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Oper

Oper ist Kunstform in welchem Sänger und Musiker führen Sie a durch drastisch arbeiten Sie (benannte eine Oper), das einen Text kombiniert (genannt a Libretto) und a musikalische Kerbe.^[1] Oper ist ein Teil vom westlichen klassische Musik Tradition.^[2] Oper enthält viele der Elemente von gesprochen Theater, wie Fungieren, Landschaft und Kostüme und schließt manchmal ein Tanz. Die Leistung wird gewöhnlich in gegeben Oper Haus, begleitet von Orchester oder kleiner musikalisches Ensemble.

Oper begonnen in Italien am Ende des 16. Jahrhunderts (Jacopo Peri's verloren Dafne, innen produziert Florenz ungefähr 1597) und bald Verbreitung durch den Rest von Europa: Schütz in Deutschland, Lully in Frankreich und Purcell in England ganz geholfen, ihre nationalen Traditionen im 17. Jahrhundert herzustellen. Jedoch im 18. Jahrhundert, fuhr italienische Oper fort, die meisten von Europa, ausgenommen Frankreich zu beherrschen und zog fremde Komponisten wie an Handel. Oper seria war die prestigevollste Form der italienischen Oper, bis Gluck reagiert gegen seine Künstlichkeit mit seinen „Verbesserung“ Opern im 1760s. Heute ist die berühmteste Abbildung spät der 18. Jahrhundertoper Mozart, das mit Oper seria anfing, aber für seinen Italiener am berühmtesten ist komische Opern, besonders Die Verbindung von Figaro, Ziehen Sie Giovanni anund Così Ventilator tutte, sowie Die magische Flöte, ein Grenzstein in der deutschen Tradition.

Der erste Third des 19. Jahrhunderts sah das highpoint von Belgesang Art, mit Rossini, Donizetti und Bellini alle verursachenden Arbeiten, die noch heute durchgeführt werden. Es sah auch das Aufkommen von Großartige Oper verkörpert durch die Arbeiten von Meyerbeer. Das mittlere zum des späten 19. jahrhunderts Jahrhundert wird durch einiges ein goldenes Alter der Oper betrachtet, vorbei geführt Wagner in Deutschland und Verdi in Italien. Dieses „goldene Alter“ entwickelte sich durch verismo ära in Italien und im Zeitgenossen Französische Oper durch zu Puccini und Strauss im frühen - Jahrhundert des Th 20. Während des 19. Jahrhunderts tauchten parallele Operntraditionen in der Zentrale und in Osteuropa, besonders innen auf Rußland und Böhmen. Das 20. Jahrhundert sah viele Experimente mit modernen Arten, wie atonality und serialism (Schoenberg und Berg), Neo-Classicism (Stravinsky) und Minimalismus (Philip Glas und John Adams). Mit dem Aufstieg von Aufnahmetechnologie, Sänger wie Enrico Caruso wurde zu den Publikum über dem Kreis der Oper Ventilatoren hinaus bekannt. Opern wurden auch an durchgeführt, (und geschrieben für) Radio und Fernsehen.

Geschichte

Ursprung

Hauptartikel: Ursprung der Oper

Das Wort Oper Mittel „Arbeit“ innen Italienisch (von Lateinisch Opus Bedeutung „Arbeit“ oder „Arbeit“) vorschlagend, daß sie die künste des solo und choral Singens, des declamation kombiniert und in ein inszeniertes Schauspiel fungiert und tanzt. Dafne durch Jacopo Peri war der früheste Aufbau hielt Oper, heute verstanden. Es wurde um 1597, groß unter der Inspiration eines Auslesekreises von gebildetem geschrieben Florentinisch Humanisten wer als das „Camerata de Bardi“ erfaßte. Erheblich, Dafne war ein Versuch, das klassische wieder zu beleben Griechisches Drama, Teil der breiteren Wiederbelebung des Altertums charakteristisch von Renaissance. Die Mitglieder des Camerata betrachteten, daß die „Chor“ Teile der griechischen Dramen ursprünglich gesungen wurden, und glätten vielleicht den gesamten Text aller Rollen; Oper wurde folglich als Weise „der Wiederherstellung“ dieser Situation begriffen. Dafne ist leider verloren. Eine neuere Arbeit durch Peri, Euridice, ist die Datierung von 1600, die erste Oper Kerbe, zum heutigen überlebt zu haben. Die Ehre des Seins die erste noch regelmäßig durchgeführt zu werden Oper, geht jedoch zu Claudio Monteverdis L'Orfeo, bestanden für das Gericht von Mantua 1607.^[3]

Italienische Oper

Hauptartikel: Italienische Oper

Die barocke ära

Oper blieb nicht begrenzt, um Publikum für langes zu umwerben; in 1637 die Idee einer „Jahreszeit“ (Karneval) von den allgemein-gesorgten Opern, die durch Karte Verkäufe gestützt wurden, tauchte in Venedig auf. Monteverdi hatte auf die Stadt von Mantua bewogen und seine letzten Opern bestanden, Il ritorno d'Ulisse im patria und L'incoronazione di Poppea, für das venetianische Theater im 1640s. Sein wichtigster Nachfolger Francesco Cavalli geholfen, Oper in Italien zu verbreiten. In diesen frühen barocken Opern wurde funkte ausgedehnte Komödie mit tragischen Elementen in einer Mischung gemischt, die etwas gebildete Empfindlichkeiten rüttelte und die erste vieler Reformbewegungen der Oper, gefördert Venedigs von der Arcadian Akademie, die kam, mit dem Dichter zu sein Metastasiovon, dem Libretti, halfen zu kristallisieren das Genren Oper seria, das die führende Form der italienischen Oper bis das Ende des 18. Jahrhunderts wurde. Sobald das ideale Metastasian fest hergestellt worden war, war Komödie in der Barock-ära Oper reserviert für, was kam benannt zu werden Oper buffa.

Bevor solche Elemente aus Oper seria heraus Zwangs waren, hatten viele Libretti gekennzeichnet einen separat ausbreiten komischen Plot als Art einer „Oper-innerhalb-einoper.“ Ein Grund für dieses war ein Versuch, die Mitglieder der wachsenden Handelskategorie anzuziehen, eben wohlhabend, aber noch weniger gezüchtet als der Adel, zur öffentlichkeit Oper Häuser. Diese unterschiedlichen Plots wurden fast sofort in einer separat sich entwickelnden Tradition wieder belebt, die teils vom commedia dell'arte ableitete, (wie in der Tat, solche Plots immer gewesen waren), eine lang-blühende improvisitory Stadium Tradition von Italien. Gerade da intermedi einmal zwischen den Taten des Stadiums spielt, Opern im neuen komischen Genren von „Intermezzi“ durchgeführt worden war, die sich groß in Neapel im 1710s und in den zwanziger Jahren entwickelten, wurden zuerst während der Unterbrechungen von Oper seria inszeniert. Sie wurden jedoch so populär daß sie bald als unterschiedliche Produktionen angeboten wurden.

Oper seria wurde im Ton erhöht und stylised in hohem Grade in der Form und normalerweise bestand secco recitative vermischt mit langem da Capo Arien. Diese leisteten sich große Gelegenheit für das virtuosic Singen und während des goldenen Alters von Oper seria der Sänger wurde wirklich der Stern. Die Rolle des Heldes wurde normalerweise für geschrieben Castrato Stimme; castrati wie Farinelli und Senesino, sowie Frau Sopranos wie Faustina Bordoni, wurde in der großen Nachfrage in Europa wie Oper seria ordnete das Stadium in jedem Land ausgenommen Frankreich an. In der Tat war Farinelli der berühmteste Sänger des 18. Jahrhunderts. Italienische Oper stellte den barocken Standard ein. Italienisch Libretti waren die Norm, selbst wenn ein deutscher Komponist mögen Handel gefunden Schreiben für London Publikum. Italienische Libretti blieben in dominierend klassisch Periode außerdem, z.B. in den Opern von Mozart, das in Wien nahe dem Ende des Jahrhunderts schrieb. Führende Italienisch-getragene Komponisten von Oper seria schließen Sie ein Alessandro Scarlatti, Vivaldi und Porpora.^[4]

Verbesserung: Gluck, der Angriff auf dem Metastasian ideal und Mozart

Oper seria hatte seine Schwächen und Kritiker und die Vorliebe für Verschönerung im Namen der superbly ausgebildeten Sänger und des Gebrauches des Schauspieles, während ein Wiedereinbau für drastische Reinheit und Einheit Angriffe zeichnete. Francesco Algarotti's Versuch auf der Oper (1755) war eine Inspiration für Christoph Willibald Gluck's Verbesserungen. Er befürwortete den Oper seria zu den Grundlagen und zu der zurückgehen mußten alle verschiedenen Elemente -- Musik (instrumentell und vocal), Ballett und Inszenierung -- zum muß das Überlaufen Drama subservient sein. Einige Komponisten der Periode, schließend ein Niccolò Jommelli und Tommaso Traetta, versucht, diese Ideale in Praxis zu setzen. Das erste, zum eines dauerhaften Abdruckes nach der Geschichte der Oper wirklich zu folgen und zu lassen war jedoch Gluck. Gluck versuchte, eine „schöne Einfachheit“ zu erzielen. Dieses wird im ersten seiner „Verbesserung“ Opern veranschaulicht, Orfeo E-D Euridice, wo die vocal Linien, die im virtuosity ermangeln von (Sagen) Arbeiten Handels durch einfache Harmonien und eine vornehmlich reich-als-übliche orchestrale Anwesenheit gänzlich gestützt werden.

Verbesserungen Glucks haben Resonanz während der Operngeschichte gehabt. Weber, Mozart und Wagner insbesondere wurden durch seine Ideale beeinflußt. Mozart, im Nachfolger vielen Weisen Glucks, kombinierte eine großartige Richtung des Dramas, der Harmonie, der Melodie, und des Kontrapunkts, eine Reihe Komödien zu schreiben, vornehmlich Così Ventilator tutte, Le Nozze Di Figaround Ziehen Sie Giovanni an (gemeinsam mit Lorenzo Da Ponte) welche unter am meisten-liebten, populäre und weithin bekannte Opern heute bleiben. Aber Beitrag Mozarts zu Oper seria war gemischt; bis zum seiner Zeit starb es weg, und trotz solcher Geldstrafe arbeitet wie Idomeneo und La Clemenza di Tito, würde er nicht folgen, mit, die Kunstform zurück zu dem Leben wieder zu holen.^[5]

Belgesang, Verdi und verismo

Belgesang Oper Bewegung blühte im frühen 19. Jahrhundert und wird durch die Opern von illustriert Rossini, Bellini, Donizetti, Pacini, Mercadante und viele andere. „Schönes buchstäblich singen“, Belgesang Oper leitet von der italienischen stilistischen Singenschule des gleichen Namens ab. Belgesanglinien sind gewöhnlich florid und schwierig und erfordern Oberste Beweglichkeit und Luftschraubenverstellung.

Nach der Belgesangära wurde eine direktere, stärkere Art schnell vorbei popularisiert Giuseppe Verdi, fangend mit seiner biblischen Oper an Nabucco. Opern Verdis schwangen mit dem wachsenden Geist des italienischen Nationalismus im Pfosten mitNapoleonisch ära und er wurden schnell eine Ikone der patriotischen Bewegung (obgleich seine eigenen Politiken möglicherweise nicht ziemlich so Radikal waren). Im frühen 1850s produzierte Verdi seine drei populärsten Opern: Rigoletto, Il trovatore und La Traviata. Aber er fuhr fort, seine Art zu entwickeln und möglicherweise bestand die größten Franzosen Großartige Oper, Ziehen Sie Carlos anund Ende seine Karriere mit zwei Shakespeare-angespornt Arbeiten, Otello und Falstaff, die aufdecken, wie weite italienische Oper in der Weltklugheit seit dem frühen 19. Jahrhundert gewachsen war.

Nach Verdi das sentimental „realistische“ Melodrama von verismo erschienen in Italien. Dieses war eine Art, die vorbei eingeführt wurde Pietro Mascagni's Cavalleria Rusticana und Ruggiero Leoncavallo's Pagliacci das kam praktisch, die Stadien Oper der Welt mit solchen populären Arbeiten wie zu beherrschen Giacomo Puccinis La Boheme, Toscaund Madama Schmetterling. Neuere italienische Komponisten, wie Berio und Nono, haben mit experimentiert modernism.^[6]

Deutschsprachige Oper

Hauptartikel: Deutsche Oper

Die erste deutsche Oper war Dafne, vorbei bestanden Heinrich Schütz 1627 (die Musik hat nicht überlebt). Italienische Oper hielt deutschsprechende Länder eines großen Einflußüberschusses bis das späte 18. Jahrhundert. Dennoch entwickelten sich gebürtige Formen auch. 1644 Sigmund Staden produzierte das erste Singspiel, eine populäre Form der deutschsprachigen Oper, in der das Singen mit gesprochenem Dialog wechselt. Ende der 17. und früh 18. Jahrhunderte das Theater morgens Gänsemarkt innen Hamburg dargestellte deutsche Opern vorbei Keiser, Telemann und Handel. Dennoch viele der deutschen hauptsächlichkomponisten der Zeit, einschließlich Handel selbst, sowie Graun, Hasse und später Gluck, beschloß, die meisten ihren Opern in Fremdsprachen zu schreiben, besonders italienisch.

Mozart's Singspiele, Würfel Entführung aus dem Serail (1782) und Würfel Zauberflöte (1791) waren ein wichtiger Durchbruch, wenn er internationale Anerkennung für deutsche Oper erzielte. Die Tradition wurde im 19. Jahrhundert vorbei entwickelt Beethoven mit seinem Fidelio, angespornt durch das Klima von Französische Revolution. Karl Maria von Weber hergestellt Deutsches romantisches Oper in der Opposition zur Herrschaft des Italieners Belgesang. Seins Der Freischütz (1821) zeigt sein Genie für das Verursachen einer supernatural Atmosphäre. Andere Oper Komponisten der Zeit schließen ein Marschner, Schubert, Schumann und Lortzing, aber die bedeutendste Abbildung war ohne Zweifel Richard Wagner.

Wagner war einer der revolutionärsten und umstrittensten Komponisten in der musikalischen Geschichte. Beginnen unter dem Einfluß von Weber und Meyerbeer, entwickelte er stufenweise ein neues Konzept der Oper als a Gesamtkunstwerk (ein „komplettes Kunstwerk“), ein Schmelzverfahren von Musik, Poesie und Anstrich. In seinen fälligen Musikdramen, Tristan und Isolde, Würfel Meistersinger von Nürnberg, Der Ring-DES Nibelungen und Parsifal, schaffte er die Unterscheidung zwischen Arie und recitative zugunsten eines nahtlosen Flusses „der endlosen Melodie“ ab. Er erhöhte groß die Rolle und die Energie des Orchesters und stellte Kerben mit einem komplizierten Netz von her leitmotivs, wiederkehrende Themen häufig verbunden mit den Buchstaben und Konzepte des Dramas; und er wurde vorbereitet, geltende musikalische Versammlungen, wie zu verletzen Tonalität, in seiner Suche nach grösserem expressivity. Wagner holte auch ein neues philosophisches Maß zur Oper in seinen Arbeiten, denen normalerweise auf Geschichten von basierten Germanisch oder Arthurian Legende. Schließlich errichtete Wagner sein eigenes Oper Haus an Bayreuth, ausschließlich eingeweiht dem Durchführen seiner eigenen Arbeiten in der Art wünschte er.

Oper würde nie die selbe nach Wagner sein und für viele Komponisten prüfte sein Vermächtnis eine schwere Belastung. Einerseits, Richard Strauss geltende Wagnerian Ideen aber nahmen sie in den insgesamt neuen Richtungen. Er gewann zuerst Ruhm mit dem scandalous Salome und die dunkle Tragödie Elektra, das Tonalität zu den Begrenzungen eingedrückt wurde. Dann änderte Strauss Heftzwecke in seinem größten Erfolg, Der Rosenkavalier, wo Mozart und Wiener Waltzes wurde ein Einfluß wie Wagner so wichtig. Strauss fuhr fort, einen in hohem Grade mannigfaltigen Körper der Opernarbeiten, häufig mit Libretti durch den Dichter zu produzieren Hugo von Hofmannsthal, recht oben bis Capriccio 1942. Andere Komponisten, die einzelne Beiträge zur deutschen Oper im frühen bildeten - Jahrhundert des Th 20 einschließen Zemlinsky, Hindemith, Kurt Weill und Italienisch-getragen Ferruccio Busoni. Die Operninnovationen von Arnold Schoenberg und seine Nachfolger werden im Abschnitt auf modernism besprochen.^[7]

Französische Oper

Hauptartikel: Französische Oper

In der Rivalität mit importierten italienischen Oper Produktionen, wurde eine unterschiedliche französische Tradition vom Italiener gegründet Jean-Baptiste Lully am Gericht von König Louis XIV. Trotz seines fremden Ursprung stellte Lully her Akademie von Musik und monopolisierte französische Oper von 1672. Beginnend mit Cadmus und Hermione, Lully und sein librettist Quinault verursacht tragédie en musique, eine Form, in der Tanzmusik und choral Schreiben besonders vorstehend waren. Opern Lullys zeigen auch ein Interesse für ausdrucksvolles recitative welches die Formen der französischen Sprache zusammenbrachte. Im 18. Jahrhundert Lullys war wichtigster Nachfolger Jean-Philippe Rameau, das fünf bestand tragédies en musique sowie zahlreiche Arbeiten in anderen Genren wie Operballett, ganz angesehene Person für ihre reiche Orchestrierung und Harmonik verwegen. Nach Tod Rameaus der Deutsche Gluck wurde überzeugt, um sechs Opern für zu produzieren Pariser Stadium im 1770s. Sie zeigen den Einfluß von Rameau, aber vereinfacht und mit grösserem Fokus auf das Drama. Gleichzeitig durch die Mitte des 18. Jahrhunderts gewann ein anderes Genre Popularität in Frankreich: opéra comique. Dieses war das äquivalent des Deutschen singspiel, wo Arien mit gesprochenem Dialog wechselten. Bemerkenswerte Beispiele in dieser Art wurden vorbei produziert Monsigny, Philidor und, vor allem, Grétry. Während Revolutionär Periode, Komponisten wie Méhul und Cherubini, das Nachfolger von Gluck waren, dem Genren eine neue Ernsthaftigkeit holte, das nie insgesamt auf jeden Fall „komisch“ gewesen war.

Durch das 1820s hatte Gluckian Einfluß in Frankreich zu einem Geschmack für Italiener nachgegeben Belgesang, besonders nach der Ankunft von Rossini in Paris. Rossinis Guillaume sagen geholfen gefunden dem neuen Genren von Großartige Oper, eine Form der deren meiste berühmte Exponent ein anderer Ausländer war, Giacomo Meyerbeer. Arbeiten Meyerbeers, wie Les Huguenots hervorgehobenes Virtuososingen und außerordentliche Stadium Effekte. Heller opéra comique auch genossener enormer Erfolg in den Händen von Boïeldieu, Auber, Hérold und Adolphe Adam. In diesem Klima die Opern des Französisch-getragenen Komponisten Tyrann Berlioz gekämpft, um eine Hörfähigkeit zu gewinnen. Berliozs episches Meisterwerk Les Troyens, wurde der Höhepunkt der Gluckian Tradition, nicht eine volle Leistung für fast hundert Jahre gegeben.

Zur Hälfte zweite des 19. Jahrhunderts, Jacques Offenbach verursacht operetta mit den witty und zynischen Arbeiten wie Orphée Zusatzenfers; Charles Gounod zählte einen massiven Erfolg mit Faust; und Bizet bestanden Carmen, das, sobald Publikum erlernten, seine Mischung von anzunehmen Romantik und Realismus, wurde aller opéra comiques das populärste. Massenet, Heiliges-Saëns und Delibes alle bestandenen Arbeiten, die ruhiges Teil des Standardrepertoires sind. Gleichzeitig der Einfluß von Richard Wagner wurde als Herausforderung zur französischen Tradition geglaubt. Viele französische Kritiker wiesen verärgert Musikdramen Wagners zurück, während viele französische Komponisten sie nah mit variablem Erfolg nachahmten. Möglicherweise kam die interessanteste Antwort von Claude Debussy. Wie in den Arbeiten Wagners, spielt das Orchester eine führende Rolle Debussys in der einzigartigen Oper Pelléas und Mélisande (1902) und es gibt keine realen Arien, nur recitative. Aber das Drama understated, rätselhaft und vollständig unWagnerian.

Andere bemerkenswerte 20. Jahrhundertnamen schließen ein Loseer Faden, Dukas, Roussel und Milhaud. Francis Poulenc ist einer der sehr wenigen Nachkriegskomponisten jeder möglicher Nationalität deren Opern (die einschließen Dialogiert DES carmélites) haben eine Stellung im internationalen Repertoire gewonnen. Olivier Messiaens langatmiges heiliges Drama Heiliges François d'Assise (1983) hat auch weitverbreitete Aufmerksamkeit erregt.^[8]

Englischsprachige Oper

In England war Vorgeschichte der Oper das 17. Jahrhundert Spannvorrichtung. Dieses war ein afterpiece, das am Ende eines Spiels kam. Es war häufig verleumderisch und scandalous und in der Hauptleitung des Dialogsatzes zur Musik bestanden ordnete von den populären Melodien. In dieser Hinsicht nehmen Spannvorrichtungen die Balladeopern des 18. Jahrhunderts vorweg. Gleichzeitig die Franzosen Maske gewann einen festen Einfluß am englischen Gericht, mit sogar verschwenderischer Pracht und in hohem Grade realistischer Landschaft, als vorher gesehen worden war. Inigo Jones wurde der fundamentale Entwerfer dieser Produktionen, und diese Art war, das englische Stadium für drei Jahrhunderte zu beherrschen. Diese Masken enthielten Liede und Tänze. In Ben Jonson's Geliebte bildeten Männer (1617), „die vollständige Maske wurde nach der italienischen Weise, stilo recitativo gesungen“.^[9]

Die Annäherung von Englischer Commonwealth geschlossene Theater und angehalten irgendwelchen Entwicklungen, die zu die Einrichtung der englischen Oper geführt haben können. Jedoch 1656, Dramatist Sir William Davenant produziert Die Belagerung von Rhodes. Da sein Theater nicht genehmigt wurde, um Drama zu produzieren, bat er mehrere der führenden Komponisten (Lawes, Cooke, Locke, Coleman und Hudson) Abschnitte von ihm auf Musik einzustellen. Dieser Erfolg wurde vorbei gefolgt Die Grausamkeit der Spaniards in Peru (1658) und Die Geschichte des Sirs Francis Drake (1659). Diese Stücke wurden vorbei angeregt Oliver Cromwell weil sie gegenüber Spanien kritisch waren. Mit Englische Wiederherstellung, wurden fremde (besonders Franzose) Musiker zurück begrüßt. 1673, Thomas Shadwell's Psyche, patterned auf 1671 „produzierte Comédieballett“ des gleichen Namens vorbei Molière und Jean-Baptiste Lully. William Davenant produziert Der Tempest im gleichen Jahr das die erste musikalische Anpassung von a war Shakespeare Spiel (bestanden von Locke und von Johnson).^[9] Ungefähr 1683, John Schlag bestanden Venus und Adonis, dachte häufig an als die erste zutreffende englischsprachige Oper. Der sofortige Nachfolger des Schlages war bekannt das bessere Henry Purcell. Trotz des Erfolges seines masterwork Dido und Aeneas (1689), in denen die Tätigkeit durch den Gebrauch von Italienisch-Art recitative gefördert wird, wurde viel von Purcells bester Arbeit nicht im Bestehen aus typischer Oper miteinbezogen, aber anstatt arbeitete er normalerweise innerhalb der Begrenzungen von Halboper formatieren Sie, wo lokalisierte Szenen und Masken innerhalb der Struktur eines gesprochenen Spiels enthalten werden, wie Shakespeare in Purcells Die Fee-Königin (1692) und Beaumont und Fletcher innen Der Prophetess (1690) und Bonduca (1696). Die Hauptbuchstaben des Spiels neigen, nicht in die musikalischen Szenen mit einbezogen zu werden, das bedeutet, daß Purcell selten war, seine Charakter durch Lied zu entwickeln. Trotz dieser Behinderungen seins Ziel (und das seines Mitarbeiters John Dryden) war, ernste Oper in England, aber diese Hoffnungen herzustellen, die mit Purcells frühem Tod am Alter von 36 beendet wurden.

Nach Purcell denn vielen Jahren Großbritannien im Wesentlichen war ein Vorposten der Italianate Oper. Handel's Oper serias beherrschte die London Opernstadien für Dekaden und sogar die hausgewachsenen Komponisten wie Thomas Arne und John Frederick Lampe schrieb mit italienischen Modellen. Diese Situation fuhr während der 18. und 19. Jahrhunderte fort und schloß in der Arbeit von ein Michael Balfeund die Opern der großen italienischen Komponisten, sowie die von Mozart, Beethoven und Meyerbeer, fuhren fort, das musikalische Stadium in England zu beherrschen. Die einzigen Ausnahmen waren Balladeopern, wie John Homosexuelles's Die Oper des Bettlers (1728), musikalisch Burlesken, Europäisch operettasund spät Viktorianische ära helle Opern, vornehmlich Wirsing-Opern von W. S. Gilbert und Arthur Sullivan, dem Arten der musikalischen Unterhaltungen häufig Opernversammlungen spoofed. Sullivan schrieb nur eine großartige Oper, Ivanhoe (nach den Bemühungen einer Anzahl von den jungen englischen Komponisten, die ungefähr 1876) anfangen,^[9] aber er behauptete, daß sogar seine hellen Opern Teil einer Schule „der englischen“ Oper festsetzten, gesollt die französischen operettas verdrängen (normalerweise durchgeführt in den schlechten übersetzungen) die das London Stadium während des 19. Jahrhunderts in das 1870s beherrscht hatten. Londons Täglicher Fernschreiber zugestimmt, beschreibend Die Yeomen des Schutzes als „… echte englische Oper, ließ Vorläufer von vielen anderen, uns hoffen, und vielleicht bedeutend für einen Fortschritt in Richtung zu einem nationalen Lyrikstadium.“^[10]

Im 20. Jahrhundert fing englische Oper an, mehr Unabhängigkeit, mit Arbeiten von zu erklären Ralph Vaughan Williams und insbesondere Benjamin Britten, dem in einer Reihe von feinen Arbeiten, die im Standardrepertoire heute bleiben, ein ausgezeichnetes Gespür für das drastische und großartige musicality aufdeckte. Heute Komponisten wie Thomas Adès fahren Sie fort, englische Oper auswärts zu exportieren.^[11] Vor kurzem Sir Harrison Birtwistle ist als einer von Großbritanniens bedeutendsten zeitgenössischen Komponisten von seiner ersten Oper aufgetaucht Durchschlag und Judy zu seinem neuesten kritischen Erfolg innen Das Minotaur.

Auch im 20. Jahrhundert, mögen amerikanische Komponisten Leonard Bernstein, Gershwin, Gian Carlo Menottiund Carlisle Floyd fing an, die englischsprachigen Opern beizutragen, die mit Noten der populären musikalischen Arten hineingegossen wurden. Sie wurden von den Modernisten wie gefolgt Philip Glas, Kennzeichnen Sie Adamo, John Coolidge Adamsund Jake Heggie.

Russische Oper

Hauptartikel: Russische Oper

Oper wurde zu geholt Rußland im 1730s durch Italienisches Opern troupes und bald wurde es ein wichtiges Teil Unterhaltung für das russische imperiale Gericht und Aristokratie. Viele fremde Komponisten wie Baldassare Galuppi, Giovanni Paisiello, Giuseppe Sartiund Domenico Cimarosa (sowie verschiedene andere) wurden nach Rußland eingeladen, um neue Opern, meistens in zu bestehen Italienischsprachig. Gleichzeitig mögen einige inländische Musiker Maksym Berezovsky und Dmytro Bortniansky wurden auswärts gesendet, um zu erlernen, Opern zu schreiben. Die erste Oper innen geschrieben Russisch war Tsefal I Prokris durch den italienischen Komponisten Francesco Araja (1755). Die Entwicklung der Russisch-Sprachenoper wurde von den russischen Komponisten gestützt Vasily Pashkevich, Yevstigney Fomin und Alexey Verstovsky.

Jedoch die reale Geburt von Russische Oper kam mit Mikhail Glinka und seine zwei großen Opern Ein Leben für das Tsar, (1836) und Ruslan und Lyudmila (1842). Nach ihm im 19. Jahrhundert in Rußland dort wurden solche Opernmeisterwerke wie geschrieben Rusalka und Der Steingast durch Alexander Dargomyzhsky, Boris Godunov und Khovanshchina durch Bescheidenes Mussorgsky, Prinz Igor durch Alexander Borodin, Eugene Onegin und Die Königin der Spaten durch Pyotr Tchaikovskyund Die Schnee-Maid und Sadko durch Nikolai Rimsky-Korsakov. Diese Entwicklungen spiegelten das Wachstum des Russen wider Nationalismus über dem künstlerischen Spektrum als Teil des allgemeineren Slavophilism Bewegung.

Im 20. Jahrhundert Traditionen von der russischen Oper entwickelten sich von vielen Komponisten einschließlich Sergei Rachmaninov in seinen Arbeiten Der Miserly Ritter und Franchesca da Rimini, Igor Stravinsky in Le Rossignol, Mavra, Ödipus rexund Der Fortschritt der Rührstange, Sergei Prokofiev in Der Spieler, Die Liebe für drei Orangen, Der brennende Engel, Betrothal in einem Monasteryund Krieg und Frieden; sowie Dmitri Shostakovich in Die Nase und Dame Macbeth des Mtsensk Bezirkes, Edison Denisov in L'écume DES joursund Alfred Schnittke in Leben mit einem Idiotenund Historia von D. Johann Fausten.^[12]

Andere nationale Opern

Spanien produzierte auch seine eigene unterscheidende Form der Oper, bekannt als zarzuela, das zwei verschiedene flowerings hatte: ein im 17. Jahrhundert und andere, die im mid-19th Jahrhundert anfangen. Während des 18. Jahrhunderts war italienische Oper in Spanien unermeßlich populär und verdrängte die gebürtige Form.

Tschechische Komponisten entwickelten auch eine emporkommende nationale Oper Bewegung von ihren Selbst im 19. Jahrhundert, beginnend mit Bedřich Smetana wer acht Opern einschließlich das international populäre schrieb Die Tauschhandel getriebene Braut. Antonín Dvořák, am berühmtesten für Rusalka, schrieb 13 Opern; und Leoš Janáček gewonnene internationale Anerkennung im 20. Jahrhundert für seine erfinderischen Arbeiten einschließlich Jenůfa, Das schlaue kleine Vixenund Káťa Kabanová.

Die Schlüsselabbildung der ungarischen nationalen Oper im 19. Jahrhundert war Ferenc Erkel, dessen Arbeiten meistens historische Themen beschäftigten. Unter seinen häufig durchgeführten Opern seien Sie Hunyadi László und Bánk bán. Die berühmteste moderne ungarische Oper ist Béla Bartóks Herzog Bluebeards Castle.

Der bekannteste Komponist von Polnische nationale Oper war Stanislaw Moniuszko, am meisten gefeiert für die Oper Straszny Dwór.^[13] Im 20. Jahrhundert schlossen andere Opern, die von den polnischen Komponisten verursacht wurden ein König Roger durch Karol Szymanowski und Ubu Rex durch Krzysztof Penderecki.

Zeitgenössische, neue und Modernisttendenzen

Modernism

Möglicherweise ist die offensichtlichste stilistische äusserung von modernism in der Oper die Entwicklung von atonality. Die Bewegung weg von der traditionellen Tonalität in der Oper hatte mit angefangen Wagnerund insbesondere Tristan Akkord. Komponisten wie Richard Strauss, Claude Debussy, Giacomo Puccini, Paul Hindemith und Hans Pfitzner gedrückte Wagnerian Harmonie weiter mit einem extremeren Gebrauch des chromaticism und grösserem Gebrauch von Dissonance.

OpernModernism fing wirklich in den Opern von zwei Wiener Komponisten an, Arnold Schoenberg und sein Gehilfe Alban Berg, beide Komponisten und Fürsprecher von atonality und von seiner neueren Entwicklung (wie von Schoenberg ausgearbeitet), dodecaphony. Schoenbergs frühe musico-drastische Arbeiten, Erwartung (1909, erstaufführt 1924) und Würfel glückliche Hand zeigen Sie schweren Gebrauch von chromatischer Harmonie und Dissonance im allgemeinen an. Schoenberg auch verwendete gelegentlich Sprechstimme, das er wie beschrieb: „Die Stimme, die im Verhältnis zu den angezeigten Abständen steigen und fallen, und alles, die zusammen mit der Zeit und dem Rhythmus der Musik gesprungen wird, schließen aus, wo eine Pause angezeigt wird“.

Die zwei Opern von Pupille Alban Berg Schoenbergs, Wozzeck und Lulu (linkes unvollständiges an seinem Tod) teilen Sie viele der gleichen Eigenschaften wie oben beschrieben, obwohl Berg seine in hohem Grade persönliche Deutung der Technik Zwölfton Schoenbergs mit melodic Durchgängen einer traditionsgemäß tonal Natur kombinierte (durchaus Mahlerian im Buchstaben) die möglicherweise teilweise erklärt, warum seine Opern im Standardrepertoire, trotz ihrer umstrittenen Musik und Plots geblieben sind. Theorien Schoenbergs haben (entweder direkt oder indirekt) die bedeutenden Anzahlen von Oper Komponisten seit beeinflußt, selbst wenn sie selbst nicht mit seinen Techniken bestanden. Die folglich beeinflußten Komponisten schließen das Engländer mit ein Benjamin Britten, der Deutsche Hans Werner Henzeund der Russe Dmitri Shostakovich. (Philip Glas gebraucht auch atonality, obwohl seine Art im Allgemeinen wie beschrieben wird Minimalist, dachte normalerweise an als eine andere 20. Jahrhundertentwicklung.)

Jedoch funkte Gebrauch der Opernmodernisms dodecaphony ein Zahnflankenspiel unter einigen führenden Komponisten. Unter der Avantgarde von diesen war der Russe vorstehend Igor Stravinsky. Nachdem offensichtlich modernistische Musik für bestanden worden ist Diaghilev- produzierte Balletts Petrushka und Das Rite des Frühlinges, in den zwanziger Jahren Stravinsky gedreht zu Neoclassicism, kulminierend in seinem OperOratorio Ödipus Rex.^[14] Als er eine in voller Länge Oper bestand, die außen Zweifel ein Oper war (nachdem seine Arbeiten Rimsky-Korsakov-anspornte Die Nachtigall (1914) und Mavra (1922)), innen Der Fortschritt der Rührstange er fuhr fort, serialist Techniken zu ignorieren und schrieb eine 18. Jahrhundertart „Zahl“ Oper mit diatonicism. Sein Widerstand zu serialism (das am Tod von Schoenberg beendete), war eine Inspiration für viele andere Komponisten.^[15]

Anderes neigt

Eine allgemeine Tendenz während des 20. Jahrhunderts, in der Oper und im allgemeinen orchestralen Repertoire, ist die Gesundschrumpfung der orchestralen Kräfte. Während Patronat der künste sich verringert, werden neue Arbeiten mit kleineren Etats, sehr häufig mit dem Ergebnis der Raum-sortierten Arbeiten und den eine Tat Opern beauftragt und durchgeführt. Viele von Benjamin Britten's Opern werden für nur 13 Instrumentalisten gezählt; Kennzeichnen Sie Adamo's zwei-fungieren Realisierung von Kleine Frauen wird für 18 Instrumentalisten gezählt.

Eine andere Eigenschaft der 20. Jahrhundertoper ist das Hervortreten der zeitgenössischen historischen Opern. Der Tod von Klinghoffer und Nixon in China durch John Adamsund Totes Mann-Gehen durch Jake Heggie illustrieren Sie das dramatisation auf Stadium von Fällen im neuen lebenden Gedächtnis, in dem die Buchstaben, die in der Oper geschildert wurden, zu der Zeit der Premiereleistung lebendig waren. Frühere Modelle der Oper im Allgemeinen gehaftet an der entfernteren Geschichte, an wiederholenden zeitgenössischen fiktiven Geschichten (reworkings der populären Spiele) oder an den mythischen/legendären Geschichten.^[16]

Die Großstadtbewohner-Oper berichtet, daß der Altersdurchschnitt seiner Gönner jetzt 60 ist. Viele Oper Firmen haben eine ähnliche Tendenz erfahren, und Oper Firmaweb site sind mit Versuchen, ein jüngeres Publikum anzuziehen vollgestopft. Diese Tendenz ist ein Teil der größeren Tendenz der greying Publikum für klassische Musik seit den letzten Dekaden des 20. Jahrhunderts.^[17] In einer Bemühung, jüngere Publikum anzuziehen, die getroffenen Angebote, die ein Kursteilnehmerdiskont auf Karte kauft.^[18] Kleinere Firmen wie Oper Carolina bieten Diskonte und glückliche Stunde Fälle den 21-40 demographischen Einjahres an.^[19] Zusätzlich zu den Radio- und Fernsehensendungen der Oper Leistungen, die etwas Erfolg in gewinnenden neuen Publikum gehabt haben, haben Sendungen von Phasenleistungen in HD zu den Filmtheatern das Potential gezeigt, neue Publikum zu erreichen. Seit 2006 hat getroffen Sendung Phasenleistungen zu mehrereen hundert Filmschirmen auf der ganzen Erde.^[20]

Von den Musikalen ziehen Sie in Richtung zur Oper zurück

Auch bis zum den späten dreißiger Jahren, einige Musikale fing an, mit einer Opernstruktur geschrieben zu werden. Diese Arbeiten schließen komplizierte polyphonic Ensembles mit ein und reflektieren musikalische Entwicklungen ihrer Zeiten. Porgy und Bess, beeinflußt durch Jazzarten und Candide, mit seinem Fegen, lyrical Durchgängen und possenhaften Parodien der Oper, öffneten sich beide an Broadway aber wurde als Teil des Oper Repertoires angenommen. Zeigen Sie Boot, Seitliche Westgeschichte, Brigadoon, Sweeney Todd, Evita, Das Licht im Piazza und andere erklären drastische Geschichten durch komplizierte Musik und werden jetzt manchmal in Oper Häuser gesehen. Einige Musikale, fangend mit an Tommy (1969) und Jesus Christ Superstar (1971) und durch fortfahrend Les Miserables (musikalisch) (1980), Miete (1996) und Weckender Frühling (2006), verwenden Sie verschiedene Opernversammlungen, wie durch Aufbau, recitative anstelle vom Dialog, anstelle den Leitmotiven und von den drastischen Geschichten erklärte überwiegend durch Felsen oder Knallmusik.

Akustische Verbesserung mit Lautsprechern

Eine subtile Art stichhaltige Verstärkung benannt worden akustische Verbesserung wird in einigen Konzertsälen verwendet, in denen Opern durchgeführt werden. Akustische Verbesserung Systeme helfen, einen gleichmäßigeren Ton in der Halle zu geben und „tote Punkte“ im Publikum Sitzbereich durch“ zu verhindern… vergrößern [ing] die tatsächlichen akustischen Eigenschaften einer Halle. „Die Systeme benutzen“… eine Reihe Mikrophone, die an einen Computer [der ist], angeschlossen werden angeschlossen an eine Reihe Lautsprecher. „Jedoch, während concertgoers dem Gebrauch von diesen Systemen bewußt geworden sind, waren Debatten entstanden, weil“… purists beibehalten, daß der natürliche akustische Ton [der klassischen] Sprach[oder] Instrumente in einer gegebenen Halle nicht geändert werden sollte. „^[21]

Kai Haradas Artikel Schmutziges kleines Geheimnis der Oper^[22] Zustände, denen Oper Häuser angefangen haben, elektronische akustische Verbesserung Systeme zu verwenden „…, um Fehler in der akustischen Architektur eines Schauplatzes zu entschädigen.“ Trotz des Uproar, der unter operagoers entstanden war, unterstreicht Harada, daß keine der Oper Häuser mit dem akustischen Verbesserung Systeme „… Gebrauch traditionell, Broadway-Art stichhaltige Verstärkung, in der die meisten, wenn nicht alle Sänger mit den Radiomikrophonen ausgerüstet werden, die zu einer Reihe unansehnlichen Lautsprechern gemischt werden, die zerstreut werden während des Theaters.“ Stattdessen benutzen die meisten Oper Häuser das stichhaltige Verstärkungssystem für akustische Verbesserung und für das subtile Aufladen der offstage Stimmen, des onstage Dialogs und der stichhaltigen Effekte (z.B., Kirchenglocken innen Tosca oder Donner in den Wagnerian Opern).

Opernstimmen

Vocal Klassifikationen

Sänger und die Rollen, die sie spielen, werden vorbei eingestuft Sprachart, gegründet auf tessitura, Beweglichkeit, Energie und timbre von ihren Stimmen. Männliche Sänger können lose vorbei eingestuft werden vocal Strecke wie Baß, Bassbariton, Bariton, Beschaffenheit und Kontratenorund weibliche Sänger wie Kontralto, Mezzo-soprano und Soprano. (Männer singen manchmal in den „weiblichen“ vocal Strecken, in diesem Fall sie benannt werden sopranist oder Kontratenor. Von diesen nur Kontratenor wird allgemein in der Oper angetroffen und manchmal singt die Teile, die für geschrieben werden castrati -- die Männer, die spezifisch an einem jungen Alter neutralisiert werden, um ihnen eine höhere singende Strecke.) Sänger zu geben, werden dann vorbei eingestuft Sprachart - zum Beispiel, kann ein Soprano als Lyrik Soprano beschrieben werden, Koloratur, soubrette, spintooder drastischer Soprano. Diese Bezeichnungen, obgleich eine Singenstimme nicht völlig, beschreibend, verbinden die Stimme des Sängers mit den Rollen, die für die vocal Eigenschaften des Sängers am verwendbarsten sind. Die Stimme eines bestimmten Sängers kann über seiner oder Lebenszeit drastisch ändern und vocal Reife bis die dritte Dekade und manchmal nicht bis mittleres Alter selten erreichen.

Historischer Gebrauch von Sprachteilen

Das folgende wird nur als kurzer überblick beabsichtigt. Für die Hauptartikel sehen Sie Soprano, Mezzo-soprano, Alt, Beschaffenheit, Bariton, Baß, Kontratenor und Castrato.

Die Sopranostimme ist gewöhnlich während der Operngeschichte als die Stimme der Wahl für den weiblichen Protagonisten der Oper in der Frage verwendet worden. Das gegenwärtige Hauptgewicht auf einer breiten vocal Strecke war hauptsächlich eine Erfindung von Klassische Periode. Vorher, daß, das vocal virtuosity, nicht Strecke, die Priorität war, mit Soprano zerteilt über einer Höhe A selten verlängern (Handelz.B. schrieb nur eine Rolle, die auf ein hohes C), zwar der Castrato verlängert Farinelli wurde behauptet, um eine Oberseite D zu besitzen (seine unterere Strecke war auch außerordentlich und verlängerte auf Beschaffenheit C). Der Mezzo-soprano, eine Bezeichnung des verhältnismässig neuen Ursprung, hat auch ein großes Repertoire und reicht von der weiblichen Leitung in Purcells Dido und Aeneas zu solchen heavyweight Rollen wie Brangäne in Wagners Tristan und Isolde (diese sind beide Rollen, die manchmal durch Sopranos gesungen werden; es gibt durchaus eine Menge „Bewegung“ zwischen diesen zwei Stimmearten). Für den zutreffenden Kontralto ist die Strecke der Teile begrenzter, folglich der Saying, die nur Kontraltos „Hexen, Weibchen singen und britches". In den letzten Jahren sind viele der trouser Rollen von der barocken ära, ursprünglich geschrieben für die Frauen und die ursprünglich gesungen durch castrati, Kontratenören zugewiesen worden.

Die Beschaffenheitstimme, von der klassischen ära vorwärts, ist traditionsgemäß die Rolle des männlichen Protagonisten zugewiesen worden. Viele der schwierigsten Beschaffenheitrollen im Repertoire wurden während geschrieben Belgesang ära, wie Donizetti's Reihenfolge von Cs 9 über mittlerem C während La Fille du Régiment. Mit Wagner kam ein Hauptgewicht auf vocal Gewicht für seine Protagonistrollen, wenn diese vocal Kategorie beschrieben ist, wie Heldentenor; diese heroische Stimme hatte seine mehr Italianate Gegenstücke in solchen Rollen wie Calaf in Puccinis Turandot. Bässe haben eine lange Geschichte in der Oper, die innen verwendet wird Oper seria in stützenden Rollen und manchmal für komische Entlastung (sowie das Zur Verfügung stellen eines Kontrastes zum Schwergewicht der hohen Stimmen in diesem Genren). Das Baß-Repertoire ist breit und mannigfaltig und innen dehnt von der Komödie von Leporello aus Ziehen Sie Giovanni an zum Adel von Wotan innen Ring-Zyklus Wagners. Zwischen dem Baß und der Beschaffenheit ist der Bariton, der auch in „Gewicht“ vom Sagen schwankt, Guglielmo in Mozarts Così Ventilator tutte zu Posa in Verdis Ziehen Sie Carlos an; die tatsächliche Kennzeichnung „Bariton“ wurde nicht bis das mittler-19.jahrhundert verwendet.

Berühmte Sänger

Frühe Leistungen der Oper waren zu selten, damit Sänger ein Leben ausschließlich von der Art bilden, aber mit der Geburt der kommerziellen Oper im mid-17th Jahrhundert, fingen professionelle Ausführende an aufzutauchen. Die Rolle des männlichen Heldes wurde normalerweise zu a anvertraut Castratound bis zum dem 18. Jahrhundert, als italienische Oper in Europa durchgeführt wurde, führendes castrati, das außerordentliches vocal virtuosity besaß, wie Senesino und Farinelli, wurden internationale Sterne. Die Karriere des ersten weiblichen hauptsächlichsternes (oder prima donna), Anna Renzi, Daten zum mid-1600s. Im 18. Jahrhundert gewann eine Anzahl von italienischen Sopranos internationales Renommee und engagierte häufig sich in der heftigen Rivalität, wie der Fall mit Faustina Bordoni und Francesca Cuzzoni, das einen Faustkampf miteinander während einer Leistung einer Handel Oper begann. Das französische abgelehnte castrati, durch a gesungen zu werden Helder bevorzugend ihre männlichen, haute-contre (eine hohe Beschaffenheit), von dem Joseph Legros war ein führendes Beispiel.^[23]

Obwohl Oper Patronat des letzten Jahrhunderts zugunsten anderer künste und Mittel, wie Musikale, Kino, Radio, Fernsehen und Aufnahmen Verringerung, hat Massenmittel auch die Popularität der berühmten Sänger wie gestützt Luciano Pavarotti, Placido Domingound Jose Carreras ("Die drei Beschaffenheit"). Andere berühmte Ausführende des 21. Jahrhunderts schließen ein Renee Fleming und viele Künstler, die Anmerkung als „überkreuzungs“ Ausführende gewonnen haben, indem sie in den Knallmusik- und -filmkerben kennzeichneten.

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Anmerkungen

Hinweise

• Silke Leopold, „die Idee der nationalen Oper, C. 1800," Vereinigt und Verschiedenartigkeit in der europäischen Kultur C. 1800, E-D. Tim Blanning und Hagen Schulze (New York: Oxford Universitätspresse, 2006), 19-34.

• Neues Waldung-Wörterbuch der Oper, redigiert durch Stanley Sadie (1992), ist 5.448 Seiten, der beste und der bei weitem größte, allgemeine Hinweis in der englischen Sprache. ISBN 0-333-73432-7 und ISBN 1-56159-228-5

• Der Viking Oper Führer (1994), 1.328 Seiten, ISBN 0-670-81292-7

• Die Oxford erläuterte Geschichte der Oper, E-D. Roger Parker (1994)

• Das Oxford Wörterbuch der Oper, durch John Warrack und Ewan West (1992), 782 Seiten, ISBN 0-19-869164-5

• Oper, der rauhe Führer, durch Matthew Boyden et al. (1997), 672 Seiten, ISBN 1-85828-138-5

• Oper: Eine kurze Geschichte, durch Leslie Orrey und Rodney Milne, Welt der kunst, Themse u. Hudson

Weiterer Messwert

• DiGaetani, John Louis: Eine Einladung zur Oper Anker-Bücher, 1986/91. ISBN 0-385-26339-2
• Simon, Henry W.: Ein Fiskus der großartigen Oper. Simon und Schuster, New York, 1946.

Externe Verbindungen

• Vocabulaire de L'Opéra
• OperaGlass, ein Hilfsmittel an der Stanford Universität
• HistoricOpera - historische Opernbilder
• „Hochkonjunktur Oper Amerikas“ Durch Jonathan Leaf, Der Amerikaner, Juli August 2007 Ausgabe
• 100 größte Opern
• 100 obere Opern mit Plotzusammenfassungen und empfohlenen CDs/DVDs