los sonidos, incluyendo uno en un funcionamiento de la pieza de los trabajos por Bach, uso de la tripa encadena más bien que metal, reconstruido clavicordios, uso de más viejas técnicas que juegan y estilos. Varios conjuntos populares adoptaron algunas o todos estas técnicas, incluyendo 4 anónimos, Academia de música antigua, Boston Handel y sociedad de Haydn, Academia de St. Martin en los campos, Guillermo Christie Artes Florissants de Les y otros. Este movimiento entonces procuró aplicar algunos de los mismos métodos a clásico e igualar funcionamiento romántico temprano de la era.

Vea también

Notas

  1. ^ Palisca, arboleda en línea
  2. ^ Sachs 1919.
  3. ^ Palisca, Arboleda en línea

Referencias

  • Palisca, Claude. “Barroco”, música de la arboleda en línea, ed. L. Macy (alcanzado el 21 de agosto de 2007), (acceso de la suscripción)
  • Sachs, conciso. 1919. “`Barokmusik”. Der Musikbibliothek Peters 1919 de Jahrbuch, 7–15.

Lectura adicional

  • Christensen, calle de Thomas, y Peter Dejans. Hacia aspectos de la tonalidad de la teoría barroca de la música. Leuven: Prensa de la universidad de Leuven, 2007. ISBN 9789058675873
  • Cyr, Maria. Ensayos en el funcionamiento de la ópera de la música y de la música de compartimiento barrocas en Francia e Inglaterra. Variorum recogió la serie de los estudios, 899. Aldershot, Hants, Inglaterra: Ashgate, 2008. ISBN 9780754659266
  • Capataz, Edward. Un método del Canto de belio, o, cómo cantar la música barroca italiana basada correctamente en las fuentes primarias. Vigésimos masterworks del siglo en cantar, V. 12. Minneapolis, Minn: Favorable prensa de Musica, 2006. ISBN 1887117180
  • Schubert, Peter, y Christoph Neidhöfer. Counterpoint barroco. Río superior de la silla de montar, NJ: Prentice Pasillo, 2006 de Pearson. ISBN 0131834428
  • Schulenberg, David. Música del Barroco. Nueva York: Oxford PARA ARRIBA, 2001. ISBN 0-19-512232-1
  • Stauffer, George B. El mundo de las nuevas perspectivas de la música barroca. Bloomington: Prensa de la universidad de Indiana, 2006. ISBN 025334798X Contenido

Acoplamientos externos

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